什麼電影是主題服務原則
⑴ 電影是如何評級的
美國電影的分級制度
G級：大眾級，所有年齡均可觀看大眾級，適合所有年齡段的人觀看——該級別的電影內容可以被父母接受，影片沒有裸體、性愛場面，吸毒和暴力場面非常少。對話也是日常生活中可以經常接觸到的；
PG級：普通級，建議在父母的陪伴下觀看，有些鏡頭可能讓而用產生不適感.輔導級，一些內容可能不適合兒童觀看——該級別的電影基本沒有性愛、吸毒和裸體場面，即使有時間也很短，此外，恐怖和暴力場面不會超出適度的范圍；
PG-13級：普通級，但不適於13歲以下兒童特別輔導級，13歲以下兒童尤其要有父母陪同觀看，一些內容對兒童很不適宜——該級別的電影沒有粗野的持續暴力鏡頭，一般沒有裸體鏡頭，有時回遊吸毒鏡頭和臟話；裡面有較多的性愛、暴力、吸毒等場面和臟話；
NC-17級：限制級，17歲或者以下不可觀看17歲以下觀眾禁止觀看——該級別的影片被定為成人影片，未成年人堅決被禁止觀看。影片中有清楚的性愛場面，大量的吸毒或暴力鏡頭以及臟話等。
另補充幾種特殊的分級：
NR OR U：NR是屬於未經定級的電影，而U是針對1968年以前的電影定的級。
M，X OR P：這一級中的電影基本上不適合在各大院線里公映，都屬於限制類的。
日本電影分級制度
普通："一般電影"，所有年齡段都可以觀賞的影片，影片中雖有性描寫，暴力描寫等鏡頭，但是情節發展必不可少的、並盡量控制在有限的范圍內；"PG-12"，未滿12歲的少兒不可單獨觀賞，偶有不當內容，需在家長或保護者陪伴下方能觀看（性、暴力、殘酷、毒品描寫；恐怖電影；電影中有小學生以下少兒容易模仿的鏡頭）
限制級："P-15"，未滿15歲少年，一律禁止其入場與收看（有虐待描寫）
禁止級："P-18"，未滿18周歲，一律禁止入場與收看（強烈反社會行動、行為；表現美化吸毒的描寫）
香港的電影分級制度
第Ⅰ級：適合任何年齡的人觀看；
第Ⅱ級：兒童不宜觀看；
其中： 第ⅡA級：兒童不宜——在內容和處理手法上不適合兒童觀看；影片可能使用輕微不良用語和少量裸體、性暴力及恐怖內容，建議有家長指導；
第ⅡB級：青少年及兒童不宜——觀眾應預期影片內容不適合成分的程度較第ⅡA級強烈；強烈建議家長給予指導；影片可能有一些粗俗用語及性相關的主語詞；可含蓄地描述性行為及在情慾場面中出現裸體；影片可能有中度的暴力及恐怖內容；
第Ⅲ級：只准18歲(含)以上年齡的人觀看。
英國電影分級制度
"U"級：普通級——適合所有觀眾。在此級節目中只能偶爾使用"damn"(該死)、hell"(見鬼、混蛋)這類輕微的咒罵語言，極少使用其他溫和的咒罵語言；
台灣電影分級制度
普遍級(普級)：所有觀眾皆可觀賞。
保護級(護級)：未滿六歲的兒童不可觀賞；六歲以上未滿十二歲的兒童須由父母、師長或成年親友陪伴輔導觀賞。
輔導級(輔級)：未滿十二歲的兒童不得觀賞；十二歲以上未滿十八歲的少年須由父母或師長注意輔導觀賞。
限制級(限級)：未滿十八歲的兒童及青少年不能觀賞。
"Uc級：特別適合兒童觀看；
"PG"級：家長指導級；
"12"級：適合12歲以上是成人觀看；
"15"級：適合15歲以上是成人觀看；
"18"級：適合18歲以上是成人觀看。
法國電影分級制度
大眾級（TP）：
TP級：所有人可以觀看的影片
TP+avert級：大眾可看，但要警惕某些內容
禁止不滿12歲兒童觀看的影片；
禁止不滿16歲青少年觀看的影片和眾所周知的X級影片
新加坡的電影分級制度
G級：適宜一般觀眾觀看的電影
PG級(家長輔導級) ：強調必須有父母陪同觀看。可能含有如接吻和暴力等不合適兒童觀看的鏡頭，但該分類向父母提供了電影內容是否健康方面的建議。根據電影法(Films Act)規定，由電影院經營者負責執行相關的法律條款
NC16 級：(No Children Under 16)（青年級）規定低於16歲的未成年人不能觀看的電影。
M18級：(Mature 18) 成熟級，只向年齡在18歲以上（含18歲）的觀眾放映的電影。
R（A）級（A代表藝術片）：只向年齡在21歲以上（含21歲）的觀眾放映的電影，一部電影主題明顯，品質優良，其中對性愛的描寫是為主題服務，而不是迎合低級趣味；該電影不宣揚性愛、暴力或以這些內容牟取利潤為目的3.該電影受到業界好評甚至有獲獎的希望。
加拿大電影分級
1、無條件容許何年齡人士觀看：
"普通"級(General)——適合所有年齡人士觀看。
"家長指導"級(Parental Guidance)——容許所有年齡人士觀看，但主題及內容不一定適合所有兒童，宜在家長指導下觀看。
2、有條件容許兒童青少年觀看：
"十四·陪看"級(14 Accompaniment)——任何十四歲以下的觀眾必須在成人陪伴下才能觀看；並向家長提出警示：影片可能包含暴力、粗俗語言或性愛相關內容。
"十八·陪看"級(18 Accompaniment)——任何十八歲以下的觀眾必須在成人陪伴下才能觀看；並向家長強烈提出警示：影片可能包含顯而易見的暴力、頻密的粗俗語言、性愛行為或恐怖內容。
3、絕對不容許兒童及青少年觀看：
"限制"級(Restricted)—— 只容許十八歲或以上人士觀看。影片可能包含顯而易見的性愛或暴力內容；但分級當局對這一類影片仍有正面看法，認為可能在藝術、歷史、政治、教育或科學等方面具有一定價值。
"成人"級(Alt) —— 只容許十八歲或以上人士觀看。影片可能包含顯而易見的性愛或暴力內容；分級當局對此並無表達正面看法，但認為尚可為社會大眾所容忍。
⑵ 關於電影的主題分析和評價
無論是一部精彩絕倫的電影還是糟糕透頂的電影，都有導演想要表達的某種東西在裡面。即使你不是專業的影評人或是學這個專業的學生，但如果你熟知了電影的主題以及一些分析電影的方法，你就會知道一部電影好在哪裡或是糟糕在哪裡，而不再人雲亦雲。
什麼是電影的主題？
對於一篇文章來說，主題是就是文章的中心思想，對於電影來說，這個定義還不夠全面。更加准確的來說，電影主題指的是將影片整合在一起的中心內容或特殊的關注點。一部電影的主題將決定整部片子的質感風格，以及怎麼選演員、怎麼剪輯、怎麼配樂等等。
接下來我們將從常見的六種影片類型為大家做一個簡單的劃分:
一、以情節為主題中心
這類電影多出現在冒險故事或是偵探故事，電影製作者更加關注的是故事情節，通常電影的節奏比較快，人物思想和情感都從屬於事件，電影的最後結局最為重要。如《蜘蛛俠》《泰坦尼克號》和《速度與激情》系列。
二、以情感效果或情緒為中心
有一類型電影，全片以某種特定的情緒或情感效果貫穿整部電影。雖然情節在這樣的電影里同樣不可或缺，但是事件從屬於影片要實現的情感效果。大多數恐怖電影（《沉默的羔羊》）或是喜劇片（《夏洛特煩惱》）可以被歸納到這一類電影裡面。當然，這一類電影有時候不是單一的以某種情緒為主，也有可能是兩種情緒混合在一起。比如《絕命聖誕夜》，可以看作喜劇亦或是恐怖電影。分析這一類電影的切入點，最好就是從電影所營造的情感效果入手。
三、以人物為中心
有些影片，通過動作和人物對話來實現對某個人物的形象刻畫。故事情節的主要作用是幫助我們理解人物的發展。電影中人物的主要吸引力在於他有著常人不具備的品質，因此這類影片的主題在於對中心人物的塑造，強調人物不同尋常的品質及特有的個性。如《巴頓將軍》《美麗心靈》。
四、以獨特風格或結構為中心
少數電影中，導演開創了和過去電影史完全不同敘事方式，使得電影的風格質感成為令人們難以忘懷的特徵。這種電影有一種能將自身與其他電影區分開的明顯特質——其獨特的燈光、氛圍、配樂、人物對話在我們腦海里回盪，以至於我們很久以後在想起這部電影，似乎人能感受到那種不同尋常的觀影感受。這類電影大多出現在那些名導一鳴驚人的處女座當中，或是極具天賦的導演作品中。如《冰血暴》《低俗小說》。
五、以思想為中心
在多數嚴肅電影當中，動作和人物都具有非同凡響的意義，有助於於觀眾理解生命、自身經歷、或是人類處境的某個方面。這個思想可以是某個特定事件，也有能是某個人物的經歷。對於這些較為明顯的中心思想，觀眾們理解起來還不難，但是大多數影片創作人不希望自己所表達的東西能一眼被觀眾看出來，他們更多的是通過一種較為隱晦的方式表達出來。這就需要觀眾們動一番腦經，才有可能窺探到導演的內心世界。
如果有可能對於電影所表達的主要思想進行具體的分類，那麼大致可以分為以下幾類。
1、道德含義
電影通過某個事件向觀眾傳達出確信或遵從某種道德原則的智慧和實用性，由此卻說我們在生活中遵守這個道德原則（如電影《撞車》）。
2、人性的真相和那些以獨特人物為中心的電影不同，有些電影關注有代表性的人物。這些角色代表了普遍的人性，作為藝術載體，他們被用來展示廣泛和普遍意義上的人性真相（如《蠅王》）。
3、社會問題
當代的電影製作者常常關注社會問題並在電影中用戲劇的形式表現出來，或是揭露社會的罪惡或是抨擊社會體制（如《牯嶺街少年殺人事件》）。
4、為人的尊嚴而抗爭
這類影片描述了人物與自身弱點或是外界環境的對抗。比如他克服敵人為他製造的重重阻礙，在一系列的麻煩中最終戰勝自己的敵人。亦或是克服自身的軟弱、貪婪等弱點，從而贏得人性的尊嚴（如《辛德勒的名單》）。
5、年齡的增長，純真的逝去
在這類影片中，人物通常被迫成熟起來從而獲得自我意識。人物一般是變化的，一般來說在電影的開頭和結尾有很大的改變（如《殺死一隻知更鳥》）。
6、道德或哲學迷題
有時候導演可能會圍繞某個迷題或者是令人困惑的特質來發展故事，有意的展現出多樣化的主題闡釋。導演試圖去暗示或神秘化主題。觀眾對於這類電影的典型反應是:這部電影導演想說些什麼？這種電影主要是通過符號或人物對話來傳達主題，所以要想分析這類電影，最後就是多留意揣摩人物的對話及片中重復出現的某些意象。
以上就是我們常見到的電影類型，但確立電影的主題大多數時候是不容易的，在前文當中也說過，導演是個喜歡玩捉迷藏的角色。我們只能通過電影中那些情節，人物對話，元素來確定我們所認為的主題或是推翻重新確立。
確立主題可以說是開始，也可以說結束。在確定主題之後，我們需要做的工作就是評價主題。主題是導演想要達到的某種目的，那我們就從導演為了達到這個目的所使用的手段和最後為這個目的展現出來的效果兩方面來評價。至於怎麼評價，如何評價，則需要更多專業的電影知識作為支撐，而不是憑借自己的主觀意識。
⑶ 電影中很多大尺度鏡頭從藝術的角度看是必須的嗎你怎麼看
情·欲戲，在某些導演手裡能拍出高於生活感的藝術性出來，而在有些導演手裡，那就純粹是低俗。
看過村上春樹小說的朋友，不難發現在他的故事裡，各種男女之間慾望纏綿場景非常多，但是你會覺得他的小說是色情小說嗎？
慾望，是每個人的本能，是生活中本來就有的東西，所以在恰當的時候展現慾望，其實更貼近真實，讓讀者或觀眾能感受到人物的體溫，能深入到人物的內心，也更能被帶入到故事中。
在現實生活里，人人都帶著面具。
而在床上，人赤裸相見，彼此更加坦誠，更容易把真實的自我展現出來。
電影里也一樣。
很多大尺度場面並不是可有可無，它對於推進劇情、增進人物之間的關系或激發人物之間的矛盾都非常重要，或許通過其他方式也能達到這種目的，但是沒有這種方式直接、徹底、節省鏡頭而且讓觀眾容易理解。
就像再《色戒》里，沒有那場聞名遐邇的床·戲，王佳芝和易先生的關系也不會出現跨越性的發展以及微妙性的轉變，這為後面的劇情轉折埋下了伏筆。
李安其實大可不必讓過程顯得那麼真實，在現實中產生那麼大爭議，但是你看過那個場面後難道不會覺得李安的安排絕妙嗎？
還有《泰坦尼克號》里，傑克為蘿絲畫的裸體畫。蘿絲真的有必要全裸入畫嗎？
還不是為了凸顯蘿絲和傑克的關系已經有了更深入的發展，還有什麼比畫裸體畫更能展現兩人之間純潔而熾烈的愛呢？
當然這也是為了之後兩人在車里那隻手印埋下伏筆。
正是這樣有層次、不斷加強地敘事方式，才能將觀眾引領進入故事，才能真正講好故事打動觀眾。
不能說必須的吧，應該是許多電影藝術作品用大尺度鏡頭表現會更完美。
比如婁燁的電影。
婁燁是一個很擅長用情慾鏡頭敘事的導演。
婁燁對於暴露鏡頭的執著應該跟他本人想向觀眾傳達的觀點思想有自己的理解有關。就像弗洛伊德對美學的認識，它認為人性的一切行為都跟性意識有關。
人出生的時候是裸露著的，這是最真實，最初的模樣。我想裸露應該表達著一種還原、真實。
人性的慾望、貪婪、卑劣、卑微在現實生活中苦苦掙扎，謀求生存。這些通過裸露鏡頭來表達，最合適不過。
