电影鸟人主题

‘壹’ 电影《鸟人》到底讲了什么内涵

《鸟人》影评“请你爱我，但若只有一次远远不够”
文中有些英文是inside joke (内幕笑话)，如果不懂请忽略.

20几年前，Riggan Thomson由于出演漫画英雄系列电影Birdman三部曲成名，在人气旺盛之时却拒绝了参与拍摄Birdman的第四部。20年之后，已至中年的Riggan早已过气，大众对他的标签单单依旧是个“鸟人”。由于虚荣和自负的纠缠，时间并没有帮助Riggan适应、接受自己在知名度、存在感上的落差。他想要证明自己是个真正的艺术家，亲自改编了一个话剧剧本，并且自己担任导演和主角，即将在百老汇上演。电影给我们看的，就是Riggan从初期制作到首演的这段经历。你觉得事情会进展顺利吗？

这部片子很奇妙，竟然也非常爵士（我刚看过Whiplash），是我今年看到现在最喜欢的之一。照例，列一下为什么说它好：

第一，选角、表演

饰演主角Riggan Thomson的，正是多年前饰演过《蝙蝠侠》和《蝙蝠侠归来》的Michael Keaton。Seth Rogan在《邻居》里对Zac Efron说，“你们这一代认为真正的蝙蝠侠是Christian Bale，对我们那一代来讲，真正的蝙蝠侠是Michael Keaton。”经历是不可以复制的，被Nolan惯坏了的我们，很难会对Tim Burton的风格买账了。Michael Keaton这个名字在90年代之后也逐渐淡出了人们的谈话内容（他出境的电影，貌似我看过的最新的也是1997年的Jackie Brown了，那还是因为Tarantino）。一个演过经典的Batman，到现在却“无人问津”的演员，来演一个曾经演过Birdman，而到现在无人问津的演员，Keaton所谓是本色出演了。但有一点我们都没想对——从导演Alejandro González Iñárritu到同台的Edward Norton，都说Michael Keaton本人跟他所饰演的Riggan相比，性格和心态完全相反。电影中的Riggan没有安全感，而Keaton却很清楚自己目前所处的位置和自己的方向。如果是这样的话，要投入那些慌张、绝望、没有头绪的戏，Keaton的表演其实非常有突破。

除了主角之外，其他的选角也挺完美。有几个配角我特想聊一聊。

这部电影对Naomi Watts的挑战性不是特别大，跟Keaton演一个夸张、变形了的自己相比，Watts更显得是在演自己，或者在演一个自己最擅长演的“角色”：一个不停怀疑自己的事业崎岖的女演员。首先我们回到2001年的经典，Mulholland Drive (that David fucking-with-our-dreams-Lynch, right?). 在那部戏里，Naomi演的Diane是一个演技不错却没多少自信、特别想要红但就是没有红的演员。在Inside the Actor’s Studio访谈中，Naomi说自己更像Diane（为什么说“更”呢？），她说导演David Lynch“引发出了我内心的阴暗面，而我发现本来并不需要隐藏它”。她还说self-doubt（“自我怀疑”）对她来讲是件好事。我喜欢Naomi Watts这个演员，第一是因为她演技厉害，第二则是因为她让我看到她没有安全感的样子，我也不知道为什么这在我心里会给她加分。

Edward Norton演Naomi Watts的床伴。他的角色是一个演技高超、但却非常自负的演员。我猜Watts在读本子的时候能够意识到她跟自己的角色很像，而Norton在读剧本的时候可能根本意识不到，因为Norton本人就是这样一个演员，他有可能自负到看不见别人对他的评论。导演Alejandro González Iñárritu在一个访谈里就说，Norton一来，读了一下剧本，就开始跟导演建议，“诶，咱们怎么不拍这个啊？”“不如这样吧！”云云。而导演马上就笑了，问他，“你知道你现在在做什么吗？”Norton说，“不知道。”“你在做你的角色恰恰会做的事情。”关于Edward Norton在片场难合作的说法有蛮久了，他并不是耍大牌，他只是对工作、对自己的艺术看得非常非常重，不愿意妥协。以下只是网上搜来的一个“版本”：当年在拍The Incredible Hulk的时候，他拿到剧本后，自己狂加了大概70分钟的对话，为了突出绿巨人Bruce Banner的人物深度。而在Marvel将那些全部砍掉后，他马上就不干了。这之后“复联”里面才由Mark Ruffalo演绿巨人，也是大部分人最喜欢的。（两个演员私下是好朋友）。之所以要强调是“网上搜的版本”，因为Gone Girl提醒了我们，道听途说杜撰太容易。而那个 “版本”的Norton，跟Birdman里他的角色，恰恰像是从一个模子刻出来的。唯独，这个角色再多么有才，他对自己还是没有足够的自信，他只有在舞台上才能最屌(literally)，而我们依旧能感到幕后的他没有安全感的一面。真实的Norton是怎样的，我就不知道了。此片Norton但凡出境就抢了其他所有人的戏，好在他说本片是他最享受的创作经历。

由于知道这三个主要角色跟演员的现实特点之间的联系，我看电影时就多了一层乐趣。电影最开始（忘了谁）有句台词说谁谁朝自己嘴里开了一枪，却还没死成，我第一反应就是Tyler Durden. But we’re not supposed to talk about it.

