新好莱坞电影工业的状况
A. 世界影视行业发展现状
全球电影市场近年来保持着稳定增长的基本态势。虽然美国电影在全球的优势地位依然明显，但是许多国家本土电影产业的发展显示出强大活力。其中，中国、印度、日本、韩国等亚洲国家电影市场增长领跑全球。
在这一趋势下，好莱坞等成熟电影工业更加重视中国等新兴电影市场所爆发出的巨大市场潜力，而中国、印度、韩国等新兴电影工业也因国内市场的蓬勃而变得更有底气，将目光投向了海外市场。这种双向流动的趋势正在影响着全球电影产业格局。
全球电影市场稳定增长。
2010-2018年，全球电影票房收入虽然总体保持增长趋势，但增速呈波动变化。根据美国电影协会数据。
2017年，在中国电影市场回暖等因素的影响下，较2016年增长了4.4%，增速较2015年有明显提升。
2018年，尽管全球电影票房收入再创新高，但增速再次下滑至1.5%。
B. 好莱坞电影产业的结构和体制是什么
好莱坞电影制作发行体制的特点
好莱坞发展到现在，已经成了一个体制完备、实力雄厚的经济体，它在制作发行上主要具有两个特色：
1. 资金雄厚且能保证经济效益最大化
在美国拍片，一般来说有三种资金来源。
（1）个人投资或亲友合资
这最小规模的集资方式，通过这样的非主流的融资渠道产生的电影组成了美国独立电影的主流（或者说是名副其实的独立电影，因为这些电影自始至终都贯彻了导演自己的创作意愿，而像《指环王》这样的电影虽然由于全部由新线电影公司投资也可以被叫做独立电影，但是从剧本到卡司都要通过新线的审核管理，所以独立性相对较弱），如《女巫布莱尔》只花了几万美元，《杀人三部曲》更极端，剧组总共才两个人，制作成本如下：2300美元买胶片，1300美元冲洗，2800美元胶转磁。摄影机是借来的，剪辑用录像机来做。在这样的情况下，整部《杀人三部曲》的制作费用不到一万美元，但是影片并未因此而粗制滥造，相反，在众多好莱坞商业大片中，它的质量绝对可算上乘，相应的票房也非常可观；
（2）电影公司投资
这种资金由经纪人拿项目资料找电影公司（也就是所谓的“七大”或者“八大”）谈判获得，也是好莱坞电影最主要的融资渠道，资金相当可观，但是程序繁多，一个电影项目从雏形到成形可能需要好几年的时间，比如奥利弗斯通的《野战排》，因为剧本问题而被耽搁了好几年，最后他修改了剧本的前十页才获得米高梅的首肯；
（3）吸引外资
这在如今好莱坞也相当普遍，尤其现在的大片制作成本越来越高，由一家或者少数几家电影公司承担制作费用风险非常大，他们通过与更多的人合资来分担风险，比如德国人。由于德国政府收税过重且鼓励境外投资，德国的资本家们很喜欢与国外的企业合作（比如中国的一汽大众），好莱坞就是他们的首选目标，不过德国人对好莱坞电影的制作发行不熟悉，所以他们的投资往往显得有些盲目，例如2000年的《地球战场》，德国人投资了上亿美元，但是票房惨败，导致投资公司股价猛跌，资金都差点周转不过来。类似于这样的投资者在好莱坞不在少数。
当然，好莱坞赚钱主要不靠外国人，而是靠他们的发行和放映体制。
我们所说的“七大”或者“八大”，他们主要的职责其实是影片的发行。发行有多种渠道和方式，比如院线放映，录像带盘片出租和销售，电视播映权转让，以及一些周边产品（比如蜘蛛侠的玩具）的生产。院线放映分为北美和海外两个市场，北美票房收入发行商抽取30%的提成，海外票房则提取40%（也就是我们所说的分账大片）。北美院线放映发行商还会和放映商谈分成，有两种分成方式，一种是发行商交付放映商一定的租金（视影片卖座情况而定，一般是一万美元左右），上映后每周放映商抽取提成（第一周为10% ，越往后越高，但是不会高于30%），第二种是发行商不交租金，放映商直接抽取提成，一般是30%，越往后越高，但是不高于50%。一般来说，院线放映所得的票房占一部电影所能创造的利润总数的30%（北美票房占全球总票房收入的25%左右），录像带和碟带占50%，电视播映权的转让和周边产品销售一共占20%。我们以放映商每周抽取40%提成计算，一部制作、宣传成本5000万美元的片子，只要保障北美院线有625万美元的票房就可以收回成本了，换句话，就北美市场来说，好莱坞电影发行商的风险率只有0.125，而如果是《哈里波特》这样的超级商业大片，风险更是微乎其微，事实上华纳在影片上映前便收回了成本。
所以，好莱坞的“七大”或者“八大”自从定型以来，便一直屹立至今，很长一段时间米高梅公司因为财务上处于窘困状况而被称为“好莱坞病夫”，但是它并未退出好莱坞舞台，这跟影片发行放映体制离不开关系。所谓的“病夫”只是一时资金周转不灵而已，只要生产出一部北美票房能上千万的影片，米高梅的资金就能顺利回笼，这个对007专业户来说并不难。
2. 机构繁多且分工明确
好莱坞各大电影公司的机构总体来看可以分为行政和制作两大机构，行政机构可以分为决策、创意和制片三个部门，制作机构可以分为剧务、技术两大部门，这些职位分工相当明确，而且不会出现越俎代庖的现象。
此外，真正和一部电影的产生有直接联系的还有导演、剧作组、演职人员(剧组独立于公司体制之外，必须严格执行美国劳工局的规定，比如一天工作不得超过八小时)，以及以上人员的经纪人和律师，还有其他像市场分析公司之类的好莱坞附属机构，这些机构林林总总加起来，大概有三四十万人，当然，这个数字不包括那些抱着明星梦但是还没有正式进入好莱坞编制的年轻人。在这么复杂而井然有序的机制的运行之下，好莱坞能最大程度地保证一部影片创收。当然，你可以说好莱坞催生了一大堆不稳定的职业（比如流动的群众演员），但这种说法是具有两面性的，同时你也可以说好莱坞创造了无数工作岗位，这些工作人员虽然只是临时聘用，但都有基本的生活保障。洛杉矶劳工局规定，好莱坞无论何种形式的从业人员日工资不得低于105美元。
C. 好莱坞成功背后的秘密
位于美国西海岸加利福尼亚州洛杉矶郊外的好莱坞，这是依山傍水，景色宜人的地方。以下是我整理的好莱坞成功背后的秘密，欢迎大家阅读。
世界电影百年之后，如今什么是“好莱坞”?怎样才算作商业 文化 的“成功”?好莱坞的“秘密”可以指它成功背后鲜为人知的失败，也可以指它令人信服的全球性扩张、垄断的历史，这个历史包括它庞大的文化工业体制的建立、调整与创新，尤其是它领先其他国家和民族电影的全球化策略。自从20世纪末中国进入世界贸易组织以来，“全球化”已经成为学界与媒体经常谈论的题目。这个演讲的目的之一，就是为大家提供一些新的信息，以便知己知彼，更全面地了解国际文化格局。