裸露鏡頭，是一種很大膽深度挖掘人性，呈現還原人性最真實的一面的表現手法。
在電影中拍裸露鏡頭不是難事，也不再少數，但是能通過裸露鏡頭傳達某種觀點，引發思考，就不是件容易的事情了。
電影中激情戲到底是導演的需要，還是藝術的需要呢？
說起電影中的大尺度鏡頭，就讓人不得不想起韓雪，因為韓雪就曾經直言自己拍戲有幾個規定，其中不拍吻戲就是原則之一，金星也忍不住吐槽，不拍吻戲你來幹嘛？吻戲絕對算不上大尺度，但照樣有人不能接受！
可是有時候電影真的需要一些大尺度鏡頭，畢竟男女主角情到濃時，一個吻恰好就是 情感 的升華。特別是在某些生離死別的戰爭場景，男女主角發乎情止於禮，這是在很難讓觀眾達到 情感 的共鳴。就像《西西里的美麗傳說》，如果不展示醜陋，誰人又能夠體會到美好？
當然，除了男女之間，有時候也有男男之間，或者女女之間。比如王家衛的《春光乍泄》，這部電影中有不少鏡頭需要演員放得開，如果不是演員的努力，這部電影也很難出彩。
當然，有時候也有例外的情況，大尺度鏡頭僅僅只是為了吸引觀眾，最典型就是國產鬼片，劇情不行，大尺度來湊，有時候看見這些場景真是懷疑這屬於哪一種電影？
從藝術的角度來說那是有必要，倘若電影內容足夠優秀，這些鏡頭就是錦上添花，這樣的鏡頭可以更好地表達人性的慾望和 情感 ，就像很多文學名著中同樣也有這樣的內容，但是換言之，又有多少人擁有藝術的眼光呢？我想不太多，十個觀眾里可能十個都體會不到這樣的鏡頭的藝術性。
所以我個人覺得更多時候這樣的鏡頭沒有必要，更何況十部電影可能有十部安排這樣的鏡頭也不是為了真正地豐富人物性格以及表達人性，反而多數時候這樣的鏡頭傳遞了一種不好的信息，尤其是對於青少年。
當一樣事物的弊端大於利時，我想還是不要的好，再者電影的本體是劇情，一部電影好的電影縱然是沒有這些鏡頭它依然是好電影，就像電影《十二怒漢》，整部電影不僅沒有這樣的鏡頭，就連女性都沒有，但是這部電影依然讓人明白了父母的一言一行對子女的影響，就像電影《鋼的琴》，同樣沒有這樣的鏡頭，但是這部電影依然獲得諸多獎項，我們也在電影中感受到了那份濃濃的父愛。
人體藝術本來就是小眾的藝術，而電影不是為人體藝術服務的，電影也是獨立的藝術形式，電影的藝術體現在各種鏡頭的使用、劇情的精彩程度以及演員的演技優劣，如電影《路邊野餐》中那個40分鍾的長鏡頭，如電影《當幸福來敲門》劇情的精彩，如李雪健老師在電影《焦裕祿》中精湛的演技，這些都是電影藝術，這些才是電影的本源。
所以，在我看來，如今電影中有沒有這些鏡頭無足輕重，因為有沒有這些鏡頭並不會影響電影的整體質量，如果有一天所有的觀眾都擁有超高的心藝術眼光了那確實可以加上這些鏡頭，那就真的是錦上添花了，但是那一天什麼時候會到來呢？更何況小朋友是不可能有這樣的眼光的，不是嗎？
以上純屬個人見解，僅供參考。
不是必須的，卻是必要的，然而也只是針對部分創造者而言。是否使用大尺度，和導演的創作風格有關。
比如，想要表現一個女子的肉體美，有些導演直接用裸體鏡頭表現，或正面或背面，通過直觀的肉體展示，表達美；有些導演通過朦朧的方式表現，比如女子的身體上蓋著一層薄紗，但是曲線畢露；有些導演則喜歡留白，比如只拍脖頸部位，或者拍腳，讓觀者去想像。
比如，想要表現男女之間的情慾，有些導演直接完整呈現，赤裸裸的視覺沖擊；有些導演給一個遠景鏡頭，觀者知道男女演員在演繹什麼內容，卻無法看的真切；有些導演也是點到為止，接吻之後便移開機位，用光線或者聲音告訴觀者發生了什麼事。
比如，想要表現劇中人的悲傷或者沮喪，讓其在花灑下淋浴。有些導演既拍全了肉體又拍全了表情，有些導演只拍表情，將鏡頭定在脖子以上，有些導演拍全景，演員蜷縮在一處，看的見肉體卻也看不清肉體。
諸上種種，都可以傳達出導演的意圖，觀者都可以領會到劇中的情節在說什麼。那麼，是不是說大尺度的震撼力更強？也不盡然。視覺沖擊上來講，大尺度的刺激量更大。但是如果從震撼力的角度說，一個眼神的特寫不見得就弱於一個肉體的特寫，比如《泰坦尼克號》中傑克給柔絲畫人體畫的一組鏡頭，國內公映的版本里刪除了柔絲全裸的畫面，只保留了傑克畫畫時柔絲看他時的那種眼神以及傑克畫的時候他看柔絲的眼神，只看兩個人互相對視的眼神，你便感知到了愛意在視線中的流淌，即便後來看到了未刪節的鏡頭，你不過是輕嘆一下柔絲的美，而當初最打動你的，卻是他們的眼神，不是肉體；然而，必要的時候，大尺度的震撼力又絕對佔了上峰，比如《色戒》裡面的激情戲，王佳芝如何吸引住易先生？或者說，王佳芝憑什麼可以吸引住易先生？如果僅僅是通過眉目傳情，就讓心理極度扭曲極度缺乏安全感的易先生看上王佳芝，那就沒有什麼說服力。通過那段大尺度床戲，觀者既明白了易先生為什麼和王佳芝上床，也明白了易先生的不尋常心理。李安很會選人，王佳芝的角色必須要身材好同時演技在線，以便讓觀者意識到，那是什麼樣的女人才能吸引住殺人魔易先生。這一段，風花雪月的表達手法還真是不行。
大尺度鏡頭的目的是為了塑造人物的真實性，它之所以被談論，是因為和人倫道德的束縛相沖突，即便那些電影審查寬松的國家，對大尺度電影是否適合公映也是謹慎得很，畢竟，真實最傷人。真實性的表達不一定要藉助大尺度，它可以是隱晦的朦朧的，但是，當大尺度出現的時候，觀者應該感謝創作者的勇敢。你可以疑惑他們為什麼非的脫？可以不用脫，有的時候甚至沒必要脫，可還是脫了。脫了，就有它的道理，不僅僅是過了一次眼癮的事。
個人電影的大尺度鏡頭不是從藝術角度，而是審查和傳播角度的一種標准。藝術這種純感知的東西，外延應該和人類的想像力等同，可以無限擴張的，但從藝術傳播的角度來說，必須用尺度作為圍欄，否則任由藝術家放飛思想，各種突破普通人認知下限的東西就會蜂擁而出了。
比如世界十大X片，看完後心理陰影面積比中國還大。
而現在我們看到的電影領域的「大尺度」，包括很多方面的內容，比如裸露、血腥、粗口、政治明敢詞等，這些內容在審查者眼裡，都有可能構成他們認知裡面的「大尺度」，甚至「超尺度」。所以有時候作為電影指揮棒的導演，他的藝術審美角度可能需要一些「大尺度」的鏡頭傳遞自己的理念，但未必能夠如願以償的實現。