还想简单说两个演员。

Emma Stone演Riggan的女儿，她是一个有过沉重的曾经，如今茅塞顿开，却还没有丢掉包袱的灵魂。Emma Stone的性格非常 “Easy A,” 跟Jennifer Lawrence差不多，她也是比较大大咧咧的，在脱口秀上讲“在故宫上厕所”的故事。在Riggan的女儿里，我看得到Stone的那种自由，好像要高飞的风筝，但Stone的戏更多的是在同Keaton和Norton互动，这些互动里，我看得到一根很韧的风筝线，这是她演技所在。镜头给了她的大眼睛不少特写，而捕捉到的感情也足够真实。

Zach Galifianakis (噢耶，一次拼对) 对于经纪人/律师的表演也很出色。提他是因为你一般不期待他有这样的表演，他是玩Between Two Ferns瞎搞的人，这次正经了一把，当然他也提供了一些诙谐的对话。看他也是满脸毛，不禁期待他效仿Robin Williams，多演些戏剧。

第二，剧本、摄影、导演、剪辑

本片的摄影师是Emmanuel Lubezki，去年刚刚因为Gravity得了小金人。导演和编剧之一则是指导过21 Grams和Babel的Alejandro González Iñárritu。在他们的合作下，这部电影从头至尾好像是一场2个小时的长镜头。

这个效果是剧本事先的设定，原本就需要演员演很长的戏。这部电影一共拍了30天的事实也确实证明了片场上的高强度高压力。这样的拍摄，不仅需要每个演员都靠谱（尤其是最后一个说话的那个演员，因为一旦他搞砸，大家就要重来），更加需要摄影师、演员、导演的默契。后者是电影成功的一大要素，因为每一场戏不仅很长，而且戏里的演员还有很多走动和互动。为了捕捉最能表情达意的画面，并产生跟踪镜头的效果，摄影机不能一直在远处拍全景，它需要一直跟着演员走，有时还需要拍特写，并不停的变换角度。同时镜头又不能碍演员的事。为了突出主题，电影里面有好多的镜子，电影对于有镜子的戏的取景也是非常棒的。

我对Aaron Sorkin 剧本里很多的长镜头非常熟悉，所以在看完此部电影之后，我很高兴的发觉自己根本没有花一秒去想过Aaron Sorkin，电影拍摄是自成风格的。这样的拍摄特点，结果就是不仅让我们充分了解角色，还让我们看到了百老汇后台的忙乱，给电影的气氛上了色（说到上色，灯光设计也别出心裁）。由于长镜头跟踪，电影的节奏和张力简直令人窒息，我很快就被吸引到了对话和剧情里面，忘记了去想“长镜头”，而也正因为如此，这个技术特点没有沦为让人分心的花招（这是主观结论）。更加厉害的是，在看的时候，我明明看得出他们肯定在某些地方喊了“咔”，但是就是看不出来到底是在哪里剪的。很奇妙。

第三，有深度的主题

说了半天“XX突显了”“YY烘托了”，也该具体谈谈主题了。不过到了这里，很大部分就都是个人理解了。

其实读到这里，你应该猜得出来了，电影的一大主题，便是演员们极度稀薄的安全感，以及对于接受和肯定的“瘾”。通过谈Keaton，Watts，以及Norton，我已经举了些例子了。这些演员都有着不同形式的自我痴迷。Keaton不停地跟自己的阴暗面斗嘴，一方面想要关心自己话剧的质量、担忧别人对自己作为艺术家的看法，一方面又愤怒的唏嘘“当年老子多辉煌，你们这帮人算个毛！老子可以拍Birdman 4发大财!” 但明明已经开始做话剧了，好好表演完成任务却不够，他又特别容易就被外界干扰到自信。所以他不停的设想重新披上Birdman的装束，通过商业电影再次被万众所爱。Watts和另一个女演员极端需要他人的认可，需要听到赞美才能稍稍安心。而Norton，虽然对自己演技功夫没有任何怀疑，但他大概是最痴迷的，他只对角色有信心，对自己却没有，所以他所有的经历都倾注到了表演上，对其他的任何东西都不在乎，台下的生活一团糟，没人喜欢他。每个人的潜台词都是“看我！爱我！”而且是一接受到一点光，就想要更多的光。这不是瘾是什么？电影中画面里的那一面面镜子，正是对于这种自我痴迷的象征。

此段很短似剧透：

Emma Stone的那卷卫生纸，是帮助她戒酒（或毒）瘾的，在地球长长的历史中，人类只有那一小块。而她跟父亲讲述这卷纸的目的，就是想要帮父亲戒掉对于 “看我吧！爱我吧！”的瘾。

剧透结束

不过，大家还是不要太早的去评价别人。Gone Girl里的Amy也是痴迷，Whiplash里的Andrew也是痴迷，我倒觉得我们所有人如今都是这样的。演员们只不过碰巧又是名人，是被媒体典型化了的虚荣自负的人群的代表物而已。说他们是“物”也不夸张，我们有谁真正的了解演员，我们多少次将他们的角色赋予在了他们本人身上，我们多么喜欢过度的解读他们的某个表情？“我们”是个很笼统的代词，我个人感觉，亚洲女生应该是病得最厉害的人群之一，但大家真的都差不到哪去。相比人到中年不会发推的Riggan，每天微博微信讲新事盼回复的我们大概更擅长拐骗别人的关注。那些根本不了解Riggan，上来就叫他Birdman，求他合照、签名的人，通过这样做，无非也是想填补自己的虚荣心，“我前几天看到Birdman了!”会成为谈资，而那照片便获得了很多点击率。

这就谈到了我想到的第二个主题，就是对“名人”和“名声”的评论。不过要注意：演员们对赞扬的期望和追求，跟某些人对“名人”身份的追求是不同的。二者都有虚荣心在作祟，但前者显然是任何演艺人都必有的心理，后者则从一开始就极不健康，而且我认为大部分的演员都认为当“公众人物”是很可笑可悲的事情。上面那一段讲的，就是我们是如何对待名人的，我们把自己心里的东西架到他们身上，我们想象他们的想法，然后我们再跟他们共鸣。当他们好的时候我们利用他们让自己感觉好过一点，当他们不好的时候我们笑话他们，从而对自己的生活不那么不满。但在另一边，是一个“名人”必须在保持自己形象、维持公众信念的同时，还要像一个正常人一样工作，给大众交质量好的作业，否则他们就又不满了。另外，还时不时的有人说自己老了、整容了、拍拖了、吵架了，一直有狗仔拍照，一直有大众的审视，这个压力是多么的奇怪。影片能比较生动的表现这一点，也让人不禁叹气。

