張藝謀的電影觀後感英文

1. 電影《懸崖之上》觀後感

看完一部影視作品以後，一定有很多值得分享的心得吧，為此需要好好認真地寫觀後感。那要怎麼寫好觀後感呢？下面是我為大家收集的電影《懸崖之上》觀後感（通用8篇），僅供參考，歡迎大家閱讀。

電影《懸崖之上》觀後感1

《懸崖之上》是全勇先和導演張藝謀的首次合作，電影在東北雪鄉官宣開機之時，網友便對電影的故事產生了極大好奇。作為一名「資深諜戰片編劇」，全勇先此前已有許多優秀作品面世，此次現身金爵論壇，讓人格外期待他的「爆料」。談到諜戰類型，全勇先表示「我寫諜戰戲最關注的是人，人物是最有魅力的。」全勇先常常把人物關系放在諜戰氛圍里去表現，他特別提到，把人寫好才能更好地打動觀眾：「如果觀眾對這個人物建立了興趣，建立了情感，這個人物的一舉一動，一言一行所有行為都會牽動觀眾的情緒。這對我來說是一個法寶。」

《懸崖之上》對人物的描繪是電影的一大看點，也是創作的難點。全勇先提到，《懸崖之上》和普通的諜戰片還有一些區別，除了敵我陣營的明暗交鋒，電影對人的復雜性、人在極端情況下的反應、絕境之中的遭遇等都有較深的刻畫。而且電影中人物較多，這也無疑為劇本創作增加了難度。

《懸崖之上》故事發生在上世紀三十年代，為獲得日本展開反人類實驗的證據，一場關系復雜又危機四伏的秘密行動在東北展開……這是張藝謀導演首度拍攝諜戰題材電影。林海雪原的茫茫景緻為這個充滿暗鬥和危機的故事平添一股肅殺神秘之感。在張藝謀的光影美學驅動下，令人更加期待電影更多的信息曝光。

電影《懸崖之上》觀後感2

《懸崖之上》是由張藝謀導演最新上影的諜戰片，由於電影是改編自原創故事，所以影片中的角色在歷史上是沒有故事原型，但是張藝謀對人物塑造卻能讓觀眾感受到切實存在的情感沖動，就像是看到了自己的愛人，自己的親人，看到了自己身邊那些鼓足勇氣向生活發起挑戰的普通人。

在影片中，我們可以看到張譯率領的「烏特拉」小隊為了完成任務與敵人展開生死斗爭，在那個風雪交加的哈爾濱城，有多方勢力割據角力，整個城市被肅殺的黑色建築分割著，影片的黑白色調也預示著光明與黑暗無處不在的斗爭，這也是張藝謀一貫善用的色彩藝術。張藝謀也在影片中使用了很多動與靜的對比，凸顯了氣氛的緊張和危機，比如火車上那場群戲，就是在平靜中暗藏生死攸關的較量，動與靜之間的對比，更加體現了一種對峙氣氛。然而就是這種氣氛下，更能渲染大家的情緒，讓人在觀影中心情跌宕起伏。

戰爭是殘酷的，在那個動盪的年代，生死前途都是隨機的未知數。片中格外打動人的一幕是，張譯和秦海璐約定，「活下來的去找孩子」。父母對孩子的牽掛體現出真實到讓人心痛的悲情，雖然經過蘇聯特訓的間諜，他們會壓抑住本能的情感，秦海璐直到最後一刻才爆發出的眼淚，讓我突然發現，他們也是會傷心會流淚的普通人，在那些孤軍奮戰的時刻，誰也體會不到他們內心的煎熬。

《懸崖之上》與其他諜戰片的區別在於，張藝謀把角色的心理揣度到了極致，看向孩子的眼神，躲在廁所里無聲的哭泣，走向敵人時的決絕，是那個年代真實的情感，是殘酷的事實。每個年代都有這樣的無名英雄，我們其實只需要靜下心來感受生活中來自家人和朋友的愛，用自己的方式勇敢面對生活，我們也可以成為自己生活中的英雄。

電影《懸崖之上》觀後感3

自從電影的出現，人們枯燥的生活變得豐富多彩，好看的電影總能給觀眾留下非常深刻的印象。除此之外，有意義的電影更是能讓人懂得反省以及思考，而這也是電影最有價值的展現。近期上映了一部電影，名為《懸崖之上》，光聽名字相信已經吸引了不少人的眼球，這部影片確實也是一部有價值的電影。在觀看了該部電影後，讓我內心深有感觸，從而感慨良多。

《懸崖之上》，這部諜戰大片其實就是華語電影的年度期待，定檔與五一。該片是由張藝謀執導，張譯、於和偉、秦海璐、朱亞文、劉浩存、倪大紅、李乃文領銜主演，余皚磊、飛凡主演，雷佳音、沙溢特邀主演的諜戰電影。其主要講述的特工們在嚴峻考驗下與敵人鬥智斗勇，執行秘密行動的故事。劇情驚心動魄，觀眾們看的過程亦是膽戰心驚，但又很刺激，整部影片給我們呈現出來的是暗流涌動、善惡分界等的理念，讓人思索頗深及感慨萬千，此部電影的意義非同一般，很有觀賞的體驗價值。

《懸崖之上》電影裡面的角色眾多，觀看的過程中，細心的我們會發現，張藝謀依然盡量充實著人物的弧光，細節真實，情感真實，邏輯真實。除此之外，電影中的每一幕都是揪心的，每一個人物身上都肩負著自己的使命，容不得有一刻的疏忽，執行任務前抱著必死的決心，但為了完成使命不放棄每個可以活下去的希望。所以在觀看完整部電影後，我們也都會有一番深思和感觸，這部電影不僅有商業片的魅力，同時影片的立意也絕對適合每一位中國人，讓我們感嘆和平來之不易，因而我們要珍惜和感恩，不能忘記為我們拋頭顱灑過熱血的前輩們，向他們致敬，好好珍惜當下，努力向上，向榜樣前輩學習，做有價值的人，這樣我們的人生也才會更有意義。