经济学难以解释的成功
昂贵的制作成本，尤其是明星的片酬，加上同样昂贵的影片宣传费用，与票房的实际收入往往不成比例。如果单单以票房计算，好莱坞相当部分影片的投资都应该算作失败。
好莱坞在全球的成功是有目共睹的。我们可以以20世纪90年代为例，看看这些惊人的数字。1990年，欧洲共同体国家电影票房90%的收入为美国影片占有。1992年，欧洲进口的影视产品价值达到37亿美元，而欧洲自己只出口2亿8千8百万美元的影视产品。1993年，全世界100部畅销影片中，美国片共占88部，稳稳占据垄断地位。1994年，在美国影视娱乐产品高达180亿美元的年收入中，80亿美元(44.4%)来自出口，同年，美国电影票房在海外市场的收入第一次超过本土市场。1995年，美国电影占全球票房的60%。毫无疑问，洛杉矶的影视文化(地理位置上的“好莱坞”)和以纽约市为中心的国际金融业联手，垄断了全球的娱乐产业，包括电影、电视、音乐、 广告 、卫星、网络、出版甚至体育。然而，好莱坞的成功是传统经济学难以解释的一个现象，因为美国每年生产的影片中，票房亏本的数字经常超出盈利的数字。昂贵的制作成本，尤其是明星的片酬，加上同样昂贵的影片宣传费用，这些巨额的预支与影院票房的实际收入往往不成比例，制片厂和电影院的供求关系与电影产品的定价(票价)也不可能平衡。换言之，如果单单以票房计算，好莱坞相当部分影片的投资都应该算作失败。
那么，好莱坞是如何解决票房的拮据，而最终取得举世瞩目的成功呢?对这个“秘密”当然有种种不同的解释。第一是好莱坞文化产业的规模与财力，只有大财团支撑的集团公司才能在每年几部大片亏损的情况下依靠其他影片和产品扭亏为盈;第二是好莱坞灵活的管理文化，不时创新金融系统，不断调整营销策略，使它能适应社会经济的变化。当然，还有其他一些因素可以用来解释好莱坞的成功。比如语言因素：20世纪英语逐渐成为国际通用语言，这为好莱坞从默片到有声片的过渡产生了极大的推动作用。再如文化因素：作为一个由众多民族组成的移民国家，美国多元文化的特性要求好莱坞采用相对应的文本策略，大批生产能让不同阶级、种族、文化背景的观众都喜闻乐见的影片，这样的长期实践，形成了一整套比其他国族电影更具世界性的叙事和影像模式。还有艺术因素：“经典好莱坞”风格的创立，既为观众提供令人满意的视觉消费与重复观赏的欲望，又为厂家设定有规律可循的技术生产流程。
显然，纯经济贸易或纯文化艺术角度的解释都不能完全解释好莱坞成功背后的秘密。从电影研究中的“政治经济学” 方法 来看，另一种解释来自资本与国家的共谋。也就是说，对好莱坞而言，与产业运作和观众喜好同样重要的是美国政府的支持。这一点常常被人忽略，所以我们不妨回顾一下。
好莱坞走向成功的历史
美国政府在支持好莱坞争取海外文化霸权的同时，曾经明文立法禁止类似这种“托拉斯”联营方法在美国国内的形成，国内的经济保护主义(对中、小企业而言)和国外的“文化帝国主义”形成鲜明的对照。
很多人忘记了在第一次世界大战以前，美国并非强国，而美国电影也不曾占世界优势地位。直到1914年，大部分美国上演的影片与使用的电影技术都还是进口的。法国当时每周向美国出口12部片子，每年约600部;拉丁美洲的电影市场也由法国和意大利垄断。第一次世界大战使这一状况发生根本性扭转。1915年到1916年，美国影片出口从3千6百万英尺增加到1亿5千9百万英尺，两年内增长近5倍;而美国影片进口则从一战前的1千6百万英尺下降到20年代中期的7百万英尺。一战后，美片进入亚洲和拉丁美洲，美商大量收购巴西电影发行业，控制巴西本土的电影放映，几乎摧毁巴西电影的生产。此外，美片的主要出口地还包括英国、澳洲和阿根廷。
时至20世纪30年代，美国电影产业三分之一的收入来自海外。有声片时代初期，美国的音乐类型片吸引了非英语国家的观众，好莱坞也开始尝试同步生产外语版的畅销音乐片。音乐的流行促进电影产业的“平行整合”，即电影与非电影产业之间的整合。音乐片的流行歌曲既可以授权由电台播放，又可以生产单张唱片在商店销售，电影开始尝到靠周边副产品增加盈利的甜头。20世纪20年代至30年代，经典好莱坞电影在海外极受欢迎。迷人的影星、动人的 故事 、撩人的音乐、惊人的外景地———好莱坞塑造的现代银幕形象，向全世界推销美貌、青春、财富和快乐。1939年，美国商业部估计，美国占据了全球约65%的电影制片产量。此后，历史再次垂 爱好 莱坞。第二次世界大战使欧洲电影工业元气大伤，德国和意大利的国营电影企业要么破产，要么暂停，美国影片乘虚而入。1945年-1949年，意大利进口美片2000部，平均每年400-500部，与此相类似的是抗战胜利后好莱坞电影倾销中国的情况。资本与国家的共谋在冷战初期尤其突出。好莱坞在意识形态上推广美国政府的反法西斯主义的政策，在文化上向世界出口美国的生活方式。这种共谋如此合拍，以致好莱坞的一个影片出口公司当时自称是美国的“小国务院”。与此同时，在经济政策上，美国政府也及时支持好莱坞，为其减低税收，优惠外币兑换率，订购影片，甚至充当其海外商业谈判的代表。到了60年代，好莱坞已经在英国及拉美国家占据垄断地位。值得注意的是，美国政府在支持好莱坞争取海外文化霸权的同时，曾经明文立法禁止类似这种“托拉斯”联营方法在美国国内的形成，国内的经济保护主义(对中、小企业而言)和国外的“文化帝国主义”形成鲜明的对照。
70年代初的全球石油危机和通货膨胀一度造成美片海外市场的不景气，但是好莱坞将注意力转向国内市场，及时发展黑人观众群，开发新的动作类型片。非洲市场的开发形成好莱坞另一个长期称霸的领域。如今，不但非洲市场一半以上放映美片，而且非洲生产的影片往往不能在本土放映，而只在欧美市场流通。80年代墨西哥和阿根廷两国经济萧条，货币贬值，美国政府借助强势经济援助理所当然地又让好莱坞打入这两个非英语语系的电影大国。到了80年代中期，作为传统电影大国的日本也成为好莱坞主要的海外利润来源之一。随后的历史发展仍然有利于好莱坞：原苏东国家的开放，欧洲共同体市场的建立，录像与数码技术的普及，一切似乎都为好莱坞的全球垄断大开绿灯。