另外，我想说一说社会对“漫画英雄”电影的看法。漫画电影在美国，起码是在影迷圈内产生了前所未有的轰动。在Michael Keaton那个时代，这种电影可信度不高，人们不怎么当回事，倒是有情可原。现如今是Marvel和DC火拼的时代，拼的就是质量和内容。Marvel已经通过“复联”、“美队2”、“银河”这几部高水准的片子获得了业界充分的信任，新出的“复联2”的预告片也很令人振奋。然而很多喜欢电影的人依旧对这类电影嗤之以鼻，以为都是闹着玩儿的，只能随便看看的。我现在这样写，而且内心里肯定觉得“美队2”和“银河”都分别是自己本年最喜欢的片子之一，但就连我也不敢把它们列到奥斯卡提名名单里。因为你把片子拍得再真实再严肃，也不能遮掩漫画元素的荒诞性。从这方面讲，漫画电影现在被如此重视，是否是过了头了？拍这种片子貌似真的会降低你的安全感。人们真的会说“你不是一个真正的艺术家”，而你赚的钱越多，可能地位就越低。而这种态度，任何真正爱漫画的人都会告诉你是错误的（none of that Transformers 4 bullshit）。

这就是为什么Robert Downey Jr.想要拍The Judge。如今上映这么久了，他显然没有得到想要的票房收成，而烂番茄的分数也定格在了50%以下。我真的想知道Downey此刻在想什么。整部电影从技术到内容都让我很赞叹，让我觉得有点奇怪，而结尾也让我有些发懵。看完一天了，脑子里却还在想它。这就是艺术。

‘贰’ 美国影片巜鸟人》主题是什么

◎简介

他曾经是大银幕上威风的超级英雄；但岁月不饶人，如今年华老去、顶上稀疏。受限于昔日红极一时的银幕形象，人人只视他为被时代淘汰的过气演员，不再认真看待他的任何崭新尝试。百老汇即将开幕的新剧，将是他演艺生涯中最后一次翻身的机会；但是就在他们要开演前一晚的排练中，与他对戏的男演员却不幸遇到意外受伤，使得他只好找另外一位难搞但有名的男星来救火。

结果虽然有名的男星可以成为票房保证，但是处处要求改戏又排场一堆，另外还有刚出勒戒所的女儿、现任女友与前妻也来搅局，逼得他喘不过气，如何面对这些终极考验，这位超级英雄—鸟人要为他的人生奋力一搏。

关于《鸟人》你应该知道的8件事

1
电影的大部分场景都是在百老汇的圣詹姆斯剧院内拍摄。为了达到一镜到底的效果，演员们通常需要一次完成长达15页剧本的内容，并且按照严格的走位，不能有丝毫差池。

2
开机前，伊纳里图给他的卡司成员们看了菲利浦·佩帝(着名杂技演员)在双子塔之间走钢丝的照片，他告诉他们“伙计们，这就是我们将要拍摄的电影。如果我们跌倒，我们将一败涂地”。

3
三位主演都曾出演过着名的漫画改编角色：迈克尔·基顿曾经在蒂姆·伯顿执导的蝙蝠侠系列中饰演蝙蝠侠，爱德华·顿诺曾出演绿巨人，而艾玛·斯通在《神奇蜘蛛侠》中饰演格温·斯黛茜。

4
电影开拍两周前，伊纳里图与迈克·尼科尔斯(《毕业生》导演)一起共进晚餐。当被告知伊纳里图打算用一镜到底的方式拍摄《鸟人》时，尼科尔斯告诫他这将会是一场灾难。但是伊纳里图并未有退缩。

5 拍摄期间，诺顿与基顿记录下了演员们NG的次数。艾玛·斯通犯错最多，而扎克·加利费安纳基斯犯错最少。

6
诺顿与加利费安纳基斯都声称自己是基顿的影迷。诺顿还列出了他小时候最喜欢的三部由基顿主演的电影，分别是《夜班》(1982)、《家庭主夫》(1983)与《甲壳虫汁》(1988)。

7 迈克尔·基顿在2005年演出的影片《Game 6》与本片相似，也是以纽约戏剧界为背景，基顿的角色同样经历着中年危机。

8 本片是迈克尔·基顿6年来首次在一部影片中担当主演。他上一部主演的电影《The Merry
Gentleman》是在2008年，而且是由他本人执导的。

9 影片配乐被剥夺入围奥斯卡提名资格，媒体猜测是奥斯卡音乐评审认为影片的纯鼓点节奏不能称之为“乐”，因为它没有旋律，这个决定引发了很大的争议。

‘叁’ 2015年奥斯卡最佳影片《鸟人》与1994年的好莱坞电影《鸟人》都用了“鸟人”与“飞翔”等意象，这

分分合合

‘肆’ 刘刚的作品解读

刘刚绘画作品解读
在当代艺术普遍迷失主题的状况下，刘刚坚守自己的信仰，主动的向宗教寻求价值和创作灵感，并以此作为创作的主题贯穿其作品的始终。对人们的现实生存状态和生存空间怀有强烈的忧患意识并表示出明确的批判态度。刘刚的《鸟人》系列表象上看有当代艺术的某些共性既荒诞，幽默，戏谑，夸张，调侃，反讽,然而透过这些表象却发现他的作品暗藏“禅机”。符号化的形象具有禅意。“鸟人”的形象暗示出人的自身矛盾和生存空间的矛盾与冲突。明丽的色彩，夸张的形象和富有戏剧性的场景以及鞋子，巢，羽箭这些符号的重复出现，强化了语言。画家在表达观念的同时仍关注着作品的观赏性，由“视”而“觉”。
“花花世界物欲横流，因果相报，六道轮回，愿人们早日觉悟。”这是画家对现实生存状态所做出的反应和态度。《花花世界》在这种慈悲情怀的催动下创作的。在《花花世界》的创作上，刘刚运用了综合表现技法，借鉴了壁画，浮雕，立体主义，表现主义，超现实主义以及年画的表现手法和元素。放纵想象，造型夸张，深刻生动，场景宏大，十分精彩。充分的表现出人们在欲望的强大诱惑下过度的追求享乐，无视精神和宗教价值，心灵扭曲，人变成异形。在地狱被审判的情景更是让人触目惊心，甚至感到恐怖。如当头棒喝，具有强大视觉冲击力和震撼力。
《菩提树》系列是画家将堕落与拯救这一主题用近似插图和漫画式的语言向我们讲述了一个因果与轮回的寓言故事。形象夸张，荒诞，怪异，场景凄凉。菩提树像一个尊者在讲法超度这些扭曲的灵魂。画家运用了公众熟识的一些符号如：红十字，佛经，羽箭，办证，开锁等。引发人们对哲学，宗教，道德，伦理以及社会问题的思考。给观者留下深刻的印象让人回味。
刘刚的绘画以自己独特的语言和思考形成了自己的艺术面貌。他的画不是简单的说教和图解，而是把自己的意图用当代的图式语言与公众对话，使观者在观看与感受中体悟作品。他不仅揭露现象并以宗教价值给予解答。在当代艺术丧失主题的困境中显然是有意义的。
徐英男