之前何平導演在鏘鏘三人行裡面講過，導演最難的一點就是如何完整展示自己想表達的東西，每個人對於藝術的認知和審美高度不同，可能對同一個鏡頭產生完全不同的解讀。這還不是審查的問題，即使是拍攝製作過程中，導演和演員都會有很多關於「大尺度」的沖突。
當時曹穎和竇文濤聊到一些影視劇中裸戲的問題，曹穎就坦白有時候一些導演和劇組就為了博眼球，刻意加一些毫無意義的裸戲在劇情中，這種情況她會堅決抵制，寧願少拍一部戲也不能助長這種風氣。
何平導演這時候表示反對，他說其實有時候演員在用自己的世界觀去評估導演的一些鏡頭設計，比如說我們想拍一個女性在出門前換衣服的鏡頭，導演設計了很多細節來反映女主角的性格和情緒變化，比如脫衣服的一些細節、穿衣服的一些動作和表情，其實都是有自己的藝術表達的。但有時候到了演員眼中，變成「你就是想看我換衣服」，其實不是這樣，純粹是雙方對於藝術的理解和溝通不到位的結果。
我個人比較支持何平導演的立場，其實那些所謂的「大尺度」鏡頭的沖突，其實就是各方協商失敗的產物，真正的藝術領域應該更加有突破和挑戰，才能讓電影藝術的價值得到升華。
在一些電影里，出現了大尺度的鏡頭，至於是不是必須，那是看導演手法。
因為這也是藝術表現手法之一，用電影的鏡頭去表現出一些大尺度的內容。
這些大尺度的內容，有的人覺得很正常，有的人覺得這樣出現在屏幕不太合適。
但既然是電影，它本身就是藝術，只要是合理的，不是刻意的，應該都是可以接受的。一是因為人之常情，也是一種表現。
如果這樣大尺度的鏡頭是刻意的，為了博人眼球，或者迎合某些需求，那就是低俗爛造。
如此的話，那就不應該。因為不管是各種方式媒體傳播方式，都應該傳播正能量的內容。
在電影里，經常會出現大尺度的電影，主要看內容，主題。
有一些電影為了表現慾望，表現權利等主題，就會運用這樣的一些方式。
比如張藝謀的電影《滿城盡帶黃金甲》，從宮女的著裝開始，滿屏的袒胸露背。其實，這也是表達主題的一種方式。
在《滿城盡帶黃金甲》里，王是需要權力的，而且對權力的慾望也是很大的。所以，這樣的大尺度也是對主題的詮釋。
因為這些都可以代表慾望，所以，這樣的鏡頭也是為了主題而服務的。
《西西里的美麗傳說》也是，在電影里的大尺度鏡頭，並不是那麼粗俗。那是一個女人在戰爭年代，用自己的方式活下去，活下去只是為了守護她的堅貞。
她活下去的目的是為了等待她當兵的丈夫歸來。那麼的女人圍攻她，唾棄她，覺得她不守婦道，然而就是這個女人，守護著戰爭中的堅貞，等候她丈夫。
因此，大尺度的鏡頭也看如何用，表現什麼。
在一個商業時代，電影也是一樣的。總有一些電影，會用一些露骨的噱頭來吸引觀眾眼球。
飲食男女，其實都無所謂。但是，既然不是低俗諂媚而去的，那就不刻意為之。
商業片，有投資，需要好的收益，這個無可厚非，觀眾願意掏錢買票，願意消費。但不能為了票房而不顧一切的博眼球。
大尺度的鏡頭是不是必須，這個主要取決於導演的手法。根據不同的主題內容，表現手法而決定的。
個人覺得，可以接受有意義的表現，但不能接受刻意的討好，諂媚低俗的內容，不知道你如何看？
回答這個問題， 首先應該討論什麼是「藝術」？ 人體藝術算不算藝術？
所以，其實也無所謂是從藝術的角度還是從別的什麼角度，都一樣。有的需要，有的不需要。要看具體的影片，而不是角度。
第二個要討論的，什麼是大尺度？ 有的人直接把大尺度理解為裸露，其實不一定吧，大尺度的暴力再現也是大尺度。所以，大尺度其實就是接近甚至已經是色情暴力的意思。
是不是必須的呢？
前面說，沒有統一標准。有的需要，有的不需要。這是就電影表現力本身而說的。
換一個角度， 從觀眾的需求講 ，也是有的需要有的不需要。成年人往往需要，青少年肯定是不需要，所以電影分級制度是非常有道理的。因為人的需求不同。具體到個人，更有不同。
拍電影的， 必然要考慮票房 。比如一個當紅明星，不管男女，如果新拍一部電影里有他或她的「大尺度」畫面，一定會有極強的票房號召力。
我有個朋友，當年聽說安吉麗娜·朱莉新出的《原罪》里有裸露鏡頭，第一時間就去D版店買了碟。然後，非常失望地說，唉，這是個刪節版……他的那個表情，我現在都記得。看到他的表情，你就知道這樣的鏡頭，對他來講是多麼「必須」了。
所以，電影這種東西，有 雙重屬性，既是藝術品，又是商品 。只考慮藝術不考慮票房，純賠錢，誰也賠不起；只考慮商業，沒有藝術品，也長久不了，速朽。因此，所有的電影，絕大多數都是從雙方都照顧的角度考慮問題的。再藝術的電影，也有商業的考慮，所以，在情節中，無關痛癢地加點「大尺度」鏡頭或情節，一下就能招來很多感興趣的觀眾，就能大幅增加票房收入，何樂而不為呢。
這個得分開來說，有些從藝術的角度來看確實是非常必要的，當然，也有一些電影，它本身主打就是那些，也靠那些東西吸引人的，沒有什麼其他有意義的東西需要講述。
由於審核制度的不同，在咱們國內，某些大尺度的鏡頭，一般是不太可能出現在最終上映的版本里的，不過我們可以從國外的一些作品來聊一下這個問題。
例如我們最熟悉的一部外國電影 《朗讀者》 ，這部影片講述的是一個15歲的少年與一位36歲的成熟女人之間的故事，他們之間有偶遇、有離開、也有重逢，最終還有以悲劇收場，可以說這部影片是許多人的少年幻想和幻想破滅的結合。
這是一部優秀的電影嗎？絕對是的，但是影片尺度大嗎？這也是肯定的。但是你覺得那些鏡頭是多餘的嗎？在我看來，這絕對是影片精彩的地方所在。而且這一段忘年戀的美麗，是讓你在看到那些畫面時，沒有絲毫的低俗感，相反，你會感受到那種真摯的愛。同時，它也為後來的變化設置了一個強烈的對比。
你愛的是那個人美麗的容顏和身體還是精神上的愛，一部《朗讀者》說的就是這樣的真實感情，前面少年與成熟女人的相處，不正是青春與幻想美好的結合嗎？然而後來，當少年成長，女人老去，女人還有愛，但少年，他有愛，但這份愛不再是愛，是責任和對曾經的不舍，所以之前的大尺度鏡頭，在這部影片當中絕對是有非常有必要的，無論是從藝術的角度還是劇情的變化上來說。
影片的結局卻是一個徹徹底底的悲劇，用前面美好的一幕幕來形成強烈的對比，這也是那些鏡頭存在的必要性，讓影片更加情緒飽滿。