好莱坞与文化帝国主义
早在20世纪30年代，美国商界就惊喜地发现，美国影片的放映常常引起对美国商品需求的增加。据当时的估计，出口1英尺美片即可以促销1美元的美国产品，出口12万个电影拷贝就等于派出12万个“美国大使”。
德国着名导演文德森承认：“美国人已经殖民了我们的下意识。”这里的殖民指的是影像的殖民，而影像的殖民提出了文化帝国主义的问题。“文化帝国主义”的概念原先指美国文化(“北方”)对拉美国家(“南方”)的影响，这一点有别于我们熟悉的“东方”与“西方”。早在20世纪30年代，美国政治与好莱坞文化的共谋就使美国商界惊喜地发现，美国影片的放映常常引起对美国商品需求的增加。据当时的估计，出口1英尺美片即可以促销1美元的美国产品，出口12万个电影拷贝就等于派出12万个“美国大使”。
历史上几个事件充分说明好莱坞影像的文化帝国主义威力。其一，早年美片出现新型缝纫机的图像，这曾使美国出产的缝纫机在海外一度脱销。其二，美片营造现代的工作条件，又曾引起巴黎工人罢工，抗议法国工厂的不良环境。其三，美国明星在一部影片中手把手地教当地男孩做汉堡包，曾诱发对地中海饮食文化即将濒临消亡的争论。其四，阿根廷观众发现一部美片中影星不穿内夹衣，又一度造成该产品在市场上的滞销。
好莱坞对美片的影像感染力早有发现，在1927年就列出“不能及不宜拍摄”的敏感内容的条款，这属于美国文化产业的自律。与自律相反，30年代好莱坞为了逼迫日本开放电影市场，就曾以大量拍摄日本黑帮片来要挟日本，电影作为“文化形象代言人”的功能不言而喻。到了全球化的今天，文化帝国主义的渗透力更是无所不在。从影像的角度说，所谓的“斯皮尔伯格现象”也可以视为好莱坞文化帝国主义的表现，因为以《侏罗纪公园》(1993)和《泰坦尼克号》(1997)为代表的好莱坞高科技、高质量的影音标准是其他国族电影在缺乏巨额投资的情况下所难以达到的。从消费的角度说，电影周边商品的发展往往使消费者忽视产品的文化来源，典型的例子是迪斯尼。从动画片和游乐园到有线电视与礼品商店，迪斯尼标榜的是全球性、重复性的消费。从迪斯尼到麦当劳再到可口可乐，今日消费者面临的是全球文化的“类同化”压力，虽然还不完全是“同一化”。
在电影界，拉美国家一度兴起“第三电影”以抵制好莱坞的影响。遗憾的是，这些在意识形态和审美概念上“反好莱坞”的作品没有商业基础，只为理论界提供文本，影响甚微。而且近年理论界的研究证明，电影观众对影视产品的接受并非一律是消极的认同，而经常是积极的协商，甚至是主动的抵抗。在大众媒体研究领域，“文化帝国主义”的课题也渐渐让位于“全球化”的理论探索。
好莱坞与全球化生产格局
好莱坞成功背后的秘密之一就是：在电影本身从胶片走向数码的所谓“电影死亡”的时代，“好莱坞”已徒有虚名，它指涉的是业主不定的多国娱乐文化产业及其资本灵活积累的全球化策略。
迪斯尼的当家艾斯纳认为，“美国的娱乐产业不是世界的美国化，而是娱乐的全球化。”这个观点强调，至少在娱乐界，“全球化”不等同于“美国化”。如果说早年的“美国化”是文化帝国主义及其侵略、扩张的一种表现，那么近年的“全球化”则是70年代后全球相连的金融和管理效应所造成的一种新的格局。资本超越国界的全球性迅速流动造成出口型的跨国、多国公司特别是服务业的兴旺，同时也造成传统工业尤其是制造业的衰落。新的国际型经济正逐步完善，高速的资本流动打破了传统的时空概念，速度和效率就意味着利润和优势。虽然在世界的格局里，“中心”与“边缘”的不平等继续存在，但是国家对经济的控制力已经大大减弱，跨国资本在国际舞台上正扮演着越来越重要的角色。
反映在影视界，平面整合与垂直整合愈演愈烈。如今几个大财团拥有全球大量的影视、娱乐产业。迪斯尼由动画片进入故事片，进而出版图书、画册，营造游乐园、旅馆、观光游轮，发展录像产品和播放平台，甚至购买美国三大媒体之一的美国广播公司(ABC)，显示出惊人的实力。电影周边产品的利润开始超过票房。1990年，美国本土的录像收入已经高于票房收入，证明观众更多地在家里甚至汽车内看电影。而票房的收入只不过是周边产品收入的十分之一，所以票房已经不再是决定一部电影成败的主要指标。到2003年，电子游戏的收入也已超过票房收入，难怪像最新的《星球大战前传3》这样的大片也要同步或迅速发行电子游戏产品。娱乐产业在全球化时代的新变化要求在考虑投资一部电影之前，不仅要关心预计的票房，而且更重要的是要关注这部电影能否产生、如何延伸有利可图的周边产品。
毫无疑问，新的好莱坞，不论是作为产业还是作为概念，早已出现;新的全球化生产格局也已经形成。新格局的特点之一是娱乐产业的多国投资与跨国产权。如今好莱坞资产的业主包括由法国、加拿大、日本(如索尼公司)、澳大利亚(如默多克集团)等国的机构。新格局的特点之二是资本的“灵活积累”，不仅限于国内，更分散在海外。着名导演约翰·福特说，如今“你无法在地理上确定好莱坞：我们根本不知道好莱坞在哪里”。当然，不知道并不意味着好莱坞不存在，而意味着它“无所不在”的全球化生产格局。中国的盗版影碟也说明了好莱坞在中国的影响;无疑，盗版已经在中国造就一批业余的好莱坞影片“专家”。回到资本的灵活积累，多国投资合拍如今成为正常运作。其实，由于美国政府一度反对国内大财团的经济垄断，好莱坞从20世纪40年代起就开始主动向海外发展。从1950年到1973年，只有60%的美片完全在美国国内生产。海外劳工低廉是早期海外策略的决定因素之一。1949年，在海外生产的美国电影仅19部，1969年则增至183部，多数在欧洲拍摄。今日的全球化格局更要求以全球预售权的经费来预支基于洛杉矶的拍摄工作。为此，好莱坞早就开始购买或合营海外的发行公司和电影院线，以达到共担投资、票房风险的目的。到了90年代，作为全球发行公司的华纳已在世界各大都市经营多厅的“华纳影城”，在中国也不例外。
类似“华纳中国”这样的子公司表明，全球化的新格局要求各个生产层面的重新分工、组合。与以往好莱坞片厂一统天下的经营不同，如今创意、投资、制作、道具、服装、音乐、宣传等程序可以在世界不同地方灵活多样地分期进行，在艺术(编剧、对话、导演、明星、音乐、歌曲)、金融(集资、预售)、法律(版权)等各方面分别处理。制片商与发行商订合同，分账预支筹款。制片商再与众多的专业中小公司(演员代理、摄影器材、特技制作)联系，产生配套流水作业。签约的投资、发行公司往往拥有连锁录像店、有线电视等娱乐平台，所以万一票房不佳，周边产品还可以保证扭亏为盈。