‘伍’ 深圳鸟人的主题曲是什么歌名

深圳鸟人的主题曲是《城市上空的鸟》。

城市上空的鸟
作词：李军
作曲：何沐阳
演唱：何沐阳
歌手:何沐阳
所属专辑：城市上空的鸟（电影《深圳鸟人》主题曲）

歌词：
城市之上
鸟儿在飞翔
望着茫茫人海
迷失了方向
努力向上
受伤的翅膀
却怎么也飞不高 我就原地打转
熟悉的屋檐，陌生的脸
我那流浪的心，听见了忧伤
………… 呜呜呜
城市之上
鸟儿在飞翔
真的舍不得
她温柔的模样
蓦然回想
她的眼光
多少快乐时光 还有心痛的伤
归去的方向
慢慢遗忘
这钢筋丛林
没有栖息地方
飞在城市上空，眺望远方
哪里才是我梦的家乡
城市之上
鸟儿在飞翔
穿过茫茫人海越过心灵围墙
幻想世界 ，依然完美
只是寻不见，你最初的模样
是想要离开 还是继续彷徨
是想要离开？
还是继续彷徨？

‘陆’ 鸟人的作品评价

现实中国的一种写照
——读刘心武长篇小说《鸟人》
广西民族大学文学院博士研究生导师 着名文学评论家李运抟
多年前我曾评论过刘心武的长篇处女作《阿文的时代》。当时我很看重这部小说。尽管其叙事艺术还不那么成熟，但思考的深入和批判意识的强烈，使人不能不对这位初出茅庐的文学新人刮目相看。前些年刘心武写出了《市场修炼：时代财富苦旅》等专着论着，显示出他广泛和深入的理论功底，他以非文学的方式敏锐把握和诠释了大转型时代最迫切的主题。刘心武无论以文学还是以言论的方式，都是在深切关注这个迷惑的时代。如今他又回到文学，拿出了别开生面的长篇小说《鸟人》。面对这部新作，我确实有种“三年不鸣，一鸣惊人”的感觉。相对《阿文的时代》，《鸟人》依然体现了现实意识、思考深入和批判精神，但思想更深刻，视野更开阔，尤其叙事艺术有了全新表现，不仅运用了多种叙事手法而且还颇为娴熟。如果说《鸟人》基本可以定位为“魔幻现实主义”创作，那么它同时也是一部个性充分的作品。
新时期文学曾出现两个走向：现代主义试验成风与现实主义持续不懈。这个过程中，如何看待现实主义与现代主义的价值也有争论。有人认为现代主义只是玩弄形式追求时尚，甚至只是拾西方现代派文学牙慧；有人认为现代主义具有创新意义，不能老抱着现实主义不放。但事实上还有一种现象：现实主义与现代主义出现了交织与融合。其中魔幻现实主义创作堪称典型。魔幻现实主义在1980年代中国小说中已经出现，但当时只有莫言的创作可谓独树一帜。1990年代后，魔幻现实主义的运用则更为普遍和自觉。主要表现在形式主义明显淡化，文化视野、哲学思考、民族反思、社会批判等思想意识更为突出。如《白鹿原》、《尘埃落定》、《黑山堡纲鉴》、《日光流年》、《檀香刑》和《受活》等就是如此。而刘心武的《鸟人》也是属于这类自觉的魔幻现实主义创作。英国美学家克莱夫？贝尔有个着名观点：艺术是有意味的形式。也就是说文本的艺术形式和思想内涵是紧密联系的，艺术形式实际是作家认识生活、把握世界和表现思想的审美形态。而《鸟人》叙事形式的新颖与深刻的主题思考，不仅密切相关，也相得益彰。
披文以入情，读《鸟人》，首先感受到的就是故事层面的精彩有趣。
《鸟人》以鸟博士的成长变异为主体线索而展开叙事。鸟博士在种种荒诞现实中历练成神鸟的过程中的各种故事，也就成为作品的故事结构。各种故事都非常有趣，如遭遇老大，应对四大金刚，私人侦探社，三胞胎兄弟的身份认证，送花与“碰瓷”，红娘俱乐部，傻博士的春秋大义，两条尾巴之间的对抗，瘦狗村的幸福生活，集体农庄的森林晚会，飞鹰走狗论，囡囡以及影子同事，迟到了18年的岗位，结缘非洲“老幺”国，特别联席会议，编制与工资的困惑，等等。从故事层面看，确实就非常好读。与此同时，这里面也呈现了多种叙事方式。既包含了马尔克斯式的神奇想象，卡夫卡式的荒诞，西方现代派的黑色幽默，象征主义的描绘，同时也有通俗小说的故事元素。
正如克莱夫？贝尔所说艺术是有意味的形式，《鸟人》的有趣故事、故事结构和叙事方式，又是“意在笔先”和“辞能达意”的结合。所谓“意在笔先”，是指《鸟人》的叙事设置和艺术形式的探索，并非只是追求“好读”，更不是玩弄技巧的“形式游戏”，而是显示了作家把握世界的思考。其“意”或者说主题，就是《鸟人》对现实中国社会发展史某些荒诞本质的深刻揭示。而“辞能达意”是指形式探索是为了更好地表达相关思想。不求“形似”而求“神似”的方式是为了更加地逼近现实荒诞。《鸟人》的主题思考，或说对现实中国社会某些荒诞本质的揭示，体现在很多方面，其中有三个思考更为重要：