你如果要上升到藝術層面來說，這部影片就可以看出，這些鏡頭都是必須的。但有些影片，正如我開篇說的，它主打的就是那些東西，跟藝術沒有一毛錢關系，所以它也不存在必不必須的問題。所以，從這一點上就可以說明，電影中很多大尺度鏡頭從藝術的角度看都是必須的，當然也可以用更含蓄一點的方式表達，但豐富感就會稍微差了一些些！
電影中大尺度鏡頭從藝術上看可以有，但不是必須的。如果從市場和票房的角度來看，則是必須的。
為什麼說大尺度鏡頭可以有，但不是必須的呢？
電影是講故事的，是講人世間故事的，更是講人的故事的。人是有七情六慾的。七情一般是指喜、怒、哀、懼、愛、惡、欲（《禮記》上的觀點）。《 呂氏春秋 》將六欲解釋為生、死、耳、目、口、鼻所產生的慾望，佛教解釋六欲為色慾、形貌欲、威儀姿態欲、言語聲音欲、細滑欲、人想欲。通俗的講，就是人有求生欲、求知慾、表達欲、表現欲、舒適欲和情慾。
其中，情慾便是六欲之一，是人的正常生理需求。如果一部電影講述了前面的五欲，而唯獨遺漏了「情慾」，那這個人的人生就是不完美的，或者說是不正常的。
電影是藝術，藝術來源於生活又高於生活。那麼在電影里表現人的情慾，甚至渲染、誇大情慾的戲份，也是正常的，屬於藝術的表現手法之一，無可厚非。但怕就怕一些電影借情慾來上演色情戲份，則是不足取的。中國人對藝術的表達，多喜歡朦朧和唯美，喜歡蜻蜓點水。這一藝術審美觀點歷來備受推崇，從這一點上來看，電影中的過分暴露和激情戲則不是必須的。
那為什麼說從市場和票房的角度來看，電影中大尺度鏡頭則是必須的呢？
一、電影出資方希望票房大賣。
要實現票房大賣的目標，除了要講好一個精彩的故事外，還要有人氣明星加盟，除此之外，大尺度鏡頭更是一個賺足觀眾眼球的噱頭。
二、一部分觀眾喜歡看大尺度鏡頭。
記得當年張藝謀的《紅高粱》上映時，一些青年人在傳播影訊和談論觀後感時，總會神秘地說，有激情戲，有「黃色」鏡頭，快去啟蒙一下吧！
綜上所述，電影里的大尺度鏡頭，從藝術的角度說，可以有，但不是必須。而要是從市場和票房上來說，一定是必須的。
⑷ 電影海報設計有什麼特點
早期的電影海報就如現在賣場中的大多數促銷海報招貼一樣，是通過手繪製作，純粹為了電影的上片做宣傳廣告用途。隨著電影的普及，電影海報製作技術的進步，電影海報本身也因其畫面精美，表現手法獨特，文化內涵豐富，成為了一種藝術品，具有欣賞和收藏價值。因為電影海報的特殊性，使得電影海報在設計印刷上，雖然與普通的海報設計有些相似，但是更有著自己的特點。
首先，電影海報中的圖形設計應該遵循「閱讀最省力」的原則，形象要高度簡潔、富於創意。直觀形象性的圖形閱讀越省力，越能增強其被注意值，進而使人們對所要宣傳的電影產生明確而又深刻的印象。
其次，電影海報中的圖形要符合社會與大眾的道德觀念，在所傳遞的信息和社會形態的主流文化相吻合的基礎上，畫面形象應生動鮮明並給人以美的感受，使人們看後能夠產生生理上的舒適感和心理上的親近感，既設計中通常所說的感情的愉悅性。
再次，圖形的形象要主次分明，主要形象應與設計訴求的目標相一致，為電影主題服務，不能喧賓奪主。單純的追求形式美和自我意識的表現。或者不知所雲，都會使人們的注意力分散、轉移，從而導致電影海報偏離傳遞電影信息、吸引觀眾注意、刺激電影票房收入的目的。
最後，電影海報中圖形的形象應做到情與理的高度統一，以情感人，以理服人。因為情理交融的形象有助於調動人們的感情因素，圖形的情感色彩越濃重，就越能激發起人們的興趣並使之產生情感上的共鳴，這種雙向的溝通與交流有助於人們對電影海報所傳達信息的關注、理解和記憶，並產生強烈的觀看慾望。
電影海報設計要點自然有很多，但強調圖形設計，這是因為圖形是一種用形象和色彩來直觀地傳播信息、觀念以及交流思想的視覺語言，具有隻可意會不可言傳的獨特魅力，它能夠超越國界、排除語言障礙並進入各個領域與人們進行溝通和交流，是被稱為「世界語」的人類通用的視覺符號。
因此，在電影海報設計中，圖形具有吸引人們的注意力、易於理解以及將視線引向文案的誘導功能。將不同的圖形通過創造性的組合能夠產生新的圖形語義，使電影海報具有更深刻的內涵，從而極大地拓展電影海報的表現空間，並在信息傳達方面發揮重要的作用。
早期的電影海報就如現在賣場中的大多數促銷海報招貼一樣，是通過手繪製作，純粹為了電影的上片做宣傳廣告用途。隨著電影的普及，電影海報製作技術的進步，電影海報本身也因其畫面精美，表現手法獨特，文化內涵豐富，成為了一種藝術品，具有欣賞和收藏價值。因為電影海報的特殊性，使得電影海報在設計印刷上，雖然與普通的海報設計有些相似，但是更有著自己的特點。
首先，電影海報中的圖形設計應該遵循「閱讀最省力」的原則，形象要高度簡潔、富於創意。直觀形象性的圖形閱讀越省力，越能增強其被注意值，進而使人們對所要宣傳的電影產生明確而又深刻的印象。
其次，電影海報中的圖形要符合社會與大眾的道德觀念，在所傳遞的信息和社會形態的主流文化相吻合的基礎上，畫面形象應生動鮮明並給人以美的感受，使人們看後能夠產生生理上的舒適感和心理上的親近感，既設計中通常所說的感情的愉悅性。
再次，圖形的形象要主次分明，主要形象應與設計訴求的目標相一致，為電影主題服務，不能喧賓奪主。單純的追求形式美和自我意識的表現。或者不知所雲，都會使人們的注意力分散、轉移，從而導致電影海報偏離傳遞電影信息、吸引觀眾注意、刺激電影票房收入的目的。
最後，電影海報中圖形的形象應做到情與理的高度統一，以情感人，以理服人。因為情理交融的形象有助於調動人們的感情因素，圖形的情感色彩越濃重，就越能激發起人們的興趣並使之產生情感上的共鳴，這種雙向的溝通與交流有助於人們對電影海報所傳達信息的關注、理解和記憶，並產生強烈的觀看慾望。
電影海報設計要點自然有很多，但強調圖形設計，這是因為圖形是一種用形象和色彩來直觀地傳播信息、觀念以及交流思想的視覺語言，具有隻可意會不可言傳的獨特魅力，它能夠超越國界、排除語言障礙並進入各個領域與人們進行溝通和交流，是被稱為「世界語」的人類通用的視覺符號。
因此，在電影海報設計中，圖形具有吸引人們的注意力、易於理解以及將視線引向文案的誘導功能。將不同的圖形通過創造性的組合能夠產生新的圖形語義，使電影海報具有更深刻的內涵，從而極大地拓展電影海報的表現空間，並在信息傳達方面發揮重要的作用。