与过去文化帝国主义的策略不同，全球化的文化产业允许权力的不连贯性、多边性和多方向性，由此产生市场的灵活性和消费的多样性。参照美国福特汽车公司的国际市场 口号 ：“要成为多国集团，就必须在各地都成为本土的。”类似的营销概念还有如20世纪80年代在日本产生的一个新词：“土着化”;在英语世界产生的另一个词：glocal，即将“全球”(global)和“本土”(local)两词合二为一。全球与本土因此相辅相成。跨国资本需要世界各地的本土市场，本土的发展也需要跨国资本的投入。哥伦比亚(亚洲)电影公司以北美发行权为交换投资冯小刚的贺岁片《大腕》(2001)，索尼公司以同样方式加盟张艺谋的武侠片《英雄》(2002)，其中的道理就是全球资本与本土文化的互动。资本获取最佳利润的逻辑要求全球化不能、也不可能是全球的同一化，因为不同的本土市场需要不同的产品，李安的《卧虎藏龙》(1999)在欧美和中国迥然不同的票房证明了这个逻辑。
作为好莱坞传统的多元文化策略，在全球化时代又产生新的影响。颇具反讽意味的是，好莱坞文化产业的巨大成功反过来也让美国政府的部分官员担忧。90年代，某些国会议员提问：“如果德国购买了福克斯电影公司，两次世界大战的战争片又将做什么样的修改?”不单政府如此，美国电影协会也为全球性的多元化策略担心：“如果海外市场的比例不断加大，那么美国故事又将变成什么样的呢?”美国政界和文化界的这类担忧，再次说明“全球化”不等于“美国化”，而“好莱坞”也不再代表狭义上的美国“电影”，因为它同时生产电视、音乐、体育等娱乐产品;不再象征纯粹的“美国”文化，因为美国不再是它的价值核心。产业改型后的新好莱坞不再基于洛杉矶市北边如今相当破落的“好莱坞”城：全球化的好莱坞已经无所不在。从这个意义上可以说，好莱坞成功背后的秘密之一就是：在电影本身从胶片走向数码的所谓“电影死亡”的时代，“好莱坞”已徒有虚名，它指涉的是业主不定的多国娱乐文化产业及其资本灵活积累的全球化策略。
D. 好莱坞电影的发展历史
1853年，好莱坞只有一栋房子。
1870年，这里已成为一片兴旺的农田。
1886年，从房地产生意发财的富商哈维·亨德申·韦尔考克斯在这里买下了0.6平方公里的土地。好莱坞这个名字来自英语的“holly”（冬青）。韦尔考克斯的夫人一次旅行时，听到她旁边的一个人说她来自俄亥俄州的一个叫做好莱坞的地方。她很喜欢这个名字，回到加州后就将她丈夫的农庄改称为好莱坞了。韦尔考克斯计划在这里建造一座小城。
1887年2月1日他在地区政府正式注册此名。在他夫人的帮助下他铺设了今天的好莱坞大街做为城市的主街，在这条大街和其它大街的两旁种了胡椒树并开始出售产权。他的夫人募资建了两座教堂、一座学校和一座图书馆。为了使好莱坞名符其实，他们还进口了一些英国冬青，但这些植物在加州的气候下没有存活很久。
1900年，好莱坞已经有一间邮局、一家报社、一座旅馆和两个市场，其居民数为500人。10万人口的洛杉矶位于市东11公里处。在好莱坞和洛杉矶间有一条单轨的有轨电车，但这辆电车的运行不准时，每程时间为两小时。
1902年，今日着名的好莱坞酒店的第一部分开业。
1903年，好莱坞成为一个镇。当年下的两个命令是：除药店外其他商店禁酒，以及不准在街上驱赶数量多于200的牛群。
1904年，一条新的被称为好莱坞大街的有轨电车开业，使好莱坞与洛杉矶间的往返时间大大缩短。
1910年，好莱坞的居民投票决定加入洛杉矶。原因是这样他们可以通过洛杉矶取得足够的饮水和获得排水设施。
1960年，女演员乔安娜·伍德沃德得到了第一颗星的殊荣。
1985年，好莱坞的商业和娱乐区被正式列入美国受保护的历史性建筑名单。
1999年，洛杉矶的地铁开通到了好莱坞。
2001年，柯达剧院(Kodak Theatre)在Highland大道开业，成为奥斯卡奖颁奖礼新的举办场所。
2002年，一些好莱坞居民发动了一个让好莱坞自主独立，不再是洛杉矶一部分的运动。好莱坞市政府决定让所有洛杉矶居民投票表决。独立运动被以绝大多数否决。
(4)新好莱坞电影工业的状况扩展阅读：
电影工业——
20世纪初，纽约和新泽西的电影公司开始迁向加州，原因是这里的天气好，日照时间长。虽然当时已经有电灯了，但当时的电灯还不够亮，当时最好的光源是阳光。除此之外，加州视野宽广，有各种不同的自然风景。此外当时托马斯·爱迪生持有电影的专利，而加州离新泽西非常远，因此爱迪生很难在这里控制他的专利权。
在美国东岸，独立的电影公司经常被爱迪生和他的代理人诉讼。在遥远的加州没有那么多爱迪生的部下。即使他派人来加州，他的人往往比其消息来的晚，这样一来这里的电影制造商就可以及时躲到附近的墨西哥去了。
1911年第一个电影工作室在好莱坞开业，同年已有15个其它的工作室在这里定居，成千上万的梦幻制造者紧随而至。
1923年，今天成为好莱坞象征之一的白色大字“HOLLYWOOD”被树立在好莱坞后的山坡上，本来这个字后面还有“LAND”四个字母，是一家建筑厂商为了推销新建好的的住宅社区设置的广告看板。但它们被树立起来以后就没有人去管它们，以致渐渐荒废。
一直到1949年，好莱坞商会将后面的四个字母去掉，并将其它字母修复。这个招牌今天受到商标保护，没有经过好莱坞商会的同意，无人有权使用它。
1929年5月16日，奥斯卡金像奖第一次颁发，当时的门票是十美元，共有两百五十人参加。
E. 关于好莱坞电影业的一些历史
好莱坞电影自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界电影工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