電影《懸崖之上》觀後感4

五一勞動節的到來讓無數網友都興奮不已，不僅有長達五天的放假休閑時間，還有數部經典好看的電影到來。在五一檔的前一天，張藝謀導演的首部諜戰大片《懸崖之上》正式上映了，我也在五一放假的第一天，就到電影院觀看這部令人期待許久的諜戰電影。

作為著名導演，張藝謀給我們帶來不知多少好看又經典的好電影，這一次的《懸崖之上》也是吊足了網友們的胃口;因為這部片子早在很久的時候，就公布說有眾多實力派演員，可以說是眾星雲集，自然受到無數網友的關注與期盼。

我自然也不會例外，因為在這部電影中，有一個我非常喜歡的演員，張譯！只要是他出現的電影，不僅經典好看，電影的整體質量也非常不錯，只要有他，那基本就不會太差。

《懸崖之上》給我們講述了，在上世紀三十年代時，一場名為「烏特拉」的行動中，四位愛國志士，因為叛徒的出賣，最後深陷敵人重重羅網，最後周旋脫身的故事。

這一次的《懸崖之上》中，眾多優秀演員們那經典絕倫的表演，就給我帶來非常深刻的印象。一個優秀的演員，到底可以給一部電影帶來多大的提升;而懸崖之上這部電影，有眾多演技精湛的演員，更是給我們帶來一場非常華立的視聽盛宴。

通過觀看這個電影我感觸良多，我們的祖國有如今這個美好和平的社會，絕對離不開當年無數英烈先輩們的無私付出，正是因為有他們立足於懸崖之上時，無畏艱難的付出，我們才能享受如今和平安寧的生活。

電影《懸崖之上》觀後感5

如果說《一秒鍾》讓人看到張藝謀還在盡責地創作，那麼這部《懸崖之上》，則讓人再次記起那個拍《長城》的張藝謀。

這部《懸崖之上》為我們帶來了很大的驚喜，作為一部諜戰電影，時間線的推進，空間的安排上幾乎沒有沒什麼讓人挑剔的地方。面對撲面而來的敵人，在冷雪狂暴中戰斗，這也是我們動容的張藝謀導演一直沒有放棄對文化傳統的展現。

電影採用了特殊的傳達方式，每一個片段都更為激烈，同時又幾個片段緊緊聯系著，互相照應著，畫面配色也是非常的絕美。由於都是一些老戲骨演員，每一個動作與情感的傳達，無不牽動著觀眾的情緒，當然年輕演員們也是很出彩。

電影中的每一個位人物，都有肩負著自己的使命，容不得有一刻的'疏忽，執行任務前抱著向死而生的決心，但又為了完成使命，不放棄每一次活著的機會。張譯老師飾演的角色，被敵人被捕後，面對皮肉的折磨與摧殘之下，依舊保持著高度的意志力，最終還是逃出了敵方的魔掌。

面對這樣的角色，張譯老師的演技釋放的得淋漓盡致！這不僅僅是對死去的戰士一種堅守，更是警告我們，如今現在美好的生活，是無數個英雄捨命換來的。對於能否堅守住祖國的未來，並且強大起來，這是我們每一個中國人都要堅守的道，所謂英雄不問出處，向每一位捨命救國的英雄們致敬！

電影《懸崖之上》觀後感6

4月30號諜戰電影《懸崖之上》上映，這是由著名導演張藝謀指導的電影，同時也是張藝謀導演指導的首部諜戰片電影。《懸崖之上》主要講述了一群特工與敵人鬥智斗勇，在嚴峻的環境下秘密執行任務。該片最大的亮點莫過於強大的演員陣容，如裡面的張譯、秦海璐、朱亞文、於和偉等著名演員，他們的演技一個比一個炸裂。張藝謀導演一生對電影的熱愛追求相信大家一定能感受得到，不斷高產電影也是他實力的證明。

該影片故事背景發生在二十世紀三十年代，講述為了獲得日本展開反人類實驗的證據，名為烏特拉的四人組被派去執行任務。觀看這部電影，裡面的情節讓人情緒千變萬化，胸腔的憤怒、心酸、感慨逆襲而來，看著銀幕上那一條條生命在敵人眼裡不值錢，隨時都會被奪取，讓人心裡觸動感到心酸，這一條條生命他們有著各自的難處，面對生死的選擇，他們用著無私無畏的犧牲，默默無聞的犧牲來換取人們的幸福。

觀看《懸崖之上》這部電影，裡面的情節殘忍卻又如此的真實，面對生死的恐懼，敵人的殘忍逼供讓我想起了抗戰英雄，或許影片中的殘忍沒有真實的故事殘酷，卻讓我們還原看到了當初那些愛國英雄們為了人民的幸福鋌而走險，用無私奉獻的精神付出了自己的生命才換來了如今的幸福家園，影片的歌曲中有這么一句話讓我記憶深刻，那就是「今天的歲月靜好，是有他們曾經的負重前行」。

電影《懸崖之上》觀後感7

看《懸崖之上》，因其盛名。

據媒體介紹，這是張藝謀的首部諜戰片。以1934年發生的抗日史實為依據，所編織的全新的故事：一支由張譯飾演的張孝臣為主的四人特工小組在蘇聯進行長期受訓後，前往當時被偽滿洲國統治的哈爾濱執行「烏特拉行動」，所謂「烏特拉行動」，就是接走一位特殊人物，讓他在國際社會面前揭露日本人實行細菌戰的罪行。他們兩人一組，跳傘降落。由於叛徒的出賣，從落地第一刻起，就不斷遭遇敵人的陷阱、叛徒的變節泄密，特務的圍追堵截，以及哈爾濱風雪籠罩下的重重殺機。「懸崖」之上，是本能求生，還是堅定信仰？選擇，叩響了這部影片的價值追問。