⑸ 主題電影是什麼
說通俗點吧
就是電影想要表達的思想內涵，也可稱為主旋律。如愛國主義等，人性的解放等等
讓你看完一場電影後能學到一點什麼，而不是剛進電影前那空白的你
我不是復制黨，求採納
⑹ 處理好一部影片中的構圖元素要考慮到哪幾種原則
處理好一部影片中的構圖元素，要考慮以下三種原則：1.審美原則 、2.主體突出原則、3.變化原則。
其中，「美學原則」、「主題服務原則」是就單個畫格的構圖而言。而「變化原則」則是就整個一部影片的構圖而言。
美學原則：
電影是一門藝術，所以它的構圖首先要美，要「藝術」。換句話說，就是要具有視覺上的美感，使人看起來舒服，看起來好看。
怎樣使一個畫格的構圖具有視覺上的美感？我覺得它不應該僅僅理解為：畫格中所拍攝的內容都是一些美好動人的景物：青山，綠水，鮮花，美人……畫格中拍攝的內容美，──即「拍什麼？」
主題服務原則：
在一部影片當中，畫格的構圖無疑也是影片諸形式中的一種形式。而影片的主題或者說故事，才是影片中起決定作用的「內容」。形式必須為內容服務，構圖也必須為主題服務。
變化原則：
以上兩點「美學原則」、「主題服務原則」是就一部影片中的單個具體的畫格的構圖而言的。那麼，對於由千萬個單個畫格所組成的整部影片的畫格的構圖而言，所要遵循的原則就是「變化原則」。
電影不是照片。觀眾不能忍受一部構圖沒有變化的電影。而變化也正是電影藝術的主要特徵和它的魅力之所在。一部電影的變化可謂千變萬化，除了構圖所表現的內容的變化外，構圖形式的變化也是一種重要的變化。
⑺ 影像構成元素主要有哪些內容
林格倫講：「一個鏡頭的結構要受無數因素的支配，不過這些因素總起來可分為三個主要項目：第一是主要形象本身的運動和形式；第二是攝影機和主要形象的相對運動和位置；第三是照明主要形象的方法。」 波布克講：①、膠片本身──各種不同底片的性能和特徵； ②、構圖──在一個畫面內每一個視覺元素的位置； ③、照明──每一個場面的照明性質和質量。 我們從六個方面講：①、構圖 ②、景別 ③、角度 ④、運動 ⑤、照明 ⑥、色彩 （六個方面其實是互有關連的，如構圖，我們第一節「電影影像的構圖」中主要討論的是在一個畫格中每一個視覺元素的位置。其實它當然還包括照明、色彩等元素。我們之所以把它們分成六個方面，主要是為了講述上的方便。） 第一節、電影影像的構圖 影像結構的基本組織單位是「鏡頭」。而鏡頭實際上還可以再分，即「畫格」。 一個鏡頭是由無數的畫格組成的。（電影每秒24格）。 本節我們討論的構圖其實就是畫格的構圖。 我認為：處理好一部影片中的「構圖」元素，起碼應考慮以下三點，或稱三原則，即：①美學原則；②主題服務原則；③變化原則。其中，「美學原則」、「主題服務原則」是就單個畫格的構圖而言。而「變化原則」則是就整個一部影片的構圖而言。 一、美學原則 電影是一門藝術，所以它的構圖首先要美，要「藝術」。換句話說，就是要具有視覺上的美感，使人看起來舒服，看起來好看。 怎樣使一個畫格的構圖具有視覺上的美感？我覺得它不應該僅僅理解為：畫格中所拍攝的內容都是一些美好動人的景物：青山，綠水，鮮花，美人……畫格中拍攝的內容美，──即「拍什麼？」僅僅是畫格具有美感的一個方面，它不是全部，還有比它更重要的，就是──「怎麼拍？」。「怎麼拍？」──即不同的拍法，它可以使美的東西拍出來不美，它也可以使看來平常的東西，拍出來之後，看起來好看。「怎麼拍？」是一個形式美的問題。這一節中，我們主要討論的就是這個問題。要使一個畫格的構圖具有形式上的美感，影響的因素很多，諸如：光線、色彩、影調層次、虛實對比、遠近對比、大小對比，高低對比等等。這是一門專門的攝影構圖的學問。我們不能在這里一一細講（光線、色彩我們後面講）。我們僅從創作的角度講幾個應該注意的問題。 【（解釋）主體與陪體： ①、主體、陪體不能理解為甲在畫格中大，乙在畫格中小，甲就是主體，乙就是陪體。 ②、主體、陪體不能理解為甲在畫格中居前景，乙在畫格中居後景，甲就是主體，乙就是陪體。 ③、主體、陪體區分的關鍵是看它們在畫格中所起的作用的大小，作用大的是主體，作用小的是陪體。】 從創作角度講，一個畫格中的構圖具有形式上的美感，應做到以下幾點：（待續）
⑻ 電影的幾個要素是什麼
一、拍攝前觀察環境
攝像前要先注意周邊的狀況，這樣在拍攝時就可以考慮哪些鏡頭可以選擇，哪些場面可以用什麼景色。另外，拍攝時可千萬不要大意。時刻不可忘記周邊或是身後的狀況，特別對背後的溝渠、馬路等要引起重視，不要腳踩空或來往車輛造成不必要的傷害。
二、拍攝清晰的搖鏡頭
搖鏡頭是最常用的手法之一。搖攝是指當攝像機機位不動，藉助於三角架上的活動底盤或拍攝者自身的人體，變動攝像機光學鏡頭軸線的拍攝方法。用搖攝的方式拍攝的畫面叫搖鏡頭。搖攝一般有上下搖攝和左右搖攝兩種方法。
三、拍攝清晰的移鏡頭
移攝是將攝像機架在活動物體上隨之運動而進行的拍攝，用移動攝像的方法拍攝的畫面稱為移動鏡頭，簡稱移鏡頭。移動拍攝可以使用畫面框架始終處於運動之中，畫面內的物體不論是處於運動狀態還是靜止狀態，都會呈現出位置不斷移動的態勢。移攝一般分為前後移動拍攝、左右移動拍攝、弧形移動拍攝以及上下移動拍攝等幾種方法。
移攝特別要注意一下三點：（1）選擇合適的移動設備。（2）移動速度要慢。（3）移拍時盡量使用廣角鏡頭。
四、拍攝清晰的跟鏡頭
跟攝是攝像機始終跟隨運動的被攝主體一起運動而進行的拍攝。用這種方式拍攝的畫面稱為跟鏡頭。跟鏡頭大致可以分為前跟、後跟、側跟三種情況。
在跟攝時跟上、追准被攝對象是跟鏡頭拍攝的基本要求。通常主體在畫面中的位置相對穩定，而且景別也保持不變。這就要求在拍攝者與主體人物運動速度基本一致，這樣才能夠保證人物在畫面中的位置相對穩定，既不會使主體人物移出畫面，也不會出現景別的變化。不管畫面中人物運動如何上下起伏、跳躍變化，跟鏡頭畫面應基本上是或平行、或垂直的直線性運動。因為鏡頭大幅度和次數過頻的上下跳動極容易使觀眾產生視覺疲勞，而畫面的平穩運動是保證觀眾穩定觀看的先決條件。
五、拍攝清晰的變焦鏡頭
平時我們經常從電視上看到這樣的畫面，鏡頭對准一個廣闊和場景，漸漸地鏡頭推進，最後聚焦於某個細節，這種方法經常運用於花卉、燭光、小動物等細節的拍攝。