一是对现实中国社会文化状况的寻根问底。
作者曾说他想通过《鸟人》来探索中国儒、释、道三种文化结合一体后，在当代中国社会产生的影响和状况。每一种文化价值体系，正如荣格所说都是一个民族长期孕育的“集体无意识”，那么这种集体无意识也必然会体现在民族性格中。如《鸟人》中的“尾巴”就是一个意味深长的民族文化隐喻。这些各式各样的尾巴，如教授的老鼠尾巴，牛老大的紫色尾巴，K老大的臭鼬尾巴，司长的斑马尾巴，局长的猫尾巴，部长的松鼠尾巴和浣熊尾巴，会长的土拨鼠尾巴，郑老板的豹尾，实际都隐喻着某种文化价值体系和文化状况。而这些集人、鬼、神、兽于一身的中国式英雄，既是特定传统文化环境的产物，同时也是当下中国文化状况的一种象征。
二是对中国社会现实状况的穿透性描述。
《鸟人》对中国社会现实状况的穿透性描述，主要展现在儒家传统、革命理想和市场规则的交织、冲突和博弈中。这三种力量的交织和博弈，不仅在中国现实生活中发生了巨大作用，而且导致了种种奇异景观和荒唐现象。如全国城市化最快的红都市特区，江湖侠义与社会理想结合的瘦狗村农庄，市场经济社会的道德混乱和人性百态，研讨黄河断流问题的部厅级环保会议的官僚主义，部长工作室中的影子同事，包括大学校园中科研人员的利欲熏心，等等。这些具有代表性的事物和行为，既展现了儒家传统、革命理想和市场规则之间的复杂关系，也集中呈现和高度概括了当代中国社会现实的某些根本状况现象，确实发人深思。
三是对现代“丛林法则”的揭示。
动物界弱肉强食的丛林法则在人类社会也不断上演过。这种丛林法则在现代中国同样频频发生。《鸟人》中那些个个具有超人本领的“尾巴人”，就是丛林法则的实现者。无论高官政要、财富大亨，还是江湖老大甚至学界名流，都是俗世社会中呼风唤雨的英雄。他们不仅掌握着社会资源，甚至掌控着平民百姓的生存和生命。弱肉强食、成王败寇，则是他们最拿手的把戏。由此他们也成为现代丛林法则中的枭雄。令人悲哀的是历史却往往被他们书写。
我是很看重这些主题思考的。事实上它们也是《鸟人》重要价值所在。其实无论何种主义何种形式的文学，思想永远都是灵魂。魔幻现实主义文学大师马尔克斯的创作就最能说明形式与思想的关系。马尔克斯创作的伟大虽然也得于出色的艺术表达，但根本还是思想深刻。作为1982年度诺贝尔文学奖得主，瑞典文学院给马尔克斯的“颁奖辞”有这样的评价：“在拉美，激烈的政治斗争使知识界始终处于一种白热化的气氛之中，和其他重要作家一样，加西亚？马尔克斯在政治上坚定地活在贫苦大众和弱者一边，反对压迫和剥削。”（《诺贝尔文学奖颁奖获奖演说全集》，第487页，中国广播电视出版社1993年版）这就是马尔克斯的灵魂所在。《百年孤独》问世后10多年间，拉美世界并没出现马尔克斯期盼的理想局面，苦难与不幸仍然继续，使马尔克斯更为忧虑和愤怒。他在获奖演说中激烈陈述了拉美的苦难和独裁的暴行：5次战争和16次军事政变，2000万拉美儿童不满两岁夭折，前尼加拉瓜独裁者索摩查实行种族灭绝政策，遭受各国政府迫害而失踪者达12万人，尼加拉瓜、萨尔瓦多和危地马拉三个中美洲小国任意杀人，等等。可以说，始终不渝的文学良知是马尔克斯创作的根本支撑。
我以为故事非常好看的《鸟人》，文学良知也是其可贵的精神品格。

‘柒’ 求电影<<鸟人>>主题曲,是尼古拉斯 凯奇演的那部1984年的<<鸟人>>!

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‘捌’ 结合作品主题和人物性格分别从景别 机位 视角 镜头运动分析电影《鸟人》的镜头特点

去问鸟吧

‘玖’ 鸟类精彩的飞翔故事……

电影推荐《鸟人》
《鸟人》：误打误撞的收获

原创 By 房女 2004-12-28 18:22:42

因为Nicolas Cage看了此片，碟上面印的名字莫名其妙，已经没有提它的必要，总之和此片没有任何关系。

本片的亮点其实不是Nicolas，而是一张陌生英俊的面孔，后来搜索到他是一位叫做Matthew Mordine（马修·墨迪恩）的演员，对他依然不了解，他的角色却深深地打动了我。

影片一开始一双渴望又绝望的眼神盯着一扇不大的窗户，脑中冒出的是一串串的问号。Nicolas饰演的是一位叫做艾尔的军士，在战争中脸被炸伤，脸上缠着绷带，到医院看望自己年少时的玩伴鸟孩儿。鸟孩精神上出了问题，整天蹲在角落里，目光呆滞，没有言语……他已不认识这位最好的朋友。

