什么电影是主题服务原则
⑴ 电影是如何评级的
美国电影的分级制度
G级：大众级，所有年龄均可观看大众级，适合所有年龄段的人观看——该级别的电影内容可以被父母接受，影片没有裸体、性爱场面，吸毒和暴力场面非常少。对话也是日常生活中可以经常接触到的；
PG级：普通级，建议在父母的陪伴下观看，有些镜头可能让而用产生不适感.辅导级，一些内容可能不适合儿童观看——该级别的电影基本没有性爱、吸毒和裸体场面，即使有时间也很短，此外，恐怖和暴力场面不会超出适度的范围；
PG-13级：普通级，但不适于13岁以下儿童特别辅导级，13岁以下儿童尤其要有父母陪同观看，一些内容对儿童很不适宜——该级别的电影没有粗野的持续暴力镜头，一般没有裸体镜头，有时回游吸毒镜头和脏话；里面有较多的性爱、暴力、吸毒等场面和脏话；
NC-17级：限制级，17岁或者以下不可观看17岁以下观众禁止观看——该级别的影片被定为成人影片，未成年人坚决被禁止观看。影片中有清楚的性爱场面，大量的吸毒或暴力镜头以及脏话等。
另补充几种特殊的分级：
NR OR U：NR是属于未经定级的电影，而U是针对1968年以前的电影定的级。
M，X OR P：这一级中的电影基本上不适合在各大院线里公映，都属于限制类的。
日本电影分级制度
普通："一般电影"，所有年龄段都可以观赏的影片，影片中虽有性描写，暴力描写等镜头，但是情节发展必不可少的、并尽量控制在有限的范围内；"PG-12"，未满12岁的少儿不可单独观赏，偶有不当内容，需在家长或保护者陪伴下方能观看（性、暴力、残酷、毒品描写；恐怖电影；电影中有小学生以下少儿容易模仿的镜头）
限制级："P-15"，未满15岁少年，一律禁止其入场与收看（有虐待描写）
禁止级："P-18"，未满18周岁，一律禁止入场与收看（强烈反社会行动、行为；表现美化吸毒的描写）
香港的电影分级制度
第Ⅰ级：适合任何年龄的人观看；
第Ⅱ级：儿童不宜观看；
其中： 第ⅡA级：儿童不宜——在内容和处理手法上不适合儿童观看；影片可能使用轻微不良用语和少量裸体、性暴力及恐怖内容，建议有家长指导；
第ⅡB级：青少年及儿童不宜——观众应预期影片内容不适合成分的程度较第ⅡA级强烈；强烈建议家长给予指导；影片可能有一些粗俗用语及性相关的主语词；可含蓄地描述性行为及在情欲场面中出现裸体；影片可能有中度的暴力及恐怖内容；
第Ⅲ级：只准18岁(含)以上年龄的人观看。
英国电影分级制度
"U"级：普通级——适合所有观众。在此级节目中只能偶尔使用"damn"(该死)、hell"(见鬼、混蛋)这类轻微的咒骂语言，极少使用其他温和的咒骂语言；
台湾电影分级制度
普遍级(普级)：所有观众皆可观赏。
保护级(护级)：未满六岁的儿童不可观赏；六岁以上未满十二岁的儿童须由父母、师长或成年亲友陪伴辅导观赏。
辅导级(辅级)：未满十二岁的儿童不得观赏；十二岁以上未满十八岁的少年须由父母或师长注意辅导观赏。
限制级(限级)：未满十八岁的儿童及青少年不能观赏。
"Uc级：特别适合儿童观看；
"PG"级：家长指导级；
"12"级：适合12岁以上是成人观看；
"15"级：适合15岁以上是成人观看；
"18"级：适合18岁以上是成人观看。
法国电影分级制度
大众级（TP）：
TP级：所有人可以观看的影片
TP+avert级：大众可看，但要警惕某些内容
禁止不满12岁儿童观看的影片；
禁止不满16岁青少年观看的影片和众所周知的X级影片
新加坡的电影分级制度
G级：适宜一般观众观看的电影
PG级(家长辅导级) ：强调必须有父母陪同观看。可能含有如接吻和暴力等不合适儿童观看的镜头，但该分类向父母提供了电影内容是否健康方面的建议。根据电影法(Films Act)规定，由电影院经营者负责执行相关的法律条款
NC16 级：(No Children Under 16)（青年级）规定低于16岁的未成年人不能观看的电影。
M18级：(Mature 18) 成熟级，只向年龄在18岁以上（含18岁）的观众放映的电影。
R（A）级（A代表艺术片）：只向年龄在21岁以上（含21岁）的观众放映的电影，一部电影主题明显，品质优良，其中对性爱的描写是为主题服务，而不是迎合低级趣味；该电影不宣扬性爱、暴力或以这些内容牟取利润为目的3.该电影受到业界好评甚至有获奖的希望。
加拿大电影分级
1、无条件容许何年龄人士观看：
"普通"级(General)——适合所有年龄人士观看。
"家长指导"级(Parental Guidance)——容许所有年龄人士观看，但主题及内容不一定适合所有儿童，宜在家长指导下观看。
2、有条件容许儿童青少年观看：
"十四·陪看"级(14 Accompaniment)——任何十四岁以下的观众必须在成人陪伴下才能观看；并向家长提出警示：影片可能包含暴力、粗俗语言或性爱相关内容。
"十八·陪看"级(18 Accompaniment)——任何十八岁以下的观众必须在成人陪伴下才能观看；并向家长强烈提出警示：影片可能包含显而易见的暴力、频密的粗俗语言、性爱行为或恐怖内容。
3、绝对不容许儿童及青少年观看：
"限制"级(Restricted)—— 只容许十八岁或以上人士观看。影片可能包含显而易见的性爱或暴力内容；但分级当局对这一类影片仍有正面看法，认为可能在艺术、历史、政治、教育或科学等方面具有一定价值。
"成人"级(Alt) —— 只容许十八岁或以上人士观看。影片可能包含显而易见的性爱或暴力内容；分级当局对此并无表达正面看法，但认为尚可为社会大众所容忍。
⑵ 关于电影的主题分析和评价
无论是一部精彩绝伦的电影还是糟糕透顶的电影，都有导演想要表达的某种东西在里面。即使你不是专业的影评人或是学这个专业的学生，但如果你熟知了电影的主题以及一些分析电影的方法，你就会知道一部电影好在哪里或是糟糕在哪里，而不再人云亦云。
什么是电影的主题？
对于一篇文章来说，主题是就是文章的中心思想，对于电影来说，这个定义还不够全面。更加准确的来说，电影主题指的是将影片整合在一起的中心内容或特殊的关注点。一部电影的主题将决定整部片子的质感风格，以及怎么选演员、怎么剪辑、怎么配乐等等。
接下来我们将从常见的六种影片类型为大家做一个简单的划分:
一、以情节为主题中心
这类电影多出现在冒险故事或是侦探故事，电影制作者更加关注的是故事情节，通常电影的节奏比较快，人物思想和情感都从属于事件，电影的最后结局最为重要。如《蜘蛛侠》《泰坦尼克号》和《速度与激情》系列。
二、以情感效果或情绪为中心
有一类型电影，全片以某种特定的情绪或情感效果贯穿整部电影。虽然情节在这样的电影里同样不可或缺，但是事件从属于影片要实现的情感效果。大多数恐怖电影（《沉默的羔羊》）或是喜剧片（《夏洛特烦恼》）可以被归纳到这一类电影里面。当然，这一类电影有时候不是单一的以某种情绪为主，也有可能是两种情绪混合在一起。比如《绝命圣诞夜》，可以看作喜剧亦或是恐怖电影。分析这一类电影的切入点，最好就是从电影所营造的情感效果入手。
三、以人物为中心
有些影片，通过动作和人物对话来实现对某个人物的形象刻画。故事情节的主要作用是帮助我们理解人物的发展。电影中人物的主要吸引力在于他有着常人不具备的品质，因此这类影片的主题在于对中心人物的塑造，强调人物不同寻常的品质及特有的个性。如《巴顿将军》《美丽心灵》。
四、以独特风格或结构为中心
少数电影中，导演开创了和过去电影史完全不同叙事方式，使得电影的风格质感成为令人们难以忘怀的特征。这种电影有一种能将自身与其他电影区分开的明显特质——其独特的灯光、氛围、配乐、人物对话在我们脑海里回荡，以至于我们很久以后在想起这部电影，似乎人能感受到那种不同寻常的观影感受。这类电影大多出现在那些名导一鸣惊人的处女座当中，或是极具天赋的导演作品中。如《冰血暴》《低俗小说》。
五、以思想为中心
在多数严肃电影当中，动作和人物都具有非同凡响的意义，有助于于观众理解生命、自身经历、或是人类处境的某个方面。这个思想可以是某个特定事件，也有能是某个人物的经历。对于这些较为明显的中心思想，观众们理解起来还不难，但是大多数影片创作人不希望自己所表达的东西能一眼被观众看出来，他们更多的是通过一种较为隐晦的方式表达出来。这就需要观众们动一番脑经，才有可能窥探到导演的内心世界。
如果有可能对于电影所表达的主要思想进行具体的分类，那么大致可以分为以下几类。
1、道德含义
电影通过某个事件向观众传达出确信或遵从某种道德原则的智慧和实用性，由此却说我们在生活中遵守这个道德原则（如电影《撞车》）。
2、人性的真相和那些以独特人物为中心的电影不同，有些电影关注有代表性的人物。这些角色代表了普遍的人性，作为艺术载体，他们被用来展示广泛和普遍意义上的人性真相（如《蝇王》）。
3、社会问题
当代的电影制作者常常关注社会问题并在电影中用戏剧的形式表现出来，或是揭露社会的罪恶或是抨击社会体制（如《牯岭街少年杀人事件》）。
4、为人的尊严而抗争
这类影片描述了人物与自身弱点或是外界环境的对抗。比如他克服敌人为他制造的重重阻碍，在一系列的麻烦中最终战胜自己的敌人。亦或是克服自身的软弱、贪婪等弱点，从而赢得人性的尊严（如《辛德勒的名单》）。
5、年龄的增长，纯真的逝去
在这类影片中，人物通常被迫成熟起来从而获得自我意识。人物一般是变化的，一般来说在电影的开头和结尾有很大的改变（如《杀死一只知更鸟》）。
6、道德或哲学迷题
有时候导演可能会围绕某个迷题或者是令人困惑的特质来发展故事，有意的展现出多样化的主题阐释。导演试图去暗示或神秘化主题。观众对于这类电影的典型反应是:这部电影导演想说些什么？这种电影主要是通过符号或人物对话来传达主题，所以要想分析这类电影，最后就是多留意揣摩人物的对话及片中重复出现的某些意象。
以上就是我们常见到的电影类型，但确立电影的主题大多数时候是不容易的，在前文当中也说过，导演是个喜欢玩捉迷藏的角色。我们只能通过电影中那些情节，人物对话，元素来确定我们所认为的主题或是推翻重新确立。
确立主题可以说是开始，也可以说结束。在确定主题之后，我们需要做的工作就是评价主题。主题是导演想要达到的某种目的，那我们就从导演为了达到这个目的所使用的手段和最后为这个目的展现出来的效果两方面来评价。至于怎么评价，如何评价，则需要更多专业的电影知识作为支撑，而不是凭借自己的主观意识。
⑶ 电影中很多大尺度镜头从艺术的角度看是必须的吗你怎么看
情·欲戏，在某些导演手里能拍出高于生活感的艺术性出来，而在有些导演手里，那就纯粹是低俗。
看过村上春树小说的朋友，不难发现在他的故事里，各种男女之间欲望缠绵场景非常多，但是你会觉得他的小说是色情小说吗？
欲望，是每个人的本能，是生活中本来就有的东西，所以在恰当的时候展现欲望，其实更贴近真实，让读者或观众能感受到人物的体温，能深入到人物的内心，也更能被带入到故事中。
在现实生活里，人人都带着面具。
而在床上，人赤裸相见，彼此更加坦诚，更容易把真实的自我展现出来。
电影里也一样。
很多大尺度场面并不是可有可无，它对于推进剧情、增进人物之间的关系或激发人物之间的矛盾都非常重要，或许通过其他方式也能达到这种目的，但是没有这种方式直接、彻底、节省镜头而且让观众容易理解。
就像再《色戒》里，没有那场闻名遐迩的床·戏，王佳芝和易先生的关系也不会出现跨越性的发展以及微妙性的转变，这为后面的剧情转折埋下了伏笔。
李安其实大可不必让过程显得那么真实，在现实中产生那么大争议，但是你看过那个场面后难道不会觉得李安的安排绝妙吗？
还有《泰坦尼克号》里，杰克为萝丝画的裸体画。萝丝真的有必要全裸入画吗？
还不是为了凸显萝丝和杰克的关系已经有了更深入的发展，还有什么比画裸体画更能展现两人之间纯洁而炽烈的爱呢？
当然这也是为了之后两人在车里那只手印埋下伏笔。
正是这样有层次、不断加强地叙事方式，才能将观众引领进入故事，才能真正讲好故事打动观众。
不能说必须的吧，应该是许多电影艺术作品用大尺度镜头表现会更完美。
比如娄烨的电影。
娄烨是一个很擅长用情欲镜头叙事的导演。
娄烨对于暴露镜头的执着应该跟他本人想向观众传达的观点思想有自己的理解有关。就像弗洛伊德对美学的认识，它认为人性的一切行为都跟性意识有关。
人出生的时候是裸露着的，这是最真实，最初的模样。我想裸露应该表达着一种还原、真实。
人性的欲望、贪婪、卑劣、卑微在现实生活中苦苦挣扎，谋求生存。这些通过裸露镜头来表达，最合适不过。