第一次世界大战结束以后十年中间，对于美国电影而言，乃是一个征服全世界的兴盛时期。外国影片在美国两万家电影院的上映节目中已经完全消灭。在世界各国，美国影片占着上映节目60～90％的优势，每年约有两亿美元被用来生产800多部影片。电影方面的投资超过15亿美元，这样大的资金使电影事业在美国成了一种大规模的工业，在资本上可以与制造汽车、罐头、钢铁、石油、纸烟这些美国最大的工业相比拟。派拉蒙、劳乌、福斯、米高梅、环球这些大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行。它们和华尔街的金融巨头如柯恩·洛埃伯银行、通用汽车公司、杜邦·德·奈莫尔、摩根、洛克菲勒等密切地结合在一起。
自从格里菲斯失势之后，金融资本家所重视的已不是导演，而是电影明星。后者成了制片公司的一种工具或者商标。从这时起，影片的真正主人是制片人，也就是那些被华尔街的银行家所赏识与选定的企业家。电影导演和照明技师、摄影师、布景设计师一样，只不过是每周领取一定报酬的受雇者而已。制片人利用解除合同这种暗中威胁的办法，把导演过去所掌握的大部分实权，如对主题、明星和技师的选择、剧本和蒙太奇的仔细推敲、布景和服装的监督等等，全部夺取过去。
这样一来，制片人便成了决定艺术成败的一切因素的主人。他最关切的乃是怎样多赚钱，他的董事会也只根据影片的利润率来估量他的价值。因此摄制影片完全以票房收入为指导原则。他们对独立的影评家的评论，满不放在眼中，而事实上，这种影评在美国当时可说几乎全未存在。
但制片人自己只在幕后指挥一切。在好莱坞露面的乃是电影明星，而“明星制度”也成为好莱坞征服世界的基础。观众对电影明星的崇拜是用几百万张签名的照片来维持的，广告和宣传在这些偶像周围创造一种传奇的气氛。明星的恋爱、离婚以及他们所使用的化妆品、住宅、他们喜爱的动物，在某些国家成了一般人关心和津津乐道的题材。“明星制度”甚至使鲁道夫·范伦铁诺、玛丽·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛丽亚·史璜逊、华莱士·雷德、约翰·基尔伯特、梅·茂莱、瑙尔玛·塔尔麦琦等人变成了真正被崇拜的偶像。
一些有名的宗教团体对这种竞争深感不安。清教徒对好莱坞展开了一起起攻击，这些攻击又因一些明星丑事的传播（如：华莱士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亚布克尔参加的一次宴会上遭到了谋杀，以及某些明星曾犯谋杀或因恋爱犯罪等等），而变得更加猛烈。
此时资本家成立了一个名叫“美国制片人与发行人协会”的机构，这个机构是由一个虔诚的清教徒、共和党领袖威廉·海斯负责组织起来的。按照海斯的说法，电影变成了旅行商人，“商品跟在影片后面，凡是美国影片深入的地方，我们一定能够销售更多的美国货物”。
当好莱坞了解到这种国际使命时，美国某些明星扮演的人物也发生了变化。道格拉斯·范朋克在“三角影片公司”时曾幽默地扮演一个强壮、天真、乐观、为女人所喜爱的美国英雄，但到后来却在墨西哥的《佐罗的标记》、法国的《三个火枪手》、英国的《罗宾汉》、东方的《巴格达窃贼》及《黑海盗》中变成一个不可战胜的大力士，一个无所畏惧和无可指责的骑士和保卫正义而且总是获得胜利的人。随着年岁的增长，范朋克日益喜好巨大的布景、极端的豪华和神秘的力量。
拒绝把自己附属于明星的导演为数可说极少。随着好莱坞的建立，电影先驱人物不是日趋没落就是销声匿迹。托马斯·英斯已经故世；麦克·塞纳特虽然还在继续摄制一些优良的作品，但他的声誉却并未因此增长；至于格里菲斯此时则正在逐渐走下坡路。标志格里菲斯登峰造极的作品，在美国乃是他的《一个国家的诞生》，在欧洲乃是他的《被摧残的花朵》，在电影艺术方面则是《党同伐异》。但是，商业上的失败终于注定了格里菲斯的悲惨命运。这位被列入制片厂黑名单的伟大艺术家，在他以后残余的二十几年生命中，再也没有机会导演一部影片了。好莱坞的拜金主义把它的创始人都毁灭了。
格里菲斯的没落，正好和西席·地密尔的兴隆形成鲜明的对照。后者的庸俗的商人气息和浮夸的作风，成了好莱坞影片四十年以来的特征。他拍了各种样式的影片，从浮华喜剧《男性和女性》和其他由格洛丽亚·史璜逊主演的影片，一直到场面豪华的反苏宣传片《伏尔加的船夫》和反对无神论的闹剧片《不信上帝的少女》（片中有对儿童监狱的杰出描写），凡是能够赚钱的影片，他都加以摄制。地密尔最成功的作品是一些带有浓厚游艺场气氛的大型片，在这些大型片中，地密尔除了取材于圣经上的故事以外，还加进了一些色情的描写。好莱坞给他一笔格里菲斯所得不到的资金来摄制场面浩大的影片《十诫》和《万王之王》。地密尔由于承袭了意大利电影的老传统，结果成了最能卖座的商业性影片的导演之一。弗莱德·尼勃罗模仿他的例子，替高德温和梅育拍了一部叫做《宾虚传》的巨片，这部影片花去了600万美元的摄制费，虽然风行一时，可是收入却不过400万美元。
好莱坞这个骤然之间交了红运的城市，具有暴发户们的那种低级趣味，他们建造的豪华的别墅，硬把罗马的露天剧场和洛可可式的堡垒，天主教的大教堂和摩天大楼结合在一起。这种建筑上东拼西凑的夸张趣味连同那种说教式的象征趣味，在根据勃拉斯哥·伊巴涅兹的原作改编的影片《启示录四骑士》里表现得最为突出。这部由雷克斯·英格兰姆导演、使范伦铁诺因此成为明星的超级影片在上映收入上打破了纪录。英格兰姆在其他影片中——例如在无声电影末期他将结束电影生涯时在尼斯摄制的那些影片中——也显示出这种讲究形式的作法。
好莱坞在成为国际上的强大势力以后，它摄制的题材也变成国际化了。在它最卖座的无声片中，以美国为背景的为数很少。在这些影片中，只有詹姆斯·克鲁兹导演的那部极着名的《篷车》直接取材于美国历史，是一部歌颂开拓西部地区者的史诗。 西部片由于托马斯·英斯和W．S．哈特的功劳，曾提高到艺术的水平，但此时的西部片，除了象约翰·福特的《铁骑》这样极例外的影片以外，又变成了一种廉价影片的同义语，由一些专门迎合平民观众的导演和无名的演员粗制滥造地摄制出来。美国电影这种“失去本国特性”的倾向成了极其普遍的趋势。亨利·金虽然还能按照托马斯·英斯和格里菲斯的传统，导演了一部完美的、描写美国地方生活的影片《孝子大卫》，可是人们不但不鼓励他沿着这一方向前进，反而导使他去摄制一些流行的言情小说（如《史泰拉恨史》），或者象他以后在罗马摄制的那些影片那样，向着意大利那种场面巨大的影片方向去发展（如《罗莫拉》、《白修女》等）。