如果被攝物體或鏡頭運動變化很大，一次聚焦不能滿足要求，可採用跟點的方法完成鏡頭拍攝。保證鏡頭拍攝全過程畫面清晰。
運用變焦距鏡頭拍攝十分重要的一點是對變焦距動點、動向和動速的控制。在運用變焦距拍攝時推拉的起動和落幅要果斷，猶豫和遲疑都會影響鏡頭運動的流暢甚至引起表現意圖的混亂。在整個拍攝過程當中應該注意攝像者要保持穩定，採用變焦拍攝的方法雖然看上去感覺比較簡單，不過只有通過經常反復地操作才能運用得熟悉，對於展示遠近變化的場景或者某種特定的氛圍都能起到畫龍點睛的作用。
六、拍攝清晰的長焦鏡頭
一是要調准焦點。長焦距鏡頭的景深較小，特別是在物距較近，光圈口徑較大時，這種現象更為明顯，因此在拍攝過程中焦點必須調准。這時您可以通過攝像機上的尋像器調整焦點的方法，將畫框中心對准被攝主體，用手調整焦點環，直至尋像器上形象最清晰時為止。如果焦點環上的數值與實際物距有誤差時，也以尋像器形象是否清晰為准。
二是要防止拍攝時的抖動。由於長焦距視場角窄，拍攝過程中攝像機上下左右方向稍微一顫動都將會引起畫面的抖動。這種抖動不論是在固定鏡頭還是在運動鏡頭中都會干擾和影響觀眾對屏幕形象的觀看。我們在進行拍攝時，保持拍攝設備的穩定也是很必要的，這也是保持影像清晰的重要條件。畫面不穩定，令人的視線無法集中，往往覺得頭暈目眩。
⑼ 《千與千尋》這部電影到底講的是什麼
從為什麼叫《千與千尋（千と千尋の神隠し）》談起。
《千與千尋》於 2001 年7月20日在日本上映。講述一個 十歲 的小女孩與父母一同迷失，最後通過尋找，找到來處的故事。
荻野千尋在2001年影片上映時，是一個10歲的小女孩，換言之荻野千尋是一個出生在1991年日本的小孩。而日本在1991泡沫經濟崩潰後到2000年代初期長期經濟不景氣，這十年在日本被稱之為「失去的十年」（The Lost Decade），日本公知學者們又將1991年的日本人稱為「The Lost Generation」（迷失的一代）。
因此千尋這個角色正是上述這「迷失的一代」的代表。 宮崎駿想通過這個講述千尋迷失的故事告訴當時的日本人在迷失中如何尋找與回歸。而「千與千」兩個「千」加起來正是2000，「千與千尋」寓意著影片將探討日本這個國家在「2000年」這世紀之交的「探尋」。
網上有許多影評都將《千與千尋》定義成是有多重主題的動畫電影，實則不然。整個動畫都是在 通過講一個小女孩迷失的故事來隱喻日本的「國之迷失」，探討的是當代日本應該如何尋找出路，迷失的這一代人如何自我救贖。 這是整個故事的 Designing Principle （設計原則）。故事中所有的設定都是服務並依託於這個核心設計原則。
千尋一家為什麼會走入迷失？千尋一家人的奧迪從國道20轉入國道21後，父母為了抄近道走捷徑，最後導致了全家的迷失。
這正是寓意日本這個國家即將從20世紀行駛入21世紀，而由於上一輩人「走捷徑」不走正軌，因而帶著整個日本走向泡沫一般迷失的境地。而車牌1901也頗有寓意，1901正是20世紀的初始之年。
父母要走捷徑時，千尋已有不祥的預感，她不停掙扎，不停大聲呼喊著「我不去」，但父母的堅持讓千尋不得不緊隨其後，這其實對應的是日本現實世界中年輕一代依附長輩，人生道路被「規定」，被帶著一條道走到黑的悲哀與無奈。
千尋的父母走進迷失世界後看到無人經營的飯店，肆意地享用原本要供給神靈的飯菜，千尋的母親說「等有人來了，再付錢就是。」千尋的父親則說「有爸爸在，怕什麼，信用卡現金隨他收」。 這種先享用後付款的「信貸」概念正是日本泡沫經濟，徹底走向迷失的根源， 千尋一直說「我不要」，但依然攔不住貪吃的父母，轉過身來父母已經變成了「豬」，無奈地任由一些看不到的「飯店主人」肆意鞭打。
很多影評都把《千與千尋》定義為一部愛情電影，影片中的白龍大多認為是千尋的男朋友。但這未免有些牽強，別忘了荻野千尋在故事中只是一個十歲的小女孩，而全程自始至終白龍更像是千尋的守護者，莫非宮崎駿只是如此膚淺？這部作品只是鼓勵早戀？
當然不是！
為什麼叫白龍?
「白」是日本的神祗之色，包括國旗都有大片的白色；而「龍」在日本也是正統皇室的象徵，也是水神的象徵。
白龍跟千尋的關系可以從影片的一些對話看出一些端倪：
白龍在影片開端管千尋叫「好孩子」，並且不只一處，也就是說在白龍的眼中千尋就只是一個孩子。
千尋問白龍：「你為什麼知道我的名字」，白龍說：「你很小的時候我就認識你」。
為什麼白龍這么說呢？
在影片最後，千尋幫白龍找回自己的名字，白龍的本命叫「饒速水琥珀主」，（另有譯：「賑早見琥珀主」）。「饒速水」的這個名字是根據《日本書紀》跟《先代舊事本紀》中記載的一位神靈的名字——「饒速日」而來，因而千尋說聽到白龍的名字後說道：「好棒的名字，像神明一樣」。
那麼，「饒速日」是一位怎樣的神靈呢？據說「饒速日」是在日本天孫降臨之前駕臨人間，並且統治大和地方，後在神武天皇東征的時候被奪權而歸降，而自此淪為日本神武天皇的臣下，但是「饒速日」一直被一些日本人看做是始祖之神，是日本集體精神意識的緣起。
也就是說影片中 白龍象徵著的是「大和」未被天皇騎劫顛覆前的本源與正統，也意味著日本的過去 。因此白龍叫千尋「孩子」，對千尋說「你很小的時候我就認識你」。這也就不足為奇了。
而白龍作為水與河流，是生命起始的意象，千尋曾經掉到過白龍的河水裡面，正是胎兒與母親懷胎時羊水的寫照，而龍又是陽性的代表，所以白龍也象徵的是千尋（日本）的過去與由來。
然而可惜這條代表這「大和」的本源與信念的河流，因為時代要發展被建築掩埋填沒；白龍為了學習魔法，為湯婆婆利用，幹了許多不好的勾當，慢慢忘記了自己的真正姓名。正如鍋爐爺爺所說：「白龍成為了湯婆婆的徒弟後，臉色越來越難看，眼神也越來越凶惡。」
白龍在執行偷取錢婆婆的魔女印章任務中，被其所下的詛咒弄得遍體鱗傷，無數的白紙不停襲擊他，而在白龍快死的時候，千尋的河神丸子令白龍吐出印章保住一命。
如果白龍代表的是日本的過往，那麼他所竊取印章是魔女錢婆婆制定契約的憑據，或可以理解為象徵「主權」，而一張張白紙則自然對應的就是一張張「不平等條約」。