医生告诉艾尔，如果鸟孩儿继续这般，三天后会将他送去精神病院。并将永远呆在那种暗无天日的地方。艾尔为了挽救最好的朋友，开始了一段回忆的旅途——

在家乡的小镇，鸟孩儿是和其他孩子都不一样的，他不和别人玩乐，只会摆弄它饲养的鸽子。因为鸽子，他和艾尔成为了好友。他们全身心地投入鸽子的养育工作，而鸟孩儿却并不仅仅是爱好，他是爱……他一直幻想自己可以飞翔，不停地做着努力。对飞行，对鸟类的研究相当透彻。因此吸引了班上的一位女生，然而他对于男女之间没有丝毫兴趣，他的全部精力都投入在鸟身上。

鸟孩儿有一位专制的母亲和一位体贴的父亲。家庭的贫困成为了鸟孩儿养鸟的阻碍，父亲却为了儿子干了几份工作，成全儿子的爱好。我想如果父亲知道儿子对鸟的喜爱已经达到了不可自拔的地步，他不会如此牺牲自己，换回一个心灵受伤的儿子。鸟孩儿和艾尔努力地想些方法赚取少量的钱，完成鸟孩儿的飞翔计划。他们买了辆破旧的无可挽救的汽车，由于两人的错误，他们被带进了警察局，艾尔的父亲一气之下买了他们的汽车。因为这件事，鸟孩儿和艾尔的父亲大吵了一架，从来没有人这样做过，让艾尔大吃一惊。他不知道鸟孩儿哪来的勇气，为何如此执着……

鸟孩开始侍养金丝雀，它们繁衍了一群幼小的生命，鸟孩儿专注地关注它们的哺育过程。他对女孩的投怀送抱完全没有反应，他不仅仅是性冷淡，他对于性根本就没有兴趣。他脱光了自己的衣服，和金丝雀们躺在一起，艾尔以为他和那位女孩度过了美妙的一夜，当他得知真相以后，他失望极了，他不再了解鸟孩儿，他觉得鸟孩儿已经达到了病态的程度了。

艾尔离开去充军，同一时刻，鸟孩儿最心爱的金丝雀撞死在玻璃上，面对这种情况，鸟孩儿几近崩溃。他在战争中目睹一枚炸弹炸死了大量的鸟类，他歇斯底里地大叫，从此他陷入了影片开始的那种病态的境地。

艾尔竭尽全力地唤起鸟孩儿的记忆。一切似乎都是徒劳，他发火，嘶吼，鸟孩儿瑟缩地蜷缩着。“这让我觉得比战争还可怕”。艾尔的这句话让人的心都碎了。在限期的最后时刻，艾尔仍不放弃。终于，鸟孩儿和他说话了，他的世界里只有艾尔，他不和其他人说话，所以他依然被视为精神病人。艾尔带着他逃离医院，鸟孩儿展开双手，跳下了窗台，埃尔绝望地大叫，意外——鸟孩儿跳下的地方居然是一方平台。

影片到此结束，至于后续的发展，观众可以自己想象。

整部影片充斥着悲凉的气息，故事的结尾却出奇不意的给人希望。太吸引我的影片，迫不及待地看完，心中满是感触。尤其是鸟孩儿的眼神，悲凉的让我无限地同情。

在这个世界还有人对一样事物的热爱达到这样水深火热的程度吗？

这到底是一种幸运，还是不幸呢？

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2005-11-17

电影《鸟人》

很久很久以前就看过这部片子了，今天和一个朋友聊起beatles的free as a bird，提起了这部电影。很想找回当时看电影的感觉，于是，找来了这个很久以前的影评......

《鸟人》：在福柯关照下的症候分析
dangel
人们几乎无法恰切的评价福柯这个20世纪60年代以来最有影响力的哲学家，他的思想辐射之广，几乎深入到西方哲学，文学，社会科学等各个领域，他的理论似乎是一种对理论的反思，一种对文化的不同侧面的探讨，因此精密的语言无法概括、包含福柯的理论，而更为疯癫的语言表述似乎更容易令人信服：福柯，一个非历史的历史学家，一个反人本主义的人文科学家，一个非结构的结构主义者。

现代生活的种种隐秘的弊端无法逃脱福柯的锐眼，监禁，精神病，同性恋以及医学都是福柯研究的领域，而这些貌似极为边缘的话题却恰恰在福柯的阐述中成为隐藏在社会最基层的推动社会运作的原初动力，是社会权力机构最为敏感和薄弱的环节。因此，福柯的理论是社会运作的机理式分析。而《鸟人》却恰恰可以看成是福柯理论的电影本文。

完全用福柯的理论来贯穿一部影片评论话语的始终，还是一件十分大胆和毫无把握的事情，但好在福柯旨在建立一种时间和空间上双重宏大的理论，因此用这种涵盖性极强的东西来评判某种具体的现象更不容易露出破绽，其他的东西就要靠看客细细体会，因为我不会说的很清楚。

关于疯癫

《鸟人》中鸟人生性喜爱小鸟，梦想着象鸟儿一样自由的飞翔，而残酷的战争在他的面前血淋淋的剥夺了大量鸟儿的性命，他开始拒绝同杀鸟的人类说话，并象一只受伤的小鸟一样蜷缩起自己的身体。而鸟人的少年好友艾尔则有着一般人的所有爱好，比如喜欢追求女孩，热衷性爱。然而他却能理解鸟人并与他为伴，在鸟人被关进医院之后，艾尔为配合医院的治疗工作——将鸟人恢复为常态，而每日对鸟人重复往事，以期唤起鸟人的记忆和与人对话的欲望。在影片中，对待鸟人的怪异秉性有着截然不同的两种态度，这两种态度的代表分别是艾尔和威斯。