由于金融资本的国际联合、审查制度的严格、流行小说被有系统地搬上银幕、明星制度、专为卖座的打算和制片人的拜金主义这些原因，使得美国电影艺术日趋贫乏，这种贫乏和物质的丰富相形之下，显得更为突出。但美国电影中至少还存在着一个作品丰富的喜剧学派和几部例外的作品，这些影片几乎都是由外国籍的导演摄制出来的。莱昂斯·彼雷给美国人培植了对浮华喜剧的爱好，加斯尼埃则是系列影片的创造者之一。除这两人以外，还可以举出肖塔尔、阿尔倍·卡普拉尼，以及协助卓别林导演《巴黎一妇人》的阿巴迪·达拉斯特。
1920年以后，好莱坞为了打倒它的竞争者，大量吸收外国籍的优秀导演和演员前往美国。 莫里茨·斯蒂勒带着葛丽泰·嘉宝来到美国。但他专门为从德国来的演员波拉·尼格丽和强宁斯导演影片。他导演的《帝国旅馆》和《罪恶之街》这两部影片，无论在艺术上或商业上来说，都不是很成功的作品。与斯蒂勒相反，嘉宝在美国却大走红运。这位着名的女悲剧演员，确实是好莱坞一棵摇钱树，同时也给好莱坞的摄影棚带来了艺术。广告宣传使嘉宝成了传奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一种宣传性质，如：《诱惑的女人》、《肉与魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野兰花》、《接吻》等等。她在传奇式的故事中表现了历史上最着名的多情女子。
除了嘉宝以外，斯堪的纳维亚半岛的移民，对好莱坞几乎没有带来什么贡献。但从德国来的移民，特别是斯特劳亨、刘别谦、冯·斯登堡，却对美国电影有很大的贡献。欧洲电影的示范作用，使几个美国导演倾向于摄制一些艺术性超过商业性的影片。他们之中有几个确实达到了艺术的水平。有声电影兴起的前夕，美国出现了一批有才能的新电影导演，这些导演在某种程度上开始接替了先驱者的地位。
好莱坞在它历史上最繁荣时期，它的电影先驱者和欧洲最伟大的电影艺术家，与其说是加以利用，毋宁说是加以排斥。随着好莱坞的世界霸权的建立，它大部分生产就陷于毫无意义和追求豪华场面的停滞局面。
1927年10月23日，阿兰·克劳斯兰德摄制的有声响、对白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，标志着电影已进入了它的历史的一个新时代。有声技术的运用使电影中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞电影浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求电影必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。类型电影在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、类型化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的类型片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的类型片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现着善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。 然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞电影。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于类型化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮泛滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。电影的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期电影的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的意大利新现实主义运动和五十年代的法国电影新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞电影的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
新好莱坞时期描写人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善恶分明的类型化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。新好莱坞电影的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞电影较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞电影还受到欧洲电影的深刻影响。商业电影艺术化、艺术电影商业化成为这一时期电影发展的一个趋势，许多欧洲艺术电影的处理方法被用于好莱坞电影中。
从经典时期到新时期，电影在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞电影却悄然占据了观众的视线。
从70年代到80年代的过渡时期，新好莱坞完成了自己的使命。近10年的时间，美国每年生产200部左右的影片，电影与电视争夺观众的竞争已达到平衡。电影保持着10到12亿的观众，并且有了自己的越来越广阔的海外市场。据1993年的统计证实，美国电影国内票房收入达52亿，发行收入26亿。视听产品的贸易顺差仅次于飞机制造出口业，为美国第二大行业。在全年世界银幕上上座率最高的10O部影片中美国影片占88部。