故事的橋段很老套，主旋律也很鮮明。但敘述故事的手法，卻精彩頻出。

影片一如既往繼承了張藝謀以往的風格，動用大手筆造景來烘托主題。在宏大的時間和空間背景下展開故事敘述。東北、冬天、森林、大雪，極寒的天氣。影片一開始，就如同拉開了一副晦澀的東北風物長卷。而白則是整幅長卷的主色調，也是東北白色恐怖的象徵。鏡頭，從一開頭到結尾，一直在捕捉漫天亂鑽的大雪：森林裡，半人高的積雪，強硬地阻礙著前行的每一步；鐵道上肆虐的飛雪，灌注到心裡的，只有冰冷和殘酷；城市裡，被雪包裹粗壯的電線，縱橫交叉、在半空中布下天羅地網；張孝臣的黑色帽檐邊，閃著寒光的白色。彷彿只有無邊無際的雪景才能渲染出無窮無盡的悲壯。又或許，雪的映照，才能烘托出孤膽英雄人性的光芒。雪，一直在提示我們，正是這些無名英雄，悲愴而又恆久，刻在19xx年的東北歷史里。

色彩的象徵意義，讓人不由聯想到了《紅高粱》，鋪天蓋地的紅色，以極大的吸力抓住了觀眾的眼睛和心靈。兩部影片，似乎都巧妙運用了色彩的象徵意義，將影片的審美與觀眾的視覺感官與心理感受結合在一起，讓人物的藝術魅力猛然爆發。

每一部影片都是一部有聲的小說，都會沿用了小說中常見的對比手法，《懸崖之上》也是如此：黑與白，暗與亮、冷與暖、生與死、愛與恨、理想與現實，信仰與犧牲，無情與有情，感性和理性。人與人、人與自，不同的對比，呈現出不同選擇，不同的世界，不同的價值觀和人生觀。

且不論雷佳音飾演的叛徒投降求生與一行四人的堅守赴死對比，於和偉飾演的卧底周乙，表面內斂冷靜與內心波濤洶涌的對比。影片中，還有一處對比，看似平常，卻令我難以忘懷。

剛到哈爾濱，張孝臣與劉浩存飾演的小蘭站在雪夜中對話，張孝臣指著前方開闊的一片平房，那裡有星星點點的光，雪夜裡格外明亮。他告訴小蘭，那裡有他曾經的生活、記憶，還有他的兩個孩子。並且告訴他，烏特拉的意思就是「黎明」，小蘭流著淚問，能看見黎明嗎？而結束的時候，莽莽蓁蓁的山林，已經在明亮的雪光里醒來，脫掉了黑夜的外衣，無比柔和溫暖。只是，和小蘭對話的人已經是卧底周乙了，他們將會繼續以自己的犧牲換取同志生存的下一個任務。

人性之下，是本能；人性之上，是信仰。付本能以信仰之崇高，付信仰以人性之美好。這，無疑是對「人性與信仰」選擇的深度詮釋。因了對比，觀眾自然接受並能深刻理解，他們的捨生取義，是讓別人更好的活著。這，才是對生命的最大的悲憫和敬重。

我想，如果觀眾也運用對比，把這部影片同侯孝賢、王家衛的影片相比較，就會發現，侯孝賢超現實主義的蒙太奇手法，太過於中庸，王家衛舒緩又抽離，離散又統一的敘事風格又過於前衛。只有《懸崖之上》，敢於把當時真實的社會現實，客觀的、不加避諱地撕裂，撒下一地血腥，讓觀眾正視。從這個角度來看，這部影片，真算得上，是一部現實主義的代表作。

高度緊張的節奏感，也是影片一大特點。影片從頭到尾，並未出現真正的懸崖。卻隨時都讓觀眾有如行走在懸崖之上，面臨生與死的驚險和緊張。

影片一開始，營造出生與死的巨大恐懼。偽滿洲國的特務在雪地里，槍殺革命者，噴一口白酒，濺一身殷紅的血。雷佳音飾演的叛徒就此嚇得變節投敵。

一邊張孝臣遭遇沙溢飾演的裝接頭人的特務，沒說兩句，各自發現暴露，立即就是一場生死廝殺。剛逃離出來，火車上小蘭被特務發現，拉到乘務室審問，快要暴露之際，張譯趕到狹小的空間，兩人合作除掉特務，又是一場生死廝殺；火車站，軍警圍剿小蘭，小蘭無奈從賓士的火車跳下雪地，又遇見兇狠敵人，險象環生，也是一場與命相搏。張孝臣被捕，電閘一開一合，每一塊肌肉都在抽搐，血肉飛濺，生還是死，讓你從身到心，都處在了懸崖之上。

另一邊，秦海璐飾演的王郁和朱亞文飾演的楚良這個組，直接就鑽進敵人的圈套，毫無防備。當二人明白真相，准備在周乙的幫助下，計劃逃走。然而，敵人的步步設防，步步緊逼，激烈的槍戰過後，楚良身受重傷，頭破血流，盡管，對戀人小蘭還有太多不舍，但他堅定信仰，口服毒葯，慷慨赴死。看到他犧牲時怒睜的雙目，觀眾的緊張情緒被徹底激發，四周，都能清晰聽見抽泣的聲音。

一直到影片快結束，觀眾緊張的情緒都不能得到舒緩。特務頭子似乎解除了對於和偉飾演的卧底的觀察，但隨之一句話：內鬼暫時不查了，他自己會跳出來的。一處小的伏筆、為周乙最終被發現的命運做足了鋪墊，周乙什麼時候暴露，又是怎樣暴露的？留白帶來的窒息感，再一次扼住觀眾的喉嚨。