裸露镜头，是一种很大胆深度挖掘人性，呈现还原人性最真实的一面的表现手法。
在电影中拍裸露镜头不是难事，也不再少数，但是能通过裸露镜头传达某种观点，引发思考，就不是件容易的事情了。
电影中激情戏到底是导演的需要，还是艺术的需要呢？
说起电影中的大尺度镜头，就让人不得不想起韩雪，因为韩雪就曾经直言自己拍戏有几个规定，其中不拍吻戏就是原则之一，金星也忍不住吐槽，不拍吻戏你来干嘛？吻戏绝对算不上大尺度，但照样有人不能接受！
可是有时候电影真的需要一些大尺度镜头，毕竟男女主角情到浓时，一个吻恰好就是 情感 的升华。特别是在某些生离死别的战争场景，男女主角发乎情止于礼，这是在很难让观众达到 情感 的共鸣。就像《西西里的美丽传说》，如果不展示丑陋，谁人又能够体会到美好？
当然，除了男女之间，有时候也有男男之间，或者女女之间。比如王家卫的《春光乍泄》，这部电影中有不少镜头需要演员放得开，如果不是演员的努力，这部电影也很难出彩。
当然，有时候也有例外的情况，大尺度镜头仅仅只是为了吸引观众，最典型就是国产鬼片，剧情不行，大尺度来凑，有时候看见这些场景真是怀疑这属于哪一种电影？
从艺术的角度来说那是有必要，倘若电影内容足够优秀，这些镜头就是锦上添花，这样的镜头可以更好地表达人性的欲望和 情感 ，就像很多文学名着中同样也有这样的内容，但是换言之，又有多少人拥有艺术的眼光呢？我想不太多，十个观众里可能十个都体会不到这样的镜头的艺术性。
所以我个人觉得更多时候这样的镜头没有必要，更何况十部电影可能有十部安排这样的镜头也不是为了真正地丰富人物性格以及表达人性，反而多数时候这样的镜头传递了一种不好的信息，尤其是对于青少年。
当一样事物的弊端大于利时，我想还是不要的好，再者电影的本体是剧情，一部电影好的电影纵然是没有这些镜头它依然是好电影，就像电影《十二怒汉》，整部电影不仅没有这样的镜头，就连女性都没有，但是这部电影依然让人明白了父母的一言一行对子女的影响，就像电影《钢的琴》，同样没有这样的镜头，但是这部电影依然获得诸多奖项，我们也在电影中感受到了那份浓浓的父爱。
人体艺术本来就是小众的艺术，而电影不是为人体艺术服务的，电影也是独立的艺术形式，电影的艺术体现在各种镜头的使用、剧情的精彩程度以及演员的演技优劣，如电影《路边野餐》中那个40分钟的长镜头，如电影《当幸福来敲门》剧情的精彩，如李雪健老师在电影《焦裕禄》中精湛的演技，这些都是电影艺术，这些才是电影的本源。
所以，在我看来，如今电影中有没有这些镜头无足轻重，因为有没有这些镜头并不会影响电影的整体质量，如果有一天所有的观众都拥有超高的心艺术眼光了那确实可以加上这些镜头，那就真的是锦上添花了，但是那一天什么时候会到来呢？更何况小朋友是不可能有这样的眼光的，不是吗？
以上纯属个人见解，仅供参考。
不是必须的，却是必要的，然而也只是针对部分创造者而言。是否使用大尺度，和导演的创作风格有关。
比如，想要表现一个女子的肉体美，有些导演直接用裸体镜头表现，或正面或背面，通过直观的肉体展示，表达美；有些导演通过朦胧的方式表现，比如女子的身体上盖着一层薄纱，但是曲线毕露；有些导演则喜欢留白，比如只拍脖颈部位，或者拍脚，让观者去想象。
比如，想要表现男女之间的情欲，有些导演直接完整呈现，赤裸裸的视觉冲击；有些导演给一个远景镜头，观者知道男女演员在演绎什么内容，却无法看的真切；有些导演也是点到为止，接吻之后便移开机位，用光线或者声音告诉观者发生了什么事。
比如，想要表现剧中人的悲伤或者沮丧，让其在花洒下淋浴。有些导演既拍全了肉体又拍全了表情，有些导演只拍表情，将镜头定在脖子以上，有些导演拍全景，演员蜷缩在一处，看的见肉体却也看不清肉体。
诸上种种，都可以传达出导演的意图，观者都可以领会到剧中的情节在说什么。那么，是不是说大尺度的震撼力更强？也不尽然。视觉冲击上来讲，大尺度的刺激量更大。但是如果从震撼力的角度说，一个眼神的特写不见得就弱于一个肉体的特写，比如《泰坦尼克号》中杰克给柔丝画人体画的一组镜头，国内公映的版本里删除了柔丝全裸的画面，只保留了杰克画画时柔丝看他时的那种眼神以及杰克画的时候他看柔丝的眼神，只看两个人互相对视的眼神，你便感知到了爱意在视线中的流淌，即便后来看到了未删节的镜头，你不过是轻叹一下柔丝的美，而当初最打动你的，却是他们的眼神，不是肉体；然而，必要的时候，大尺度的震撼力又绝对占了上峰，比如《色戒》里面的激情戏，王佳芝如何吸引住易先生？或者说，王佳芝凭什么可以吸引住易先生？如果仅仅是通过眉目传情，就让心理极度扭曲极度缺乏安全感的易先生看上王佳芝，那就没有什么说服力。通过那段大尺度床戏，观者既明白了易先生为什么和王佳芝上床，也明白了易先生的不寻常心理。李安很会选人，王佳芝的角色必须要身材好同时演技在线，以便让观者意识到，那是什么样的女人才能吸引住杀人魔易先生。这一段，风花雪月的表达手法还真是不行。
大尺度镜头的目的是为了塑造人物的真实性，它之所以被谈论，是因为和人伦道德的束缚相冲突，即便那些电影审查宽松的国家，对大尺度电影是否适合公映也是谨慎得很，毕竟，真实最伤人。真实性的表达不一定要借助大尺度，它可以是隐晦的朦胧的，但是，当大尺度出现的时候，观者应该感谢创作者的勇敢。你可以疑惑他们为什么非的脱？可以不用脱，有的时候甚至没必要脱，可还是脱了。脱了，就有它的道理，不仅仅是过了一次眼瘾的事。
个人电影的大尺度镜头不是从艺术角度，而是审查和传播角度的一种标准。艺术这种纯感知的东西，外延应该和人类的想象力等同，可以无限扩张的，但从艺术传播的角度来说，必须用尺度作为围栏，否则任由艺术家放飞思想，各种突破普通人认知下限的东西就会蜂拥而出了。
比如世界十大X片，看完后心理阴影面积比中国还大。
而现在我们看到的电影领域的“大尺度”，包括很多方面的内容，比如裸露、血腥、粗口、政治明敢词等，这些内容在审查者眼里，都有可能构成他们认知里面的“大尺度”，甚至“超尺度”。所以有时候作为电影指挥棒的导演，他的艺术审美角度可能需要一些“大尺度”的镜头传递自己的理念，但未必能够如愿以偿的实现。
之前何平导演在锵锵三人行里面讲过，导演最难的一点就是如何完整展示自己想表达的东西，每个人对于艺术的认知和审美高度不同，可能对同一个镜头产生完全不同的解读。这还不是审查的问题，即使是拍摄制作过程中，导演和演员都会有很多关于“大尺度”的冲突。