好莱坞电影通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界电影工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。通过对好莱坞的全面考察，有助于我们对日常生活中电影的思考，有助于我们对自己的民族电影的判断。对一般观众来说，可以作为娱乐方式看待好莱坞电影；对电影创作者来说，可以学习好莱坞式商业电影独特的艺术形式的规则；对于制片人来说，可以从好莱坞式的商业规则中，学习好莱坞的电影理念和运作方式；而对理论家来说，可以通过对好莱坞特性的认识反思的历史和问题。考察好莱坞的电影史对于中国电影产业的发展，不可不说是有所裨益。
F. 好莱坞电影中的典型特点
1、非限制型的叙述手法：经典好莱坞电影的叙事众多技法中最明显的倾向是采用“客观化”，意即呈现一个基本的客观故事，在此基础上穿插人物的“知觉主观”和“心理主观”视点。因此，经典好莱坞叙事电影通常都用非限制型的叙述手法。
2、戏剧化的故事结构：经典好莱坞电影在结构故事和展开情节方面明显地以戏剧化作为基础，故事情节充满戏剧性冲突。
3、角色结构谱：经典好莱坞影片的角色往往有：正面人物（protagonist）、反面人物（antagonist）、配角（supporting）、主动角色（active）。
被动角色（passive）、刻板角色（cliche）、单线人物（one-string）、圆形人物（round）、扁平人物(flat)。
4、蒙太奇技巧：美国电影导演格里菲斯在《一个国家的诞生》等影片中创造性的在场面之内进行大量的切换，直接把戏剧性空间解构，然后重新组合以适应观众的思维和情感参与。
并由此发展出后来成为经典好莱坞叙事的一种拍摄和剪辑语法：用主镜头或交待镜头建立一个故事的发生地点，然后，当动作发展时，切至人或物的中景，在戏剧性高潮时用特写来吸引观众的注意力。
5、全知的叙述模式：当摄影机采取全知的叙述模式时，观众对剧情的了解就远远大于剧中人对剧情的了解，观众就实际上进入到一个和导演无意的共谋。
即观众和导演都在剧中人“上面”，犹如上帝一样俯视剧中人物困境。这时观众对剧中人物的认同转移到对导演的认同，观众从剧情的参与者转移为旁观者。
G. 怎样看待好莱坞近年来电影的发展
画质好了。内容有点雷同，有待提高，很是有前途。
H. 好莱坞电影工业概况是怎样
好莱坞位于美利坚合众国第二大城市洛杉矶市。位于加利福尼亚州西南部，太平洋东侧的圣佩德罗湾和圣莫尼卡湾沿岸。市区面积1204．4平方公里，人口348．6万(1990)，黑人和墨西哥合众国人约占总人口的17％和15％，约1／3居民讲西班牙语。大市区包括洛杉矶县和奥兰治、文图拉两县的一部分，以及贝弗利希尔斯、帕萨迪纳、长滩等80余个大小城镇，总面积10567平方公里，人口1000万，仅次于纽约大市区。 城市座落在三面环山、一面临海的开阔盆地中，除局部为丘陵外，地面平衍，平均海拔84米；东北和东南面是圣加布列尔山和圣安娜山，森林茂密。气候温和宜人，1月平均气温13．7℃，7月23．4℃；多晴朗天气，年降水量仅357毫米，以冬雨为主。
原为印第安人牧区村落。1781年西班牙殖民者在此建镇。1822年起由墨西哥管辖。1846年美、墨战争后归属美利坚合众国。1850年设市。城市在美利坚合众国向西部移民开发过程中逐步发展。19世纪70-80年代，横贯大陆的南太平洋铁路和连接中西部的圣菲铁路先后通达，加以附近地区石油资源的发现和开发，使城市获得较快发展。20世纪初，通过长距离管道引水，解决了城市的供水问题，城郊农业兴旺；人工港的建成，巴拿马运河的通航和好莱坞电影业的兴起，加速了城市发展。第二次世界大战以来，现代工业倔起，商业、金融业和旅游业繁荣，移民激增，城区不断向四周扩展，成为美利坚合众国新兴的特大城市。
好莱坞街道的路面上刻有很多明星的名字，以及这些明星们曾有过的梦想。
好莱坞的商业团体从1950年起开始为这些明星建立此名人堂。现在，这个地方已做宣传之用，出新片或新专辑的明星们都会在这举行宣传活动。这里是好莱坞的象征，每年都会吸引大量游客前往。
日落台
日落台一条商业街，它距离市中心1小时车程，位于Sunset出口和Fairfax大街附近。
这条街地处西好莱坞，时髦的服装店，饭馆及咖啡厅鳞次栉比。而一到晚上，这里又是另外一番景像，各种夜总会，迪厅吸引了成群结队的年轻人来到这繁华的霓虹灯下。在这条街，你能见到很多的好莱坞明星，但各个营业场所离得比较远，你有必要打的或借一辆车前往。
Sunset Plaza位于离日落，一区半的地方，这里有很多饭馆和时装店，是一个繁华的贸易街。这里不仅有高级商店，还有一些价格适当的咖啡厅和冰淇淋店。而且就是在街旁的小桌上，你也可以享受一顿美味的午餐。
Frederick's
这条繁华的街上有一个醒目的黄颜色建筑，那就是全美最有名的Frederick's。店员不仅有年轻貌美的小姐，还有中年妇女，这里的顾客也并不局限于少数阶层。虽然会有些文化人因看不惯那些刺眼的内衣装而不光顾此店，但这的确拥有全美独有的设计和尺寸，还是颇受欢迎。
好莱坞野外剧场
建于1922年的这个圆形剧场位于好莱坞北端，是一个百色的演唱会专用场所，你经常都会在电视或电影看到这个圆形剧场，甲克虫乐队也曾在此演奏。
每年7月初到9月初这里有一个野外音乐会，由洛杉矶乐团和好莱坞野外剧场交响乐团共同演奏。到了周五和周六，你还可以在这尽情欣赏电影音乐，流行音乐以及爵士音乐等多种音乐的演出。
在棒球赛季中举行的4场焰火晚会也很是受人欢迎。所以在焰火晚会期间去这个地方不失为一个明智选择，但需要提前一个月预订订票。演唱会一般在晚上8：30开始，这时天上已是繁星闪烁。如果没有演唱会，你可以免费进入，并在此享受一顿野餐。
"好莱坞"大标志
这儿一个字的高度就达13.7米，是洛杉矶有名的建筑物，经常可以在电影电视上看到它的身影。原来这是为发展好莱坞地区而修建的。1960年，当 Hollywood Land变为Hollywood时，这个标志就成了好莱坞的象征物不得不提的是，1932年一个新女演员因经受不起失败的打击，曾在这个标志的"D"字上坠崖自杀。现在禁止接近这个标志，你只能在天文台上通过望远镜进行摄影
派拉蒙电影城
卓越（派拉蒙）电影公司所拥有的这个好莱坞仅存的片场位于Melrose大街上。
这里有为一般人提供的游览路线。这条路线需时两个小时，你无需预订门票，只要在Gower街上的入口处购得门票按指定时间进行参观即可。15人左右为一个参观组，10岁以下儿童不能进入。