當然，看完影片，毫無疑問，每一位觀眾都找到了捨生取義的價值皈依：懸崖之上，是比人性本能更堅不可摧的的信仰。

電影《懸崖之上》觀後感8

每個人對「英雄」這兩個字都有著不同的定義。有人認為，打敗怪獸的奧特曼是英雄；有人認為，開天闢地的盤古是英雄；還有人認為，拯救世界的007特工是英雄……而這個世界上，卻有一種「無名」英雄，你甚至不知道他的真實姓名，你也可能沒有聽說過他們的故事，但是，他們卻令人肅然起敬，他們就是隱蔽戰線上的無名英雄。五一期間，我和家人一起看了一部電影，這部電影講述的就是這些無名英雄的故事，這部影片叫《懸崖之上》。

《懸崖之上》發生的年代在1932年，日軍佔領東三省，一群無名英雄為了獲取日軍反人類實驗的證據，在蘇聯受訓後，回國執行「烏特拉」行動。電影的場景幾乎都是在東北極寒的天氣下發生，給觀眾一種冷冽、冷峻和冷酷的感受。令人沒有想到的是，這次行動從一開始就被一個叛徒出賣了，而執行這個行動的四名特工們也從影片一開始就被推到了「懸崖之上」。

影片中的特工不像好萊塢大片《碟中諜》、《007》那樣是無所不能的，他們是一群有血有肉的普通人，面對嚴酷的斗爭，他們不得不拋棄自己的感情，拋棄自己的肉體，甚至拋棄自己的生命。他們面臨的考驗是嚴峻的，他們遭受的折磨是痛苦的，盡管如此，他們仍沒有向敵人投降，而是想方設法傳遞情報完成任務。「烏特拉」在俄語中是黎明的意思，正是這樣一群無名英雄，用自己的信仰戰勝了黑暗，他們對光明的追求戰勝了肉體的痛苦，而我們正生活在他們所創造的黎明中。

影片結束，我的心情久久不能平靜。今天的我們，出生在盛世中國，也許無法體會無數先烈們斗爭的艱辛，但我們不應該忘卻他們，正如魯迅先生在《為了忘卻的紀念》一文中寫的那樣：將來總會有記起他們，再說他們的時候。是他們用自己的犧牲創造了光明，沒有他們，就沒有我們如今的幸福生活，只要我們記得這些無名英雄，他們就永遠活在我們心中。

2. 歷練電影觀後感100字

寫作思路：有些人在曲折的生活道路上顯得脆弱。但人只要有毅力和決心，就會發現活著就是幸福。

主人公是一種叫雕鷹的雄鷹，它生活在遼闊的亞馬遜平原上，以飛行時間之長、速度之快、動作之敏捷，堪稱鷹中之最，因而被冠以「飛行之王」的稱號。但是雕鷹那雙強健的翅膀並非與生俱來，那是在血與淚的磨練中成長起來的！誰能想到那壯麗的飛翔後面卻蘊含著滴血的悲壯？

原來，幼鷹剛出生不久後，就要接受成百上千次的飛行訓練，否則就得不到食物。接著母鷹會將幼鷹帶至高處並摔下去，有的幼鷹因膽怯而被活活摔死。最後，那些倖存的幼鷹正在成長的翅膀會被母鷹折斷大部分骨骼，然後再次從高處推下，有很多幼鷹就在這時成為了飛翔的祭品，只有少數勇敢者忍著劇痛揮動斷翅堅持飛翔，最終像鳳凰涅盤一樣浴血重生了。鷹媽媽深知：這樣做雖然殘酷，但有利於孩子的成長與人格獨立。

但是在更為高等的人類社會中，我們時常會看到反例。「XX歌星（影星）的子女吸毒」、「XX富二代、官二代吸毒、受賄、貪污、漏稅」，或是獨生子女被寵成小皇帝、小公主，四體不勤，五穀不分。還記得先前的一個報道：「8歲男童因母親不給買玩具而踢打母親，母親連連求饒」。

看完不覺心驚，溺愛孩子的後果竟是這樣！「大學生因生活不能自理而被退學」這種事也已屢見不鮮。但我們在閱讀新聞的同時，是否也該深深的反思一下自己的所作所為？想想溺愛的危害，想想我們的孩子究竟需要怎樣的愛？

雕鷹訓練孩子飛翔所用的殘酷手段在大自然中也實屬常見，比如老虎迫使幼虎獨自覓食或是狐狸為了孩子能夠獨立生存而忍痛清窩。人類比動物更為高等，但如今卻做出溺愛孩子那樣不明事理的事，可以說他們的行為還不如動物明智！

愛孩子是人之常情，但時時刻刻都在父母庇護下生活的人，他的羽翼就永遠無法豐滿，而他自己也就無法飛上藍天！請讓孩子接受風雨的洗禮吧，請不要將他拘束在「溺愛」這把「大傘」之下而無力飛翔！

那些溺愛著孩子的家長們，正確的愛並不是一味的寵著他、護著他，而是去指導他、鼓勵他，甚至是逼迫他去打拚一片屬於自己的天空！

3. 張藝謀導演電影《長城》的觀後感是怎樣的

這則寓言的內容是：狐狸譏笑母獅子每胎只生一子，母獅子回答說：「然而是獅子！」這個故事雖然不長，但它的啟示卻不小。它讓我懂得了，事物不在多，而在於精。也就是說，美好的事物在質而不在量。
記得上小學時，有一次，老師布置了一項作業，要求把語文書第一單元的生字一個抄兩遍。回到家，我就翻開作業，以最快的速度三下五除二地抄完了。抄完後，覺得第一單元的生字還比較少，便自作主張又把第二的生字抄完了。合上作業本，我就喜滋滋地等著第二天交上去後老師給我的表揚。可當作業本再次發下來，我的本子被老師用紅筆寫道：「寫得不認真！」，看著這幾個紅字我心裡就很不服氣：哼，多寫了一點還要受批評，什麼意思嘛！