威斯是理性世界的代言人，他以医生的身份出现，力图将癫疯的世界按照文明世界的规则来规范。艾尔是界于理性和非理性之间的过渡，起初他代表理性/文明世界对非理性/癫疯的鸟人实施拯救行动—— ，威斯和艾尔之间的差别仅仅从他们对鸟人不同的形容词中就能看出来，威斯说鸟人是“快疯的”，而艾尔则认为鸟人只是“很特别”。反复努力之后，他发现他自己正在被鸟人所同化——说服者被被说服者所说服。（战争残酷的记忆越来越强烈的刺激着他的神经），他也开始象一之受伤的小鸟一样卷曲着手脚，蜷缩着身体。直至后来他自己意识到了一个不可告人的秘密：“他对鸟人说：‘如果威斯知道我在想什么，他也会把我关起来的。’”这个时候他已经非理性而癫疯的世界之中而无法自拔。他甚至在向鸟人道歉说“我不应该留下你”。但这时威斯已经不再相信艾尔会再继续按照他的意愿整治鸟人了，他对他已经失去了作用，换言之，艾尔已经站到了理性世界的对立面。他也被当作疯人一样对待。

我们且看艾尔成为“疯子”之后的反应，即他是如何对抗理性世界的，他也拒绝同自相惨杀的人类对话，但是与鸟人不同的是，他是以嚎叫的方式来表达他的拒绝的，当护士以和颜悦色要求与他谈话的时候，他这样说：“从我进来之后就一直在谈，但是没有人会听，即使他们没疯。” 这句话，实际上是建立在自身形成的一套完整的价值观念体系上的一次义正严词表述，他以自身清醒的，卓然的纯自然的眼光来看待周遭的这个整个世界，这无疑是一个充斥着残害他人，神经质，压抑和癫狂的世界。从某种程度上讲，这是一种更为“理性”的拒绝，是一种积极的拒绝，一种自觉的选择。

“我不知道在那些绷带下还是不是我，老天我不要一张拼凑的脸。”这个社会，是以扼杀理想和真正自由为代价来存在的，这正是这部影片的主题。

关于话语权

福柯认为：某些禁忌以其本来的面目出现，而另一些更松散的禁制则是以道德的形式出现。人们大体上是按照社会中他人的意愿，或者说是主流意识形态的意愿来塑造自身，而这种意愿正是一种被控的话语权。在现实社会中，话语权从来都掌握在占统治地位/权力的一方。诸如“真实”，“真理”这样的东西究竟是不是无庸质疑，“真实”，“真理”其实都是在权力话语操纵下阐述的结果。掌握话语权的一方施加权利，被动的一方要么操纵同样的话语说话，要么以拒绝倾听和交谈来保持沉默。

具有强烈女权主义色彩的影片《钢琴课》，就是一部典型的以拒绝说话来保持自己话语权不被剥夺的电影。女主人公由于无法实施自己作为一个女性的正常的意愿的表达，而采用拒绝同男权社会对话来维护自己的权利。这种女权主义的沉默一直保持到女主人公找到自己心爱的男人并随他离开异乡。

显然影片《鸟人》中也存在一个话语权的问题，鸟人相对于人类，虽然谁也没能进入到对方的话语系统中——人类说的是正常的道德的话，而鸟人只在心灵上同鸟对话，“我要爬上去同他们说话”——但明显是人类的话语占据了主导的地位。于是鸟人被现代医学诊断为濒临精神病，并用现代医学手段对其进行治疗——目的是逼迫他说“人话”。

正如片尾鸟人同艾尔说的那样：“我不知道同他们说什么。”鸟人自始至终都很明白自己值得对话的对象是什么。福柯在他的谈话录《自画像》中谈及对沉默的欣赏，他说，有很多种说话的方式，也有很多种沉默的方式。某些沉默带有强烈的敌意，另一些沉默却意味着深切的友谊，崇敬，甚至爱情。不幸的是鸟人的沉默是一种敌意的沉默。

起初，艾尔还是试图同鸟人对话的，试图将其从被战争刺激的悲惨记忆中拯救出来，但他没有想到的是，鸟人并不是丧失了说话的能力，而是不知道同他们说什么，他自然也不知道同艾尔说什么，只有当艾尔从战争的轰炸中醒悟过来，面对自己残破的连，他说“我还是想要他是原来的艾尔，而不是什么怪物，他们的世界有什么好，我们还是呆在这里别出去，我们不要跟任何人说话，而且常常发疯。”
这时，鸟人说话了。

正如福柯在《癫疯与文明》中阐述的那样：“我的问题是，主体以什么代价才能讲述有关自身的真理？主体以什么代价才能讲述自身作为疯人的真理？”

关于妄想症

按照精神病学的观点，鸟人应当被诊断为患有严重的谵妄症。“有些人自以为是野兽，便模仿野兽的声音和动作。有些人认为自己是玻璃器皿，因此避开过路人，以防自己被打碎；有些人畏惧死亡，然而他们却往往更容易致使自己夭亡。还有些人在想象中认为自己反有某种罪行，每当友人走近他们，他们就惊恐战栗，以为来者要逮捕他们下狱和判处他们死刑。”谵妄的想法始终是孤立割裂的，并没有损害理智整体。

鸟人喜爱鸟，与鸟为伍，妄想自己是一只鸟，企图象鸟一样在天空中自由自在的飞翔。这种想法几乎占据了他生活的全部，发展到极端，便成为一种病症。鸟人爬上高处，并不惜生命的代价获取与鸟对话的一次机会，他给自己做鸟的衣裳，赤身裸体的睡在象鸟笼一样的地方。

鸟人不同常人的精神状态集中体现在他精心策划的三次飞翔上。第一次是意料之外的飞翔，鸟人和艾尔爬到建筑工地的高架上鸟人不小心滑落下来，可是在危险的一瞬，鸟人却以一种极为优雅的姿态“飞”降下来，他第一次飞，却因此摔断了双腿。

第二次飞是经过精心策划的。鸟人为自己做了大翅膀，并每天锻炼臂力，计算每分钟扇动的次数，但当他们真的从垃圾场的小山坡上飞下来的时候，结果却是一段距离之后鸟人落入一个污水坑中。这是第二次关于飞行的悲剧结局。
第三次，鸟人终于飞起来了，但是这次飞行不是在现实中飞，而是在幻想中飞，是精神的飞翔。他说：“我飞了，好象是在梦里，不过不是梦。你没法形容，只能去感觉。”