由于片场并不大，所以采取步行参观的方式。通过导游的介绍，你可以看到很多电影里曾看到过的背景装置，例如电影（Forest Jump）中的长椅子。这里到处贴有公司摩下明星的照片，以及他们的电影学术办会奖以及艾美奖。如果你运气好的话，还可以目睹明星们拍片的场面。
这拥有先进的TV洞鞋，录音室多32个操纵室采用先进电影技术，可以为电影配上生动一逼真的电影原声。派拉蒙的预映室耗资巨大，在好莱坞数一数二，这里向人们展示着派拉蒙的电影史和电影精典回放。最后你可以去一下派拉蒙的礼品店，这里有印有派拉蒙标志的各种帽子，T-Shirt，名片纪念品，任你选购。
美利坚合众国西部最大的工业中心，制造业产值约占加利福尼亚州的二分之一，居全国第三位。重化工业发达。飞机制造业居突出地位，大市区1．6万余家工厂企业中，约有2000家从事飞机及其零部件制造；美利坚合众国三大飞机制造公司中的洛克希德公司和道格拉斯公司，分设在市区北面的伯班克和西岸的圣莫尼卡。其次是石油开采、石油加工及电子仪表、钢铁、汽车、造船、化学、橡胶等工业部门。轻工业以服装、食品、印刷等为主，罐头食品、女式服装和运动服生产驰名于世。工业分布比较分散。大型飞机制造厂建在市区西北和南部；圣佩德罗湾沿岸的长滩是以炼油、造船等为主的综合性重化工业区；市区以东为轻纺工业区，南郊为电子仪表工业区；东部为钢铁工业区，并有不少大型发电厂。市区西北的好莱坞集中600多家电影和电视制片厂。城郊农业发达，盛产蔬菜、柑类水果及乳、蛋、肉类等畜产品。商业和金融、保险业集中大市区从业人员的29％，银行、储蓄和信贷机构、保险公司等遍及全市。批发、零售额仅次于纽约和芝加哥。
好莱坞是当今闻名于世的电影名城。但鲜为人知的是，它的奠基人却是与电影毫无关系的两个人。
100多年前，好莱坞还是美利坚合众国加州地图上一片空旷的田野。已年届50，因在堪萨斯州做房产生意而成为巨富的威尔科克斯先生，在一次去西部旅行的火车上巧遇上了芳龄21岁的黛依达。两人一见钟情，很快结成连理，随后移居洛杉矶。
1887年2月的一个假日，夫妇俩前往郊外踏青，威尔科克斯夫人一眼爱上了一片长满无花果树的肥沃土地，想在此“安营扎寨”。对娇妻宠爱有加的威尔科克斯先生立马掏钱买了这块面积120亩的土地。这块满眼的无花果树，黛依达似视而不见，偏偏取名为Hollywood，英语意为“冬青树林”。原来，威尔科克斯夫人的老家在伊利诺伊州，在那里她曾拥有一座四周环绕冬青树林的庄园。在她移居美利坚合众国西部同丈夫共筑爱巢时，思乡之情油然而生。
16年后，当这里变为市的时候，参加投票的177位有选举权的居民一致赞同以“冬青树林”作为市名。以后的10年里，电影业迅速而蓬勃地发展起来。好莱坞阳光明媚、依山傍水，既有草原，又有沙丘，温和适宜的气候条件和优越的地理条件，是进行电影创作的理想环境。因此，吸引了大批的从影人员。
除自然条件外，在主观原因方面，好莱坞成名的最主要因素是来自发明大师爱迪生所创办的电影托拉斯公司的强大压力。爱迪生是着名的发明家。他在电影器材方面也有许多的发明设计革新，并拥有相应的专利权。1897年至1918年，爱迪生在美国挑起电影专利权之争，和众多电影制造商对簿公堂。同时，他看准了电影事业的发展远景，利用手中的电影器材王牌，将当时在美国东部的九大电影公司合并成为他的电影专利公司，由此控制了电影市场。那些不甘从命的制片人，纷纷寻找新的出路，以摆脱爱迪生的垄断，另起炉灶。这时候，在爱迪生成立电影专利公司之前已到好莱坞拍片的一家小制片厂（长老电影公司）提供了好莱坞的信息。这家原在美国东部新泽西州的电影厂，在好莱坞廉价租得厂房，快速地拍出了第一部好莱坞电影《她的印第安英雄》，这部片子给好莱坞扩大了知名度，那些欲寻自己出路的电影制片人，为好莱坞优越的自然外景和发达的交通条件所吸引，纷纷来到好莱坞开创基业。爱迪生的死对头卡尔·雷穆也在好莱坞大兴土木，并创建了环球公司，成为新的影业大王。与此相反，作为好莱坞催生剂的爱迪生的电影专利公司，仅仅风光了10年，就被美国法庭宣判为非法的托拉斯而破产倒闭。
1907年，导演弗朗西斯·伯格斯带领他的摄制组来到洛杉矶，拍摄《基督山伯爵》。他们发现，这里明媚的自然风光、充足的光线和适宜的气候是拍摄电影的天然场所。
从1909年开始，着名的制片人格里菲斯在好莱坞以天然背景拍摄了好几部影片。
1911年10月，一批从新泽西来的电影工作者在当地以为摄影师的带领下，来到一家叫布朗杜的小客栈，他们将租到的客栈改装成一家电影公司的样子。这样，他们创建了好莱坞的第一家电影制片厂——内斯特影片公司。
1912年起，许多电影公司在好莱坞落户，着名的电影公司有：米高梅公司（Metro�Goldwyn�Mayer，简称MGM）、派拉蒙公司（Paramount）、二十世纪福克斯公司（20th Century Fox）、华纳兄弟（Warner Brothers）、雷电华公司（Radio�Keith�Orpheum，简称RKO）、环球公司（Universal）、联美公司（United Artists）、哥伦比亚公司（Columbia Pictures）。
如今，好莱坞在美利坚合众国文化中已经具有了重大的象征意义。可以说，好莱坞的发展史就是美利坚合众国电影的发展史。好莱坞生产的影片不仅满足美利坚合众国电影市场的需要，还出口到世界各地，不仅输出了美利坚合众国的文化，更为好莱坞投资人带来了丰厚的利润。
I. 好莱坞大量影视暂停拍摄，疫情对好莱坞电影行业的影响有多大
好莱坞是全球最大的影视基地，成千上万的优秀影片都在那里诞生，其对于影视行业的发展功不可没，但是现在新冠肺炎的疫情影响，好莱坞的电影事业也受到了一系列的阻碍。我认为这次始料未及的疫情，对好莱坞影业造成了很大的经济损失，且对于他后续的发展有很大的影响，同时也对好莱坞相关的演员很不利。
尽管疫情的爆发每一个人都不想看到，但是处在这样危急的局面，好莱坞也只能去暂停影视的拍摄，一个行业的正常运作受到影响，那么它的经济损失会很大，但处在这样的环境下也没有办法，所以只能去尽力弥补亏损，使接下来的影片得到正常的拍摄，从而得到关于电影应该拥有的收益，这是十分重要的。