4. 狙擊手觀後感1500字

電影《狙擊手》觀後感：張藝謀在試圖通過《狙擊手》探索中國主旋律的另一種表達，他將自己的戰爭情懷、人文關懷和主旋律戰爭電影的類型化進行交融。我們能看到的是鋪天蓋地，是狂轟濫炸，是一個又一個特效堆起來的「大片」。這固然是吸引眼球的，但我們卻遲遲沒有看到另外一種選擇，在這個方面，《狙擊手》是有想法且有勇氣的。

影片根據抗美援朝戰爭「冷槍冷炮」運動中神槍手群體事跡改編。1952年冬至1953年初，中國人民志願軍與聯合國軍在朝鮮戰場形成僵持，雙方發起了低強度的密集狙擊戰，史稱"冷槍冷炮運動"。在連長帶領下的狙擊五班戰士槍法過人，成為敵軍的心頭大患，班長劉文武更成為重點狙擊對象。

該影片一上映就收到了頗多好評，被收錄進了2022年最值得期待的影片，是2月1日春節檔上映，影片全長96分鍾。由張譯、陳永勝、章宇、黃炎等人主演。

5. 急求張藝謀的簡介成就,要英文!!!!

From 1987 to 1999, he directed red sorghum and other films, which won film awards at home and abroad.

（1987年至1999年執導的《紅高粱》、《菊豆》、《秋菊打官司》、《活著》、《一個都不能少》等影片令其在國內外屢獲電影獎項。）

After 2002, the commercial film hero, which was turned into a director, broke the box office record of Chinese films twice.

（2002年後轉型執導的商業片《英雄》、《滿城盡帶黃金甲》及《金陵十三釵》兩次刷新中國電影票房紀錄。）

In 2008, he was the chief director of the opening and closing ceremonies of the Beijing Olympic Games.

（2008年擔任北京奧運會開幕式和閉幕式總導演。）

Won the 2008 world Chinese influence award and top 10 people moved by CCTV.

（獲得2008影響世界華人大獎和央視主辦的感動中國十大人物，並提名美國《時代周刊》年度人物。）

(5)張藝謀的電影觀後感英文擴展閱讀

張藝謀早年經歷：1957至1962年，張藝謀就讀於西安市通濟坊小學。1962至1966年，就讀於西安市第三十中學。1968至1971年，初中畢業後在陝西乾縣農村插隊勞動。

1971至1978年，在陝西咸陽市棉紡八廠當工人。1978年9月，高考恢復後，破格進入北京電影學院攝影系學習。1982年7月畢業後任廣西電影製片廠攝影師，戶籍也轉到了廣西南寧。

6. 急求！！張藝謀《英雄》影評

毋庸置疑，《英雄》是張藝謀最具爭議的電影作品。最有意思的是，《英雄》在國內外之大相徑庭的評價和口碑。國內的影評人和觀眾對這部電影多持負面態度，統一的認為這部電影缺少內在精神價值判斷，充斥藝術靈魂的空洞，華麗有餘而內容不足；而西方媒體和觀眾卻視這部電影為神作，例如我一個畫畫的美國朋友認為此片是他看過最好的非英語電影，用「無盡的詩意」和「純粹的藝術想像」去贊譽它。

官方信息來看，美國《紐約時報》曾用整整兩個版面報道這部電影，稱「《英雄》這部電影經典得就像中國的《紅樓夢》，也是我們美國奧斯卡的無冕之王。」 而在2005年美國《時代》雜志評選的「2004年全球十大最佳電影」里，《英雄》更是排名第一，成就了華語電影首次問榜登頂的神話。

這樣的口碑差異是值得研究的。張藝謀曾在一次訪談里說，從《英雄》開始，他的大部分電影都不叫觀眾滿意，而原因就是因為他是張藝謀。用他自己的原話就是，「這電影擱在別人那兒，都是好電影」。

這句話也很令人回味，道出了觀眾對於大導演的藝術期待，你是張藝謀，你就應該水平比別人高；同時，也反映出觀眾對於導演「人藝合一」的期待，超生風波，包括接手奧運會開幕式，都讓張藝謀的影迷對於一個藝術導演的純粹性打了折扣。

但話說回來，就《英雄》這部電影本身而言，它真的有國人批判的那麼差勁嗎？

首先，我認為有幾點是可以作為客觀評價這部電影的基礎。

第一，「武俠」的概念是主觀的。沒有一個今天的人是真的生活過在一個「武俠」的世界裡的，也有沒有一個字典或一本教課書來給出「武俠」這一含義的標准解釋。所以，人們對於武俠的理解都是基於文學、美術、影視等人為創造的、間接建構的信息，那麼，這個「武俠」的概念和觀點就是絕對主觀的。一千個讀者就有一千個哈姆雷特，一千個人就有一千個「武俠」，一千個「江湖」。張藝謀拍的是一個自己臆想里的「武俠」精神，所以，有人叫好，有人批評，是很正常的。

第二，「武俠」不是張藝謀成長的世界，也不是他骨子裡的精神。張藝謀是個典型的「中國式」導演，他的成長環境、審美品位、藝術理念，都是很傳統的，中國式的大紅大綠，透露著人多、地大、黃土高坡的壯美和豪情。所以，類似於《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》等傳統文化的、鄉土環境的、內陸氣息的、現實主義的電影題材才是張藝謀根子里的東西。他深有體會，包含情懷，所以這類題材的電影他拿捏得當，立意深刻，飽受好評。較徐克這樣的導演而言，《英雄》想表達的武俠世界絕對不是張藝謀的主場，也不是他的專長，所以電影拍得不進油鹽滋味，可以理解。