当时曹颖和窦文涛聊到一些影视剧中裸戏的问题，曹颖就坦白有时候一些导演和剧组就为了博眼球，刻意加一些毫无意义的裸戏在剧情中，这种情况她会坚决抵制，宁愿少拍一部戏也不能助长这种风气。
何平导演这时候表示反对，他说其实有时候演员在用自己的世界观去评估导演的一些镜头设计，比如说我们想拍一个女性在出门前换衣服的镜头，导演设计了很多细节来反映女主角的性格和情绪变化，比如脱衣服的一些细节、穿衣服的一些动作和表情，其实都是有自己的艺术表达的。但有时候到了演员眼中，变成“你就是想看我换衣服”，其实不是这样，纯粹是双方对于艺术的理解和沟通不到位的结果。
我个人比较支持何平导演的立场，其实那些所谓的“大尺度”镜头的冲突，其实就是各方协商失败的产物，真正的艺术领域应该更加有突破和挑战，才能让电影艺术的价值得到升华。
在一些电影里，出现了大尺度的镜头，至于是不是必须，那是看导演手法。
因为这也是艺术表现手法之一，用电影的镜头去表现出一些大尺度的内容。
这些大尺度的内容，有的人觉得很正常，有的人觉得这样出现在屏幕不太合适。
但既然是电影，它本身就是艺术，只要是合理的，不是刻意的，应该都是可以接受的。一是因为人之常情，也是一种表现。
如果这样大尺度的镜头是刻意的，为了博人眼球，或者迎合某些需求，那就是低俗烂造。
如此的话，那就不应该。因为不管是各种方式媒体传播方式，都应该传播正能量的内容。
在电影里，经常会出现大尺度的电影，主要看内容，主题。
有一些电影为了表现欲望，表现权利等主题，就会运用这样的一些方式。
比如张艺谋的电影《满城尽带黄金甲》，从宫女的着装开始，满屏的袒胸露背。其实，这也是表达主题的一种方式。
在《满城尽带黄金甲》里，王是需要权力的，而且对权力的欲望也是很大的。所以，这样的大尺度也是对主题的诠释。
因为这些都可以代表欲望，所以，这样的镜头也是为了主题而服务的。
《西西里的美丽传说》也是，在电影里的大尺度镜头，并不是那么粗俗。那是一个女人在战争年代，用自己的方式活下去，活下去只是为了守护她的坚贞。
她活下去的目的是为了等待她当兵的丈夫归来。那么的女人围攻她，唾弃她，觉得她不守妇道，然而就是这个女人，守护着战争中的坚贞，等候她丈夫。
因此，大尺度的镜头也看如何用，表现什么。
在一个商业时代，电影也是一样的。总有一些电影，会用一些露骨的噱头来吸引观众眼球。
饮食男女，其实都无所谓。但是，既然不是低俗谄媚而去的，那就不刻意为之。
商业片，有投资，需要好的收益，这个无可厚非，观众愿意掏钱买票，愿意消费。但不能为了票房而不顾一切的博眼球。
大尺度的镜头是不是必须，这个主要取决于导演的手法。根据不同的主题内容，表现手法而决定的。
个人觉得，可以接受有意义的表现，但不能接受刻意的讨好，谄媚低俗的内容，不知道你如何看？
回答这个问题， 首先应该讨论什么是“艺术”？ 人体艺术算不算艺术？
所以，其实也无所谓是从艺术的角度还是从别的什么角度，都一样。有的需要，有的不需要。要看具体的影片，而不是角度。
第二个要讨论的，什么是大尺度？ 有的人直接把大尺度理解为裸露，其实不一定吧，大尺度的暴力再现也是大尺度。所以，大尺度其实就是接近甚至已经是色情暴力的意思。
是不是必须的呢？
前面说，没有统一标准。有的需要，有的不需要。这是就电影表现力本身而说的。
换一个角度， 从观众的需求讲 ，也是有的需要有的不需要。成年人往往需要，青少年肯定是不需要，所以电影分级制度是非常有道理的。因为人的需求不同。具体到个人，更有不同。
拍电影的， 必然要考虑票房 。比如一个当红明星，不管男女，如果新拍一部电影里有他或她的“大尺度”画面，一定会有极强的票房号召力。
我有个朋友，当年听说安吉丽娜·朱莉新出的《原罪》里有裸露镜头，第一时间就去D版店买了碟。然后，非常失望地说，唉，这是个删节版……他的那个表情，我现在都记得。看到他的表情，你就知道这样的镜头，对他来讲是多么“必须”了。
所以，电影这种东西，有 双重属性，既是艺术品，又是商品 。只考虑艺术不考虑票房，纯赔钱，谁也赔不起；只考虑商业，没有艺术品，也长久不了，速朽。因此，所有的电影，绝大多数都是从双方都照顾的角度考虑问题的。再艺术的电影，也有商业的考虑，所以，在情节中，无关痛痒地加点“大尺度”镜头或情节，一下就能招来很多感兴趣的观众，就能大幅增加票房收入，何乐而不为呢。
这个得分开来说，有些从艺术的角度来看确实是非常必要的，当然，也有一些电影，它本身主打就是那些，也靠那些东西吸引人的，没有什么其他有意义的东西需要讲述。
由于审核制度的不同，在咱们国内，某些大尺度的镜头，一般是不太可能出现在最终上映的版本里的，不过我们可以从国外的一些作品来聊一下这个问题。
例如我们最熟悉的一部外国电影 《朗读者》 ，这部影片讲述的是一个15岁的少年与一位36岁的成熟女人之间的故事，他们之间有偶遇、有离开、也有重逢，最终还有以悲剧收场，可以说这部影片是许多人的少年幻想和幻想破灭的结合。
这是一部优秀的电影吗？绝对是的，但是影片尺度大吗？这也是肯定的。但是你觉得那些镜头是多余的吗？在我看来，这绝对是影片精彩的地方所在。而且这一段忘年恋的美丽，是让你在看到那些画面时，没有丝毫的低俗感，相反，你会感受到那种真挚的爱。同时，它也为后来的变化设置了一个强烈的对比。
你爱的是那个人美丽的容颜和身体还是精神上的爱，一部《朗读者》说的就是这样的真实感情，前面少年与成熟女人的相处，不正是青春与幻想美好的结合吗？然而后来，当少年成长，女人老去，女人还有爱，但少年，他有爱，但这份爱不再是爱，是责任和对曾经的不舍，所以之前的大尺度镜头，在这部影片当中绝对是有非常有必要的，无论是从艺术的角度还是剧情的变化上来说。
影片的结局却是一个彻彻底底的悲剧，用前面美好的一幕幕来形成强烈的对比，这也是那些镜头存在的必要性，让影片更加情绪饱满。
你如果要上升到艺术层面来说，这部影片就可以看出，这些镜头都是必须的。但有些影片，正如我开篇说的，它主打的就是那些东西，跟艺术没有一毛钱关系，所以它也不存在必不必须的问题。所以，从这一点上就可以说明，电影中很多大尺度镜头从艺术的角度看都是必须的，当然也可以用更含蓄一点的方式表达，但丰富感就会稍微差了一些些！