鸟人的这种状态，是一种回归自然的状态，是一种更为原始的状态：我宁愿死去，重生时，做一只鸟。他只有在现代社会里才是疯的，才能被指认为疯子。“在蛮荒状态不可能发现癫疯，癫疯只能存在于社会之中。”

对于人来讲，人是不能飞的，人只能跳，试图象鸟一样从高处飞起，其结果就是摔下重创。然而鸟人却以优美的姿态下落。那一瞬是多么另人激动，为了这飞翔的一瞬，鸟人似乎不顾飞之后的结果是什么，甚至忘记生命的存在。这正是福柯所倡导的精神：

“对我来说，那种纯粹的完全的快乐是同死亡联系在一起的。我甚至希望有那种(笑)过量的快乐，我宁愿为它而死去。”

“有一次我在街上被一辆汽车撞了。我那时正在走路。有那么几秒钟我感觉自己正在死去，而那种快乐真是非常非常强烈。当时是夏天傍晚七点钟光景，天气很好，太阳正在落山，天空一片碧蓝。这是我迄今为止回忆中最美妙的情景。”
福柯的生活也是“尼采式的探索”，他如浮士德一般，一生追求“极限体验”，从未止步，直到最后耽迷于非性欲化的“极乐”体验，也就依次被“魔鬼”摄走。福柯的文化边界研究是与其社会边缘心理相辅相成的。

关于监禁

从影象上看，虽然并未被表述为监狱，但影片中呈现出来的医院显然就是一个用于囚禁的场所。鸟人居住的小屋很象一个牢房，而只有一个小小的天窗，使他能够看到外面的蓝天，这个窗户是如此的小，以至于他只能定睛朝一个方向凝视，而天窗上却也布满了否定自由的铁丝网。由天窗中射进来的一缕蓝光笼罩着蜷缩着的鸟人，这是他的希望之光，而也就只有这一束光守侯着鸟人。

片头蓝天中滚滚的云朵和稠密的铁丝网的叠画形成强烈的对比，也给影片在一开场就蒙上了一层悲剧的色彩。鸟人以其经典姿态：象鸟爪一样勾起的脚趾，紧紧蜷缩的双手，赤身裸体，婴儿般的蹲在床栏杆上，扬头向上，望向窗外，好象一只始终作好了准备，时刻梦想着展翅高飞的金丝雀。

鸟人用他的形体对抗着监禁他的环境。通过其健壮的身体所显示的野性未羁的无言的青春力量，透露出一种生而自由的，已经获得解放的人性存在。如果说这些身体的姿势暗示了他们的梦想，那是因为这些事特别张扬了他们的那种不被承认的自由。

福柯说：人们不能用禁闭自己的邻人来确认自己神志健全。而被禁闭的人能够始终坚持着确认自己的信念，而不被另外一种的癫狂所颠覆，这将需要多么大的勇气。至少，鸟人的疯癫不是一种被投入监狱的疯癫，而是被投入黑暗的疯癫，在黑夜中，他只能与自己内心最隐秘，最孤独的东西交流。

鸟人以这种卓然不群的姿态，所要对抗的是一种权力产生和行使的机制，一种将特别的人当做马戏团的动物进行驯服的习俗，使世界上所有人都摆有这种姿态而不是那种姿态的所谓的约定。18世纪以来出现的一整套“管理”技巧，而监狱只不过是其表现之一，以及在刑罚领域里的变形。

结尾：导演的态度

从一般的角度来看，这部影片的导演必定是具有一定程度的精神抑郁或者癫疯症，才会将这样一部形式内容都十分怪诞的故事搬上银幕。

艾伦?帕克是以一种赞赏的态度，唯美的眼光来拍摄鸟人现实生活和他的内心世界的，鸟人的行为，在世俗和常态的眼光看，无疑是病态，癫狂和非理性的 ，然而当战争被指认为一场疯狂而惨无人道，违背自然意愿的行动时，当现时生存着的人们已经在冰冷的机器声中无法入梦的时候，在这个背景下，癫疯是一种恢复了的常态，是一种控诉现实的无声的吼叫，是人用自己的精神和肉体对抗钢筋水泥的具体行动。

在艾伦?帕克这位颇又感悟力而深有社会责任感的导演手中，还诞生过象《迷墙》这样更直接的意向性，符号化的影片，它的以后现代的方式对现代生活的控诉，甚至是更为直接的吼叫。

现代世界的艺术作品频频地从疯癫中爆发出来，这一情况无疑丝毫不能表明这个世界的理性，不能表明这些作品的意义，甚至不能表明现实世界与这些艺术家之间的联系和决裂。

“凡是有艺术作品的地方，就不会有疯癫”，这便是《鸟人》这个后现代电影文本存在的最根本的理由。

BT上面有下载的.还有电螺上都有!!!

‘拾’ 一部美国音乐电影，两个音乐狂魔的乱战，是热爱还是凌驾欲

讲述音乐的电影有很多，真正用视觉观察并展示音乐的则凤毛麟角，《爆裂鼓手》绝对是一部不可多得的精品，两个音乐狂魔的乱战。尽管后半段的编排没有前半段神奇，而且除了打鼓，内曼的可谓一团遭，但电影仍然值得满分推荐。节奏，剧情，表演都很棒。在我看来，这两个人有些像小两口，有些离不开彼此的感觉，只是缺乏充分有效的沟通，但也是个性使然，相辅相成，相恨相杀。影片的节奏推进如同其主题的爵士鼓一样疯狂不羁，一路狂high到底，中间有好几部分都紧张得人手心捏汗。

另外，影片的视角极其客观，导演把自己想要讲的故事拍的热血沸腾，并且刻意不引导大众评论的方向，却更加值得玩味人性。电影在高潮处戛然而止，恰到好丑，没有对男主的未来，感情做过多的描述。因为男主已经突破了自己的极限，这就够了，其实大部分人都像男主一样被人鄙视，不被认可，但能像他那样疯狂，勇敢，甚至入了魔一样恐怕没有几个。