第三，《英雄》是張藝謀的野心之作。不可否認的，張藝謀拍《英雄》是受到了李安的《卧虎藏龍》的影響，他也想拍一個叫西方人大開眼界的視覺奇觀，並進軍好萊塢，最好能拿個奧斯卡。新千年後的張藝謀，已經憑借《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠高高掛》、《秋菊打官司》、《活著》、《搖啊搖，搖到外婆橋》，包括《我的父親母親》在國內獲得了無數的聲譽，已經是國內一線大導演，於是野心放大，想征服國外市場，也是情理之中。這種國內大導演想在國際市場獲得認可的心態在後來的馮小剛身上體現的更明顯。作為一個賣座但不得獎的導演，馮小剛自己也坦言，《夜宴》算是他進軍國外、企圖得獎的野心之作，最有趣的是《卧虎藏龍》、《英雄》、《夜宴》有一些一以貫之的元素，例如章子怡的形象，譚盾的電影音樂（這三部電影音樂完成了譚盾自己的「武俠三部曲」）。所以，在這個基礎上，我們應該明確，張藝謀拍《英雄》的主要目的是給外國人看的。他選擇了一條自己不擅長走的題材道路，目的是證明自己的視覺藝術控制力，至於結果怎麼樣，我們細細來看。

從很大程度上說，中國內地有一整個時代的電影觀眾都是在張藝謀那寫意又寫實的電影里成長的。例如我爹，是絕對的張藝謀腦殘粉，視鞏俐為心中的第一女神。他的《紅高粱》、《菊豆》、《大紅燈籠》等電影，敘事風格充滿了中原文化的豪氣，講究的色彩和構圖形成了獨特的電影語言。張藝謀的電影注重寓意、象徵意味豐富，這個陝西漢子用朴實的獨白和激情的畫面講述了一些我們文化「根」里的東西，剖析中國的社會、中國人的命運。所以，當2002年，這個黃土地導演用巨星雲集的商業大片描述一個虛幻的「武俠」故事時，人們都驚訝了。無論是題材，還是製作，《英雄》都一反張藝謀電影的常規，打破了人們的預期。

這部電影斥資3000萬美元，成為了當年投資最高的中國電影。在演員陣容上，此片匯集了李連傑、梁朝偉、張曼玉、章子怡、陳道明、甄子丹這一批國際國內知名的當紅影星，就連電影主題曲的演唱者也是天後王菲。這種製作陣容放在今天也是十分可觀的。最終，這部電影在國內的票房高達2.5億人民幣，成為了中國歷史上第一個票房過億的影片，創下了無數個歷史奇跡。兩年之後，電影於2004年八月在北美地區上映，連續兩周奪得票房冠軍，全球票房達到1.77億美元，這種華語電影在好萊塢地區的驕傲成績至今也非常可觀。

所以，就中國電影進程來看，《英雄》毫無疑問是中國電影「大片時代」的里程碑。自此之後，中國電影拉開了商業大片的時代帷幕。砸投資，拼明星，狂宣傳，這開始成為一種商業操作的模式。

於是，電影觀眾在大量的「大投資」、「大明星」、「大爛片」的惡性循環里感到失望，也開始埋怨起這種大片模式的怨始作俑者，張藝謀的《英雄》。

我個人就十分懷念八十年代末中國電影的誠摯時期。有張照片我記得清楚，畫面里有三個光著膀子站在高粱地里的男人，分別是莫言、姜文，還有一個帶著一身黃土、笑眯了眼睛的導演張藝謀。

但話又說回來，撇開導演的個人野心和商業大片的操作，《英雄》作為一部電影又如何呢？

《英雄》的故事情節簡單得幾乎可以不用復述，張藝謀版的「荊軻刺秦王」，在電影語言里描寫了一個「講故事」的故事：刺客無名背負著刺秦的使命來到秦王面前，為了完成自己十年練就的「十步一殺」的絕技，他需要長空、飛雪、殘劍三位刺客的犧牲而接近秦王。電影的整個架構就在無名與秦王二人的對話中產生，回憶和現實不斷交織，真實和謊言相互交錯。幾位刺客的形象在風格化的色彩敘述分支中不斷豐滿成型，秦王的回憶和猜想也推進了故事的進展。最後，無名受到殘劍「天下」概念的啟發，在與秦王面對面的交涉之後，決定為了天下的大一統而放棄刺秦的任務，犧牲自己，最終完成了故事對於歷史上秦國統一天下的結局對接。

這種電影構成和敘事模式展現了自20世紀九十年代以來，在西方世界頗為流行的多視角、分段式敘事，展現了同一故事的不同角度，刻畫了不同人物在同一事件中的各自經歷和感受。在某種程度上說，這種敘事模式給予了觀眾多元化體驗的可能，完整了單一敘事中的情感缺口；同時，在哲學思想上，也表達了藝術家對於「真實」和「體驗」的辯證關系、復雜結構的反思，試圖用多人、多角度的私人化體驗去拼貼一個集體事件的「真實」外衣，從現象學的角度去考量個體和群體的聯系。

所以，《英雄》的電影模式雖談不上新奇，但卻是中國電影在傳統敘事模式上的突破，也展現了中國導演在西方文化語境和意識形態的影響下產生的藝術實驗。

這種多線多角度的分段敘事成為了《英雄》故事本身的情節矛盾，到底哪裡是真實、哪裡是謊言成為了無名和秦王鬥智斗勇的交鋒，它們的互補和互斥也成為了觀眾思考的主題。

西方導演在使用分段敘事、多角度回憶的電影創作時，多習慣於用文字標題來提醒觀眾，最著名的例子要算鬼才導演昆丁·塔侖蒂諾的《低俗小說》。這部電影由「文森特和瑪莎的妻子」、「金錶」、「邦妮的處境」三個故事，加上序幕和尾聲這五個部分組成。風格化的字體和標題的運用把這五個環環相扣的小故事分隔開來。這種由標題統領的「環形敘事」的結構成為了電影史中的經典，其中標題的運用也影響了好萊塢的類型化影片的發展。這種文字標題的使用既體現了導演的個人風格，更體現出了美國主流文化里受到自六十年代後的「波普藝術」的影響，文字和語言在視覺藝術里的直接參與表達了以廣告為主的大眾文化和商品經濟對於流行文化的入侵。