电影中大尺度镜头从艺术上看可以有，但不是必须的。如果从市场和票房的角度来看，则是必须的。
为什么说大尺度镜头可以有，但不是必须的呢？
电影是讲故事的，是讲人世间故事的，更是讲人的故事的。人是有七情六欲的。七情一般是指喜、怒、哀、惧、爱、恶、欲（《礼记》上的观点）。《 吕氏春秋 》将六欲解释为生、死、耳、目、口、鼻所产生的欲望，佛教解释六欲为色欲、形貌欲、威仪姿态欲、言语声音欲、细滑欲、人想欲。通俗的讲，就是人有求生欲、求知欲、表达欲、表现欲、舒适欲和情欲。
其中，情欲便是六欲之一，是人的正常生理需求。如果一部电影讲述了前面的五欲，而唯独遗漏了“情欲”，那这个人的人生就是不完美的，或者说是不正常的。
电影是艺术，艺术来源于生活又高于生活。那么在电影里表现人的情欲，甚至渲染、夸大情欲的戏份，也是正常的，属于艺术的表现手法之一，无可厚非。但怕就怕一些电影借情欲来上演色情戏份，则是不足取的。中国人对艺术的表达，多喜欢朦胧和唯美，喜欢蜻蜓点水。这一艺术审美观点历来备受推崇，从这一点上来看，电影中的过分暴露和激情戏则不是必须的。
那为什么说从市场和票房的角度来看，电影中大尺度镜头则是必须的呢？
一、电影出资方希望票房大卖。
要实现票房大卖的目标，除了要讲好一个精彩的故事外，还要有人气明星加盟，除此之外，大尺度镜头更是一个赚足观众眼球的噱头。
二、一部分观众喜欢看大尺度镜头。
记得当年张艺谋的《红高粱》上映时，一些青年人在传播影讯和谈论观后感时，总会神秘地说，有激情戏，有“黄色”镜头，快去启蒙一下吧！
综上所述，电影里的大尺度镜头，从艺术的角度说，可以有，但不是必须。而要是从市场和票房上来说，一定是必须的。
⑷ 电影海报设计有什么特点
早期的电影海报就如现在卖场中的大多数促销海报招贴一样，是通过手绘制作，纯粹为了电影的上片做宣传广告用途。随着电影的普及，电影海报制作技术的进步，电影海报本身也因其画面精美，表现手法独特，文化内涵丰富，成为了一种艺术品，具有欣赏和收藏价值。因为电影海报的特殊性，使得电影海报在设计印刷上，虽然与普通的海报设计有些相似，但是更有着自己的特点。
首先，电影海报中的图形设计应该遵循“阅读最省力”的原则，形象要高度简洁、富于创意。直观形象性的图形阅读越省力，越能增强其被注意值，进而使人们对所要宣传的电影产生明确而又深刻的印象。
其次，电影海报中的图形要符合社会与大众的道德观念，在所传递的信息和社会形态的主流文化相吻合的基础上，画面形象应生动鲜明并给人以美的感受，使人们看后能够产生生理上的舒适感和心理上的亲近感，既设计中通常所说的感情的愉悦性。
再次，图形的形象要主次分明，主要形象应与设计诉求的目标相一致，为电影主题服务，不能喧宾夺主。单纯的追求形式美和自我意识的表现。或者不知所云，都会使人们的注意力分散、转移，从而导致电影海报偏离传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的目的。
最后，电影海报中图形的形象应做到情与理的高度统一，以情感人，以理服人。因为情理交融的形象有助于调动人们的感情因素，图形的情感色彩越浓重，就越能激发起人们的兴趣并使之产生情感上的共鸣，这种双向的沟通与交流有助于人们对电影海报所传达信息的关注、理解和记忆，并产生强烈的观看欲望。
电影海报设计要点自然有很多，但强调图形设计，这是因为图形是一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言，具有只可意会不可言传的独特魅力，它能够超越国界、排除语言障碍并进入各个领域与人们进行沟通和交流，是被称为“世界语”的人类通用的视觉符号。
因此，在电影海报设计中，图形具有吸引人们的注意力、易于理解以及将视线引向文案的诱导功能。将不同的图形通过创造性的组合能够产生新的图形语义，使电影海报具有更深刻的内涵，从而极大地拓展电影海报的表现空间，并在信息传达方面发挥重要的作用。
早期的电影海报就如现在卖场中的大多数促销海报招贴一样，是通过手绘制作，纯粹为了电影的上片做宣传广告用途。随着电影的普及，电影海报制作技术的进步，电影海报本身也因其画面精美，表现手法独特，文化内涵丰富，成为了一种艺术品，具有欣赏和收藏价值。因为电影海报的特殊性，使得电影海报在设计印刷上，虽然与普通的海报设计有些相似，但是更有着自己的特点。
首先，电影海报中的图形设计应该遵循“阅读最省力”的原则，形象要高度简洁、富于创意。直观形象性的图形阅读越省力，越能增强其被注意值，进而使人们对所要宣传的电影产生明确而又深刻的印象。
其次，电影海报中的图形要符合社会与大众的道德观念，在所传递的信息和社会形态的主流文化相吻合的基础上，画面形象应生动鲜明并给人以美的感受，使人们看后能够产生生理上的舒适感和心理上的亲近感，既设计中通常所说的感情的愉悦性。
再次，图形的形象要主次分明，主要形象应与设计诉求的目标相一致，为电影主题服务，不能喧宾夺主。单纯的追求形式美和自我意识的表现。或者不知所云，都会使人们的注意力分散、转移，从而导致电影海报偏离传递电影信息、吸引观众注意、刺激电影票房收入的目的。
最后，电影海报中图形的形象应做到情与理的高度统一，以情感人，以理服人。因为情理交融的形象有助于调动人们的感情因素，图形的情感色彩越浓重，就越能激发起人们的兴趣并使之产生情感上的共鸣，这种双向的沟通与交流有助于人们对电影海报所传达信息的关注、理解和记忆，并产生强烈的观看欲望。
电影海报设计要点自然有很多，但强调图形设计，这是因为图形是一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念以及交流思想的视觉语言，具有只可意会不可言传的独特魅力，它能够超越国界、排除语言障碍并进入各个领域与人们进行沟通和交流，是被称为“世界语”的人类通用的视觉符号。
因此，在电影海报设计中，图形具有吸引人们的注意力、易于理解以及将视线引向文案的诱导功能。将不同的图形通过创造性的组合能够产生新的图形语义，使电影海报具有更深刻的内涵，从而极大地拓展电影海报的表现空间，并在信息传达方面发挥重要的作用。