白龍（過往的日本）因忘記了自我，被利用去竊取並吞下了不應吞食的印章（「主權」），而被詛咒並被一張張白紙（「不平等條約」）追擊。幾近喪命，終於在千尋的幫助下，吃下了河神丸子吐出了印章（主權）才得以存活。
油屋是一個日本古典風格非常強烈的澡堂子，所有的員工都是日本穿著日式的傳統服飾，而在這個充滿傳統「和風」的建築中的最頂樓層——「天」，是一個完全西式風格的房間，並且整個生產體系中最高級的職權者是一個不管穿著還是長相都是西方人模樣的錢婆婆。
這不正是日本與美國的關系的隱喻嗎？
在油屋這個生產體系中，所有人都在拚命幹活，但是既得利益者卻是高高在上的洋人婆婆；所有人都用姓名與這洋人婆婆簽訂了契約，而忘記了自己的名字，忘記了自己的來處，如同出賣了靈魂；在湯婆婆管轄的這個世界，只要不勞動就會變成動物，每個人都必須為湯婆婆創造價值；白龍（日本）為了向湯婆婆學習魔法干盡壞事，日益兇殘……
此外，這個洋婆婆會不時化成頭發白色的鷹（美國的國鳥）去巡視這個屬於她的世界。
カオナシ 無面男在日文中有「沒有顏面」的意思，它代表的是2000年日本人的一種迷失狀態，迷茫，陰冷，孤獨，容易被影響同化。在千尋與無面男簡短的對話中，我們可以看出作者在影片中確實有這種寓意：
千尋的這幾個問題也是宮崎駿對現代日本人的一種哲學叩問。
你是誰？
你從哪裡來？
你要去向何方？
當代的日本人弄不清楚這三個問題：無面男只知無意識無度地吞噬一切貪欲，自己雖不停壯大，卻給周遭帶來了破壞，並讓自己外表的不斷醜化變態。這映射的是日本一味盲目的發展，忘記了來處，忘記了本源，也不知何往。
無言沉默的無面男執意要給千尋葯牌，金子，所有他以為千尋會想要的東西。但正如千尋所說的「我想要的東西你絕對拿不出來。」這應該是日本人年輕一代與上一代人心靈深處的某種對話，迷失的上一代人創造的東西並非這代人真正所需要的，他們創造的「財富」對年輕一代「毫無價值」。最後， 無面男 與白龍一樣：無盡無度的吞食最後以「嘔吐」來完成自我救贖。
為什麼千尋原本的使命（calling）是解救自己已經變成豬的父母，但是故事中她卻似乎全程忘記了？
或者我們可以這樣猜測，小千把自己從河神那裡拿到的河神丸子救了兩個完全陌生的人——白龍與無面男就是父親與母親的象徵：白色的白龍，黑色的無面男，正是一陰一陽，且不論白龍與無面男這兩者誰是父，誰是母。白龍無盡的保護，無面男無盡的給予，不正與「父母」並無二致么？
如果這個隱喻成立，那麼最後千尋分別幫助了白龍與無面男後，湯婆婆讓千尋從一大群豬中選出自己的父母時，千尋信心滿滿並毫不猶豫地說「這里沒有我的爸爸媽媽」，則不難理解了。因為千尋知道他的父母早已另有化身。而在影片結尾，白龍與無面男全無送別千尋走出神隱世界，惟白龍叮囑千尋千萬別回頭，當小千走到出口時，卻霍然發現父母早已在那等候。由此說來，白龍跟無面男就是千尋父母進入這個世界後的化身寓象也非常合乎情理。
「曾經發生的事情不可能忘記，只是想不起來而已」，這是錢婆婆對千尋說的話。
錢婆婆住在水上列車的第六站，影片出現的所有數字都有深刻的隱喻，那麼如果一站隱喻十年，那麼就是千尋要回到60年前才能與錢婆婆對話，由影片上映的時間2001年往回推到，60年前即1940年代，而1940年日本在世界上做什麼，應已無需贅述。
千尋帶著無面男（現代迷失的日本）代替白龍（過去的日本）向住在沼之底的錢婆婆道歉。那麼錢婆婆的身份已經不言而喻。
湯婆婆住在油屋的「天」，錢婆婆住在遙遠的彼方的「沼之底」，一天一地，又是一組陰陽對立的關系。正如湯婆婆說，她跟錢婆婆是雙胞胎，卻一點都合不來。如果湯婆婆是暗喻「歐美」，錢婆婆應就是暗喻「亞洲」無疑了。
圖片中是錢婆婆「沼之底」的家，這個「亞洲風格」的建築物在外觀上跟「油屋」湯婆婆的全西化是鮮明的對比，兩者幾乎天壤之別。
而更妙的是，「荻野千尋」中的「荻」字本是如蘆葦生長在水邊沼澤的植物的意思，「千尋」則在中文與日與中有著相同的意義，「古以八尺為一尋」。"千尋"，形容極高或極長。因此「荻野千尋」這個名字可以理解為：「長自很深的水底的植物」 與錢婆婆的住所「沼之底」正好呼應，也就是說錢婆婆的住處——「沼之底」正是「荻野千尋」生命的本源，正如同「亞洲」才是「日本」的本源。
坊寶寶是湯婆婆這個洋婆婆養大的日本巨嬰。他穿一件印有"坊"字的紅色肚兜。雖然他個子非常大，卻是嬰兒的模樣，很嬌慣任性，因為害怕「細菌」而天天待在堆滿了玩具和枕頭的房間里。和大多數孩子一樣，坊寶寶喜歡用哭來威脅人。
坊寶寶就如同當代的日本年輕人，在歐美文化的包裹與保護中成長，被父母嬌生慣養，如同溫室里的花朵，只知道玩樂。而諷刺的故事中這么一個未出過家門、害怕細菌又不講道理的孩子，被錢婆婆（亞洲）變成了一隻與細菌為伍的小老鼠，跟隨者千尋走出了房門展開旅行，等他再回到錢婆婆身邊時，卻已經長成了能自己走路、不哭不鬧、懂人情世故的大孩子了。
在《千與千尋》這部影片中，其實還有著許多細節可以對應到這部影片的核心設計原則（ Designing Principle ）——「迷失的日本」的諸多巧思。比如電影中，千尋幫腐爛神清垃圾那場戲，其實說的是日本因發展而迷失忽略了環境；又比如日本片名中的「神隱」所寓指的隱藏起來的神靈，以及影片中開場千尋一家人經過看到的一堆被世人忘記供奉的神龕石祠，其實說的是日本人對本源信仰的丟失。
正因為影片的創作核心意念是宏觀與哲學的，而影片的體式又是委婉的寓言體，所欲言之事盡隱匿其中，恰好應了片名——《千と千尋の神隠し》之中的「神隱」二字。也正因為這個隱喻的「本體」是一個「時代」、一個「國家」、一個「民族」，那麼可以解讀自然包羅萬象，而人們對影片自然也會有無數種解讀方式，人們可以在影片中看到了「成長」、「愛情」、「環保」、「探尋」……
宮崎駿通過一個小女孩走入異世界而迷失的故事，嘗試提出自己對當代日本這種「國之迷失」精神層面的解答——
帶著現在迷失的自我，溯根尋源，為過往的錯誤致歉自省，找到自我，弄清楚自己究竟是誰，方才知道何去何從！
可嘆的是，大家至今還在探討怎麼做一個被大家高贊，賺錢的動畫電影時，宮崎駿早已在用他的作品履行他自覺的國民責任。
而對於這部創下無數佳績的寓言體電影，宮崎駿只是輕描淡寫地說道：「千尋上車的那一瞬間，是我最開心的時刻。」