而張藝謀作為中國導演，在進行風格化的分段敘事時，沒有採用「文字標題」的手段而是使用「色彩」這一元素對不同主體的故事進行分割。這既符合中國文化里內斂寫意的氣質，點到為止而不必點破，也符合導演個人的審美喜好和一貫創作風格。張藝謀的色彩美學在這部電影里發揮到了極致：色彩不僅僅成為了渲染電影情緒、人物心情的元素，色彩更是成為了電影情節推動和故事邏輯構成的主角。所以，色彩分段敘事成為了《英雄》的巨大視覺標識，讓人們記住了張曼玉和章子怡在黃色樹林里決斗時的紅衣飄飄，也讓人們記住了李連傑和梁朝偉在碧水山巒上對戰時的俠氣青衣。

電影的色彩分段敘事主要分為四大色塊：

第一塊是黑色主題，主要為無名和秦王在現實主線中的色調，這個黑色的主線貫穿電影始終，從二人的衣服發飾，到秦宮大殿內的擺設，到衛兵大臣們的一眾黑色，都象徵了那個鐵器時代的風貌，秦國的威嚴和歷史的殘酷；

第二塊是無名講述的第一個故事，以飛雪、殘劍在趙國書館的紅色基調為主，紅色映照著這個故事中對於愛欲的描寫，體現著愛、恨、佔有、嫉妒等激烈的人類情感；在另一方面又伴隨著秦軍大部隊的箭雨腥風，紅色象徵著歷史興衰滅亡的血液，而與硃砂這一書寫材料的顏色相呼應，又在情感上體現了導演對於文化血脈這一重要情懷的暗指；

第三塊敘事主要由秦王的回憶和想像講出，以三位刺客的藍綠色調為主，刻畫了一個仙氣十足的境界，水藍色既表現出秦王內心世界的縝密心思、鎮靜強大，又在氣質上體現了殘劍飛雪這一對俠義眷侶的超脫世俗的氣質，在形式上模仿山川、江河的流動與飄逸，也包含了秦王對於俠情義膽的崇敬，對於胸懷坦盪的劍客精神的尊重；

而最後一個色塊是表現真實世界的白色敘述，白色在本意上體現出真實，本質，干凈，統一，既是最簡單的存在，也是最難得的純粹。光可以看作是白色的，水可看作是白色的，風可看作是白色的，白色構成了這個復雜世界的基本元素，導演在賦予真實以「白色」的外衣之時，也在對這個意義復雜的存在基本付諸個人化的思考。

這種極其風格化的敘事方法給張藝謀帶來了兩極式的評價。熱愛這種極度寫意化、舞台化表現手法的人對這部電影的贊美滔滔不絕，稱《英雄》成就了電影視覺世界的空前美景，其色彩的運用媲美黑澤明的電影經典《亂》。而習慣於張導早期電影的觀眾則失望於美麗的視覺世界裡缺少了一個震撼人心的故事，對於這種虛無武俠世界的淺層詮釋也讓他們無法在所謂的「天下」概念里找到人物轉變的合理解釋。

而這種「所見」與「所感」之間產生的巨大不平衡正是《英雄》這部電影飽受爭議的原因。

西方觀眾因為缺少對於秦國大一統歷史的了解，抱著對於武俠世界的無盡想像，驚嘆於這個詩意暴力美學里的世界。面對這個他們並不了解、少有熟悉的東方環境和俠義精神，他們選擇完全的相信，賦予充足的尊重。可以說，西方觀眾多是抱著欣賞的態度去觀看這部影片，選擇沉浸和融化在那個美麗而遙遠的精神世界裡。

而對於中國觀眾而言，人們本著對於「荊軻刺秦」的個人歷史觀，對於「武俠」精神的自我理解，對於張藝謀電影的心理期待，都是帶著批判和審視的眼光去觀看這部電影的。還是那句話，西方世界裡，一千個觀眾就有一千個哈姆雷特，而《英雄》放在中國觀眾的眼光里，也正是一千個觀眾就有一千個「武俠」，一千個秦始皇，一千個無名，一千個「英雄」的定義，一千個「天下」的價值觀。這種豐富的背景知識和情理常識讓中國觀眾很難在張藝謀給出的唯一答案里找到最讓自己信服的解釋。

在《悲劇的誕生》一書中，尼采曾將古代藝術分為兩類，一類是阿波羅式的藝術，指的是理智的、規則的、文雅的藝術；第二類是狄俄尼索斯式的藝術，所指的是混亂的、無序的、瘋狂的藝術。

而阿波羅式的藝術代表著知識分子理智的反思，而狄俄尼索斯式的藝術則源自於人類的心理潛意識。這兩種藝術形式與代表它們的神一樣，都是宙斯的兒子，彼此互不相容，但又無法分割。

尼采認為任何形式的藝術作品都含有這兩種基本的表現性質。而表現主義的基本特徵就是狄俄尼索斯式的：在視覺表現上，它們突出地呈現了鮮艷的色彩、扭曲的形式；在技巧上，注重形式的表意、表情緒，創作基於感覺，而不基於理性。所以，廣義的講，表現主義是指任何錶現內心情感的藝術。而從這點看來，張藝謀的《英雄》確實用他的藝術手法展現了表現主義的內涵。

電影的濃烈而分明色彩風格化敘事尤其體現了此片的表現主義手法，而這幾段小故事都源自於單一人物的回憶或是想像，這又符合了表現主義的感性特徵，反映了一個私人化的潛意識視角。