⑸ 主题电影是什么
说通俗点吧
就是电影想要表达的思想内涵，也可称为主旋律。如爱国主义等，人性的解放等等
让你看完一场电影后能学到一点什么，而不是刚进电影前那空白的你
我不是复制党，求采纳
⑹ 处理好一部影片中的构图元素要考虑到哪几种原则
处理好一部影片中的构图元素，要考虑以下三种原则：1.审美原则 、2.主体突出原则、3.变化原则。
其中，“美学原则”、“主题服务原则”是就单个画格的构图而言。而“变化原则”则是就整个一部影片的构图而言。
美学原则：
电影是一门艺术，所以它的构图首先要美，要“艺术”。换句话说，就是要具有视觉上的美感，使人看起来舒服，看起来好看。
怎样使一个画格的构图具有视觉上的美感？我觉得它不应该仅仅理解为：画格中所拍摄的内容都是一些美好动人的景物：青山，绿水，鲜花，美人……画格中拍摄的内容美，──即“拍什么？”
主题服务原则：
在一部影片当中，画格的构图无疑也是影片诸形式中的一种形式。而影片的主题或者说故事，才是影片中起决定作用的“内容”。形式必须为内容服务，构图也必须为主题服务。
变化原则：
以上两点“美学原则”、“主题服务原则”是就一部影片中的单个具体的画格的构图而言的。那么，对于由千万个单个画格所组成的整部影片的画格的构图而言，所要遵循的原则就是“变化原则”。
电影不是照片。观众不能忍受一部构图没有变化的电影。而变化也正是电影艺术的主要特征和它的魅力之所在。一部电影的变化可谓千变万化，除了构图所表现的内容的变化外，构图形式的变化也是一种重要的变化。
⑺ 影像构成元素主要有哪些内容
林格伦讲：“一个镜头的结构要受无数因素的支配，不过这些因素总起来可分为三个主要项目：第一是主要形象本身的运动和形式；第二是摄影机和主要形象的相对运动和位置；第三是照明主要形象的方法。” 波布克讲：①、胶片本身──各种不同底片的性能和特征； ②、构图──在一个画面内每一个视觉元素的位置； ③、照明──每一个场面的照明性质和质量。 我们从六个方面讲：①、构图 ②、景别 ③、角度 ④、运动 ⑤、照明 ⑥、色彩 （六个方面其实是互有关连的，如构图，我们第一节“电影影像的构图”中主要讨论的是在一个画格中每一个视觉元素的位置。其实它当然还包括照明、色彩等元素。我们之所以把它们分成六个方面，主要是为了讲述上的方便。） 第一节、电影影像的构图 影像结构的基本组织单位是“镜头”。而镜头实际上还可以再分，即“画格”。 一个镜头是由无数的画格组成的。（电影每秒24格）。 本节我们讨论的构图其实就是画格的构图。 我认为：处理好一部影片中的“构图”元素，起码应考虑以下三点，或称三原则，即：①美学原则；②主题服务原则；③变化原则。其中，“美学原则”、“主题服务原则”是就单个画格的构图而言。而“变化原则”则是就整个一部影片的构图而言。 一、美学原则 电影是一门艺术，所以它的构图首先要美，要“艺术”。换句话说，就是要具有视觉上的美感，使人看起来舒服，看起来好看。 怎样使一个画格的构图具有视觉上的美感？我觉得它不应该仅仅理解为：画格中所拍摄的内容都是一些美好动人的景物：青山，绿水，鲜花，美人……画格中拍摄的内容美，──即“拍什么？”仅仅是画格具有美感的一个方面，它不是全部，还有比它更重要的，就是──“怎么拍？”。“怎么拍？”──即不同的拍法，它可以使美的东西拍出来不美，它也可以使看来平常的东西，拍出来之后，看起来好看。“怎么拍？”是一个形式美的问题。这一节中，我们主要讨论的就是这个问题。要使一个画格的构图具有形式上的美感，影响的因素很多，诸如：光线、色彩、影调层次、虚实对比、远近对比、大小对比，高低对比等等。这是一门专门的摄影构图的学问。我们不能在这里一一细讲（光线、色彩我们后面讲）。我们仅从创作的角度讲几个应该注意的问题。 【（解释）主体与陪体： ①、主体、陪体不能理解为甲在画格中大，乙在画格中小，甲就是主体，乙就是陪体。 ②、主体、陪体不能理解为甲在画格中居前景，乙在画格中居后景，甲就是主体，乙就是陪体。 ③、主体、陪体区分的关键是看它们在画格中所起的作用的大小，作用大的是主体，作用小的是陪体。】 从创作角度讲，一个画格中的构图具有形式上的美感，应做到以下几点：（待续）
⑻ 电影的几个要素是什么
一、拍摄前观察环境
摄像前要先注意周边的状况，这样在拍摄时就可以考虑哪些镜头可以选择，哪些场面可以用什么景色。另外，拍摄时可千万不要大意。时刻不可忘记周边或是身后的状况，特别对背后的沟渠、马路等要引起重视，不要脚踩空或来往车辆造成不必要的伤害。
二、拍摄清晰的摇镜头
摇镜头是最常用的手法之一。摇摄是指当摄像机机位不动，借助于三角架上的活动底盘或拍摄者自身的人体，变动摄像机光学镜头轴线的拍摄方法。用摇摄的方式拍摄的画面叫摇镜头。摇摄一般有上下摇摄和左右摇摄两种方法。
三、拍摄清晰的移镜头
移摄是将摄像机架在活动物体上随之运动而进行的拍摄，用移动摄像的方法拍摄的画面称为移动镜头，简称移镜头。移动拍摄可以使用画面框架始终处于运动之中，画面内的物体不论是处于运动状态还是静止状态，都会呈现出位置不断移动的态势。移摄一般分为前后移动拍摄、左右移动拍摄、弧形移动拍摄以及上下移动拍摄等几种方法。
移摄特别要注意一下三点：（1）选择合适的移动设备。（2）移动速度要慢。（3）移拍时尽量使用广角镜头。
四、拍摄清晰的跟镜头
跟摄是摄像机始终跟随运动的被摄主体一起运动而进行的拍摄。用这种方式拍摄的画面称为跟镜头。跟镜头大致可以分为前跟、后跟、侧跟三种情况。
在跟摄时跟上、追准被摄对象是跟镜头拍摄的基本要求。通常主体在画面中的位置相对稳定，而且景别也保持不变。这就要求在拍摄者与主体人物运动速度基本一致，这样才能够保证人物在画面中的位置相对稳定，既不会使主体人物移出画面，也不会出现景别的变化。不管画面中人物运动如何上下起伏、跳跃变化，跟镜头画面应基本上是或平行、或垂直的直线性运动。因为镜头大幅度和次数过频的上下跳动极容易使观众产生视觉疲劳，而画面的平稳运动是保证观众稳定观看的先决条件。
五、拍摄清晰的变焦镜头