所以，從某一層面上說，基於這種私人化敘事的語言要求，邏輯思維和現實反思並不是電影鏡頭要表達的中心，在這種寫意抒情的語言環境下，苛求表現主義電影的現實反思功能是有些多餘的了。就如同其他表現主義電影那樣，張藝謀在《英雄》的故事裡強調的是觀眾的直覺感受和他藝術的主觀創造，不求復制現實、不對現實理性做出評價，崇尚的是一種類似原始藝術的非實在性的、裝飾性的美，並求在濃烈的色彩、強烈的明暗對比中創造出一種極端純粹的精神世界，致使超現實的藝術風格更進一步的發展。

但是，這種基於尼采主觀唯心主義哲學的創作本身就是會遭受到社會質疑的。

這種只表現私人內心、體現情感宣洩的作品從一定程度上講體現了虛無主義精神的本質，在影像世界裡只關注異化精神的表象而不去反思現實世界的矛盾。雖然人類的共性是企圖在現實中找到精神的安慰，逃亡不可避免的沖突，但這種類似精神鴉片般的藝術手法無法揭示生活的真諦，無法給我們的真實世界提出有力的反思。這也是為什麼人們覺得《英雄》這一電影，只有華麗奪目的外表，但無深刻的精神內核的根本原因。

但是，這種源自於表現主義本身的界限不能完全否定《英雄》作為電影的藝術價值。相反，《英雄》這部影片之所以在西方世界獲得了歷史性的成功，正是源於此片對於表現主義影像的較好詮釋。在這種創作精神下，故事的文化內涵和人物的精神世界跨越了語言障礙和東西文化的差異，感染了處在不同時間、不同空間中的生命個體。

通常說，表現主義電影的導演都在創作中注重具有象徵意味的造型和視覺安排，在構圖和布景上下足了功夫。這一點在《英雄》中體現的極其明顯。

總的來說，四大色彩板塊的安排就體現了四條人物主線的情緒和意義，這種通過顏色完成的精神暗指是超越語言和文化的界限的，讓中西方的觀眾在情緒和心理上都能讀懂人物的發展和情節的走向。電影的移動影像被設計平面藝術一般地精心對待，對於居中、對稱、平鋪等畫面結構的安排也展現了視覺語言的力量。

例如秦王大殿內的完全對稱象徵了秦王的嚴謹和畫面情緒的緊張，秦王在鏡頭里的居中體現了他至高無上的權威，凝聚了劇情的張力。

而表現主義電影里常用的人物特寫和富有象徵意義的空鏡頭也在《英雄》中有突出的表現。在許多打戲中，導演刻意放緩了電影的鏡頭速度，用慢鏡頭去特寫人物表情，中國功夫在如夢如幻的服飾幫助下成為了令人沉醉的舞蹈，而主要人物的一顰一笑更是讓人記憶深刻，這種放大式的表演增強了影片的風格化和戲劇性。

而對於環境的渲染則可以看做是對於人物行為和人物內心靈魂的解釋，力圖揭示人物行為背後的情緒和社會原因。這一點從導演對於「沙漠」、「山水」、「樹林」等幾個重要場景的安排就可讀出。在大漠中出現的那幾次交鋒，包括最後殘劍飛雪的殉情，都展現了人物個體在大環境里的渺小和悲劇意味，體現了中原歷史的殘酷，人物心境的蒼涼之態。

而在那場無名和殘劍在意念中進行的湖中大戰里，九寨溝的迷人景色更是把這種意念之態推向了極致。在這種如夢如幻的畫面中進行的打鬥更多的是一種禮儀，一種對話，一種對於逝者的尊敬，和一種對於武俠精神的致意。那片山水呈現出永恆的寧靜之態，超脫了個體生命的愛恨情仇，展現了自然之超越人類的廣闊和純粹，這是對武俠意境和中國山水寫意的重要體現。

在這些導演藝術化處理的主觀鏡頭里，客觀的寫實已經不是電影敘述的主要目的，情節和邏輯的分析讓位於情緒和意識的描繪。《英雄》的故事本身就是在探討「講故事」的私人化和主觀性，而電影鏡頭展現的也正是這種藝術處理後的「主觀的現實」。

這種主觀的現實讓西方觀眾簡單易懂地看到了中國山水詩意的美，武俠世界的瀟灑和無奈，中國文化的博大和深遠。在劇情的推進中，還順帶介紹了武功與琴韻的相通，讓西方看到了「大音希聲之境界」；揭示了書法和劍法的相似，傳達了「靠手腕之力與胸中之氣」的統一；同時還展現了中國文化的歷史，秦國統一度量、統一文字、最後統一天下的文化結果，等等這些內容都讓西方觀眾在看得著迷的同時看到了點中華文化的皮毛。

所以說《英雄》作為一部拍給外國人看的電影，我認為它的使命是完成了的。

形式的壯美附帶著中華文明的情韻被西方人欣然接受，這個結果是理想的。如果真的能讓所有中國觀眾也能在這個表現主義的主觀世界裡讀出點現實主義批判的深刻含義，那麼《英雄》也許真的可以成為中國電影史上最完美的作品了吧。

7. 我最喜愛的演員張藝謀。作文英文的

Zhang Yimou (born November 14, 1950 or 1951)[1][2] is a Chinese film director, procer, writer and actor, and former cinematographer.[3] He is counted amongst the Fifth Generation of Chinese filmmakers, having made his directorial debut in 1987 with Red Sorghum.[4]

Zhang has won numerous awards and recognitions, with Best Foreign Film nominations for Ju Dou in 1990 and Raise the Red Lantern in 1991, Silver Lion and Golden Lion prizes at the Venice Film Festival, Grand Jury Prize at the Cannes Film Festival, and the Golden Bear at the Berlin International Film Festival.[5]

One of Zhang's recurrent themes is the resilience of Chinese people in the face of hardship and adversity, a theme which has been explored in such films as, for example, To Live (1994) and Not One Less (1999). His films are particularly noted for their rich use of colour, as can be seen in some of his early films, like Raise the Red Lantern, and in his wuxia films like Hero and House of Flying Daggers.