平时我们经常从电视上看到这样的画面，镜头对准一个广阔和场景，渐渐地镜头推进，最后聚焦于某个细节，这种方法经常运用于花卉、烛光、小动物等细节的拍摄。
如果被摄物体或镜头运动变化很大，一次聚焦不能满足要求，可采用跟点的方法完成镜头拍摄。保证镜头拍摄全过程画面清晰。
运用变焦距镜头拍摄十分重要的一点是对变焦距动点、动向和动速的控制。在运用变焦距拍摄时推拉的起动和落幅要果断，犹豫和迟疑都会影响镜头运动的流畅甚至引起表现意图的混乱。在整个拍摄过程当中应该注意摄像者要保持稳定，采用变焦拍摄的方法虽然看上去感觉比较简单，不过只有通过经常反复地操作才能运用得熟悉，对于展示远近变化的场景或者某种特定的氛围都能起到画龙点睛的作用。
六、拍摄清晰的长焦镜头
一是要调准焦点。长焦距镜头的景深较小，特别是在物距较近，光圈口径较大时，这种现象更为明显，因此在拍摄过程中焦点必须调准。这时您可以通过摄像机上的寻像器调整焦点的方法，将画框中心对准被摄主体，用手调整焦点环，直至寻像器上形象最清晰时为止。如果焦点环上的数值与实际物距有误差时，也以寻像器形象是否清晰为准。
二是要防止拍摄时的抖动。由于长焦距视场角窄，拍摄过程中摄像机上下左右方向稍微一颤动都将会引起画面的抖动。这种抖动不论是在固定镜头还是在运动镜头中都会干扰和影响观众对屏幕形象的观看。我们在进行拍摄时，保持拍摄设备的稳定也是很必要的，这也是保持影像清晰的重要条件。画面不稳定，令人的视线无法集中，往往觉得头晕目眩。
⑼ 《千与千寻》这部电影到底讲的是什么
从为什么叫《千与千寻（千と千寻の神隠し）》谈起。
《千与千寻》于 2001 年7月20日在日本上映。讲述一个 十岁 的小女孩与父母一同迷失，最后通过寻找，找到来处的故事。
荻野千寻在2001年影片上映时，是一个10岁的小女孩，换言之荻野千寻是一个出生在1991年日本的小孩。而日本在1991泡沫经济崩溃后到2000年代初期长期经济不景气，这十年在日本被称之为“失去的十年”（The Lost Decade），日本公知学者们又将1991年的日本人称为“The Lost Generation”（迷失的一代）。
因此千寻这个角色正是上述这“迷失的一代”的代表。 宫崎骏想通过这个讲述千寻迷失的故事告诉当时的日本人在迷失中如何寻找与回归。而“千与千”两个“千”加起来正是2000，“千与千寻”寓意着影片将探讨日本这个国家在“2000年”这世纪之交的“探寻”。
网上有许多影评都将《千与千寻》定义成是有多重主题的动画电影，实则不然。整个动画都是在 通过讲一个小女孩迷失的故事来隐喻日本的“国之迷失”，探讨的是当代日本应该如何寻找出路，迷失的这一代人如何自我救赎。 这是整个故事的 Designing Principle （设计原则）。故事中所有的设定都是服务并依托于这个核心设计原则。
千寻一家为什么会走入迷失？千寻一家人的奥迪从国道20转入国道21后，父母为了抄近道走捷径，最后导致了全家的迷失。
这正是寓意日本这个国家即将从20世纪行驶入21世纪，而由于上一辈人“走捷径”不走正轨，因而带着整个日本走向泡沫一般迷失的境地。而车牌1901也颇有寓意，1901正是20世纪的初始之年。
父母要走捷径时，千寻已有不祥的预感，她不停挣扎，不停大声呼喊着“我不去”，但父母的坚持让千寻不得不紧随其后，这其实对应的是日本现实世界中年轻一代依附长辈，人生道路被“规定”，被带着一条道走到黑的悲哀与无奈。
千寻的父母走进迷失世界后看到无人经营的饭店，肆意地享用原本要供给神灵的饭菜，千寻的母亲说“等有人来了，再付钱就是。”千寻的父亲则说“有爸爸在，怕什么，信用卡现金随他收”。 这种先享用后付款的“信贷”概念正是日本泡沫经济，彻底走向迷失的根源， 千寻一直说“我不要”，但依然拦不住贪吃的父母，转过身来父母已经变成了“猪”，无奈地任由一些看不到的“饭店主人”肆意鞭打。
很多影评都把《千与千寻》定义为一部爱情电影，影片中的白龙大多认为是千寻的男朋友。但这未免有些牵强，别忘了荻野千寻在故事中只是一个十岁的小女孩，而全程自始至终白龙更像是千寻的守护者，莫非宫崎骏只是如此肤浅？这部作品只是鼓励早恋？
当然不是！
为什么叫白龙?
“白”是日本的神祗之色，包括国旗都有大片的白色；而“龙”在日本也是正统皇室的象征，也是水神的象征。
白龙跟千寻的关系可以从影片的一些对话看出一些端倪：
白龙在影片开端管千寻叫“好孩子”，并且不只一处，也就是说在白龙的眼中千寻就只是一个孩子。
千寻问白龙：“你为什么知道我的名字”，白龙说：“你很小的时候我就认识你”。
为什么白龙这么说呢？
在影片最后，千寻帮白龙找回自己的名字，白龙的本命叫“饶速水琥珀主”，（另有译：“赈早见琥珀主”）。“饶速水”的这个名字是根据《日本书纪》跟《先代旧事本纪》中记载的一位神灵的名字——“饶速日”而来，因而千寻说听到白龙的名字后说道：“好棒的名字，像神明一样”。
那么，“饶速日”是一位怎样的神灵呢？据说“饶速日”是在日本天孙降临之前驾临人间，并且统治大和地方，后在神武天皇东征的时候被夺权而归降，而自此沦为日本神武天皇的臣下，但是“饶速日”一直被一些日本人看做是始祖之神，是日本集体精神意识的缘起。
也就是说影片中 白龙象征着的是“大和”未被天皇骑劫颠覆前的本源与正统，也意味着日本的过去 。因此白龙叫千寻“孩子”，对千寻说“你很小的时候我就认识你”。这也就不足为奇了。
而白龙作为水与河流，是生命起始的意象，千寻曾经掉到过白龙的河水里面，正是胎儿与母亲怀胎时羊水的写照，而龙又是阳性的代表，所以白龙也象征的是千寻（日本）的过去与由来。
然而可惜这条代表这“大和”的本源与信念的河流，因为时代要发展被建筑掩埋填没；白龙为了学习魔法，为汤婆婆利用，干了许多不好的勾当，慢慢忘记了自己的真正姓名。正如锅炉爷爷所说：“白龙成为了汤婆婆的徒弟后，脸色越来越难看，眼神也越来越凶恶。”
白龙在执行偷取钱婆婆的魔女印章任务中，被其所下的诅咒弄得遍体鳞伤，无数的白纸不停袭击他，而在白龙快死的时候，千寻的河神丸子令白龙吐出印章保住一命。
如果白龙代表的是日本的过往，那么他所窃取印章是魔女钱婆婆制定契约的凭据，或可以理解为象征“主权”，而一张张白纸则自然对应的就是一张张“不平等条约”。
白龙（过往的日本）因忘记了自我，被利用去窃取并吞下了不应吞食的印章（“主权”），而被诅咒并被一张张白纸（“不平等条约”）追击。几近丧命，终于在千寻的帮助下，吃下了河神丸子吐出了印章（主权）才得以存活。
油屋是一个日本古典风格非常强烈的澡堂子，所有的员工都是日本穿着日式的传统服饰，而在这个充满传统“和风”的建筑中的最顶楼层——“天”，是一个完全西式风格的房间，并且整个生产体系中最高级的职权者是一个不管穿着还是长相都是西方人模样的钱婆婆。
这不正是日本与美国的关系的隐喻吗？
在油屋这个生产体系中，所有人都在拼命干活，但是既得利益者却是高高在上的洋人婆婆；所有人都用姓名与这洋人婆婆签订了契约，而忘记了自己的名字，忘记了自己的来处，如同出卖了灵魂；在汤婆婆管辖的这个世界，只要不劳动就会变成动物，每个人都必须为汤婆婆创造价值；白龙（日本）为了向汤婆婆学习魔法干尽坏事，日益凶残……
此外，这个洋婆婆会不时化成头发白色的鹰（美国的国鸟）去巡视这个属于她的世界。
カオナシ 无面男在日文中有“没有颜面”的意思，它代表的是2000年日本人的一种迷失状态，迷茫，阴冷，孤独，容易被影响同化。在千寻与无面男简短的对话中，我们可以看出作者在影片中确实有这种寓意：
千寻的这几个问题也是宫崎骏对现代日本人的一种哲学叩问。
你是谁？
你从哪里来？
你要去向何方？
当代的日本人弄不清楚这三个问题：无面男只知无意识无度地吞噬一切贪欲，自己虽不停壮大，却给周遭带来了破坏，并让自己外表的不断丑化变态。这映射的是日本一味盲目的发展，忘记了来处，忘记了本源，也不知何往。
无言沉默的无面男执意要给千寻药牌，金子，所有他以为千寻会想要的东西。但正如千寻所说的“我想要的东西你绝对拿不出来。”这应该是日本人年轻一代与上一代人心灵深处的某种对话，迷失的上一代人创造的东西并非这代人真正所需要的，他们创造的“财富”对年轻一代“毫无价值”。最后， 无面男 与白龙一样：无尽无度的吞食最后以“呕吐”来完成自我救赎。
为什么千寻原本的使命（calling）是解救自己已经变成猪的父母，但是故事中她却似乎全程忘记了？
或者我们可以这样猜测，小千把自己从河神那里拿到的河神丸子救了两个完全陌生的人——白龙与无面男就是父亲与母亲的象征：白色的白龙，黑色的无面男，正是一阴一阳，且不论白龙与无面男这两者谁是父，谁是母。白龙无尽的保护，无面男无尽的给予，不正与“父母”并无二致么？
如果这个隐喻成立，那么最后千寻分别帮助了白龙与无面男后，汤婆婆让千寻从一大群猪中选出自己的父母时，千寻信心满满并毫不犹豫地说“这里没有我的爸爸妈妈”，则不难理解了。因为千寻知道他的父母早已另有化身。而在影片结尾，白龙与无面男全无送别千寻走出神隐世界，惟白龙叮嘱千寻千万别回头，当小千走到出口时，却霍然发现父母早已在那等候。由此说来，白龙跟无面男就是千寻父母进入这个世界后的化身寓象也非常合乎情理。
“曾经发生的事情不可能忘记，只是想不起来而已”，这是钱婆婆对千寻说的话。
钱婆婆住在水上列车的第六站，影片出现的所有数字都有深刻的隐喻，那么如果一站隐喻十年，那么就是千寻要回到60年前才能与钱婆婆对话，由影片上映的时间2001年往回推到，60年前即1940年代，而1940年日本在世界上做什么，应已无需赘述。
千寻带着无面男（现代迷失的日本）代替白龙（过去的日本）向住在沼之底的钱婆婆道歉。那么钱婆婆的身份已经不言而喻。
汤婆婆住在油屋的“天”，钱婆婆住在遥远的彼方的“沼之底”，一天一地，又是一组阴阳对立的关系。正如汤婆婆说，她跟钱婆婆是双胞胎，却一点都合不来。如果汤婆婆是暗喻“欧美”，钱婆婆应就是暗喻“亚洲”无疑了。
图片中是钱婆婆“沼之底”的家，这个“亚洲风格”的建筑物在外观上跟“油屋”汤婆婆的全西化是鲜明的对比，两者几乎天壤之别。
而更妙的是，“荻野千寻”中的“荻”字本是如芦苇生长在水边沼泽的植物的意思，“千寻”则在中文与日与中有着相同的意义，“古以八尺为一寻”。"千寻"，形容极高或极长。因此“荻野千寻”这个名字可以理解为：“长自很深的水底的植物” 与钱婆婆的住所“沼之底”正好呼应，也就是说钱婆婆的住处——“沼之底”正是“荻野千寻”生命的本源，正如同“亚洲”才是“日本”的本源。
坊宝宝是汤婆婆这个洋婆婆养大的日本巨婴。他穿一件印有"坊"字的红色肚兜。虽然他个子非常大，却是婴儿的模样，很娇惯任性，因为害怕“细菌”而天天待在堆满了玩具和枕头的房间里。和大多数孩子一样，坊宝宝喜欢用哭来威胁人。
坊宝宝就如同当代的日本年轻人，在欧美文化的包裹与保护中成长，被父母娇生惯养，如同温室里的花朵，只知道玩乐。而讽刺的故事中这么一个未出过家门、害怕细菌又不讲道理的孩子，被钱婆婆（亚洲）变成了一只与细菌为伍的小老鼠，跟随者千寻走出了房门展开旅行，等他再回到钱婆婆身边时，却已经长成了能自己走路、不哭不闹、懂人情世故的大孩子了。
在《千与千寻》这部影片中，其实还有着许多细节可以对应到这部影片的核心设计原则（ Designing Principle ）——“迷失的日本”的诸多巧思。比如电影中，千寻帮腐烂神清垃圾那场戏，其实说的是日本因发展而迷失忽略了环境；又比如日本片名中的“神隐”所寓指的隐藏起来的神灵，以及影片中开场千寻一家人经过看到的一堆被世人忘记供奉的神龛石祠，其实说的是日本人对本源信仰的丢失。
正因为影片的创作核心意念是宏观与哲学的，而影片的体式又是委婉的寓言体，所欲言之事尽隐匿其中，恰好应了片名——《千と千寻の神隠し》之中的“神隐”二字。也正因为这个隐喻的“本体”是一个“时代”、一个“国家”、一个“民族”，那么可以解读自然包罗万象，而人们对影片自然也会有无数种解读方式，人们可以在影片中看到了“成长”、“爱情”、“环保”、“探寻”……
宫崎骏通过一个小女孩走入异世界而迷失的故事，尝试提出自己对当代日本这种“国之迷失”精神层面的解答——
带着现在迷失的自我，溯根寻源，为过往的错误致歉自省，找到自我，弄清楚自己究竟是谁，方才知道何去何从！
可叹的是，大家至今还在探讨怎么做一个被大家高赞，赚钱的动画电影时，宫崎骏早已在用他的作品履行他自觉的国民责任。
而对于这部创下无数佳绩的寓言体电影，宫崎骏只是轻描淡写地说道：“千寻上车的那一瞬间，是我最开心的时刻。”